Entre los espacios

¿Existe ese verbo?

2012-01-03T20:00:00.000-08:00

Hace mucho que no posteo (¿el español ya hizo suyo ese verbo?) y lo extraño con ese sabordel arrepentimiento. Del color azul. Hay algo delblog que me impresiona y me mantiene al margen. Es esa línea imaginaria que seengrosa con el transcurso del tiempo. Nací cuando nada de éstoexistía y me sigue pareciendo abrumador. Son todas las ideas que surgen sin pasar por el mundo de la edición. A pesar de ser una de ellas, (una editora)escribo y encuentro que la palabraes un medio delicioso del ser. Me lo habría dicho aquél adivino: tu fuerte es la expresión. Pero nunca mehabló del miedo, de la autocensura. Tampoco de la falta de tiempo que azota a loseditores. Él sólo djo eso. Y ya.

Ahoragozo este deseo incumplido (me resisto tantas veces). Porque no ha de importar la crítica. Han sido universos losque se han evaporado. Y a pesar de ellos sigo siendo y me recupero. Y soy.

La ilusión de la desobediencia

2011-10-12T20:26:00.000-07:00

Al organizar el Literal de otoño (2011), pensamos en laposibilidad de invitar a Evgeny Morosov y Malcolm Gladwell para escuchar suopinión sobre el tema que habíamos designado para esa temporada: Ladesobediencia civil. Gladwell aceptó mi invitación, pero a Morosov fueimposible contactarle. Después de haber empezado su libro The Net Delusion, pienso que hubiera sido muy valiosotener a Morosov entre las páginas de Literal. Tal vez su posición hubieraestado a lado de la de Malcolm Gladwell. O quizá se hubiera acercado a la de Julian Baggini, José Woldenbergo Miguel Angel Centeno (Princeton). Pero si nos atenemos a las propuestas queexpresa en el libro, su posición no se hubiera modificado demasiado.

En el primercapítulo de su libro, Morosov expone un atinado análisis sobre las protestas deIran que se llevaron a cabo en el 2009. Morosov, al igual que Gladwell, no creeciegamente en el poder que las redes sociales ejercen sobre una ciudadaníarebelde y cansada de un gobierno opresor. Su teoría es clara: si un árbol cae en el bosque y todo el mundo twitteaal respecto ¿eso significa que los motivos para que el árbol cayera se deben altwitter? La respuesta es simple.Pero entonces ¿por qué tanta propaganda a favor de las redes sociales? Morosovexpone su pensamiento:

Desde el inicio de la guerra de Afganistán e Iraq, la propuesta norteamericana de llevar lalibertad y la democracia al resto del orbe ha ido perdiendo fuerza y pordecirlo en palabras del autor "su poder emancipatorio". Los motivospor los que comenzaron esas guerras los conocemos así como las razones para suinmediata y masiva desacreditación. El proyecto liberador que tomó tanta fuerza durante la Guerra Fría atravieza unacrisis intelectual y se encuentra desgastado, dice el autor. Cualquier personaque apoye la liberación y democratización de un Estado corre el riesgo de serconfundido por un conservador de ultraderecha. En ese sentido, buena parte delentusiasmo que se ha depositado en el internet se debe a la popular creencia de abrir sociedades cerradas. El internet entonces es el último territorio dondeaun se intenta promover la democracia sin intervención militar y bajas humanas.

Hay algo sin embargo, que no podemos pasar por desapercibido eneste intento “democratizador”: el internet, o mejor, los usuarios del intenertpenetran y reorganizan las sociedades que buscan democratizar, su afán de servicioes accesible a todos. Allí dondese promueve la libertad o se convoca a la acción se ofrece espontáneamente unabase de datos que sirven al opresor. En las redes sociales se exponevoluntariamente una oferta de información que en otros tiempos se obtenía solo a través de la tortura.No es muy difícil imaginar a Twitter o Facebook vendiendo nuestros datos y preferencias aempresas de cualquier parte del mundo o incluso a gobiernos. Tampoco es difíclencontrarnos usuarios que toman prestado lo que ofrecemos en nuestras páginasweb. Internet es la base de datos por excelencia. Allí se oferta y se demandala información además de ser unaproyeccion más en donde se vuelve a reflejar la mentalidad de los individuos ypaíses. El internet no cambia nada que no le sea intrínseco a la naturalezahumana y su forma de organizarse. En ese sentido, las revueltas sociales existirán mientras existe gentedispuesta a hacerlo y las redes estarán allí para facilitarlas, no paraprovocarlas.

El día internacional de la risa

2011-10-07T12:53:00.001-07:00

Según dicen los flamantes miembros del Twitter, hoy es el día internacional de la risa. Habrá que celebrarlo, ¡cómo que no!

El hombre y el perro

2011-09-01T11:08:00.000-07:00

Carlos Cruz Diez y la reinvensión de la pintura

2011-05-02T15:52:00.000-07:00

Edición del video: José Antonio Simón

A lo largo de 50 décadas, Carlos Cruz Diez (1923) ha trabajado los orígenes y la óptica del color. El cuerpo de su trabajo integra la participación del que observa al tiempo que insiste en la naturaleza del color. En una exhibición organizada por el MFAH y la fundación Cruz-Diez en la primavera del 2011 tuve la oportunidad de entrevistar por segunda ocasión al Maestro Carlos Cruz Diez. (La primera entrevista se puede leer aquí)

Rose Mary Salum: Como pintor comprometido ¿por qué deja usted de tratar la realidad de su país?

Carlos Cruz Diez: Yo creía que con un cuadro podía modificar una circunstancia. Era una equivocación grande porque los problemas sociales son circunstanciales, los problemas del arte son permanentes, son eternos. Es una supraestructura de la sociedad, y la política, es circunstancial. Eso fue influenciado por el movimiento marxista y su postura contra la historia de la revolución. En Venezuela surgieron muchos artistas que hacían realismo socialista. Pero llegué a la conclusión de que decirle al pobre que es pobre no solucionaba su problema. Yo con la pintura no puedo darle solución; me angustia, me molesta. Tampoco podía solucionar a través de la pintura que la gente viviera bien. Yo me siento artista, y no quiero hacer nada más que esto. Ahí fue que nació una gran pregunta: ¿qué puedo hacer yo como artista? ¿qué es el arte? Se dice en dos palabras, pero me tomó mucho tiempo encontrar uan respuesta formal. Otra cosa que me hizo reflexionar y abandonar esa idea de solucionar los problemas del mundo con un cuadro era que yo exponía esas obras y a las dos horas estaban siendo compradas por los que provocaban la miseria. Entonces sentía que estaba haciendo el payaso y eso no es el arte. Comencé una larga reflexión sobre lo que debería de hacer yo como pintor. Primero como un atleta, me pregunté cuales eran mis talentos. A mi me encantaba dibujar. En ese entonces ganaba la vida como dibujante en tirillas cómicas, publicidad, etc. Pero después pensé: ¿qué puedo mejorar yo sobre las pinturas de Boticelli, de Da Vinci o Picasso? Para descubrir cuales eran mis convicciones y posibilidades. Así como algunos atletas saltan dos metros y otros uno, yo lo que más disfrutaba era colorear. Cuando involucraba al color, sentía una euforia. Entonces por ahí orienté mi vocación. Yo tenía la pretensión de reinventar la pintura. Me planteaba lo que para mi hacían los grandes como Rembrandt o Velazquez, que no solo pintaban, sino reinventaban la pintura. Después de un largo proceso de investigación, llegué a la conclusión de que podría lograr otra percepción del color, porque me di cuenta de que todos los filósofos decían que el color era banal, solo un acompañante de lo que en realidad era lo fundamental. Era la temática de aquella época, el acercarse a la realidad divina . Entre entre más perfecto era el trabajo, más cerca de Dios se estaba. En ese sentido el color siempre estuvo marginalizado. Sin embargo, para mi el color siempre estuvo presente. Yo nací en una ciudad cerca de Caracas donde hay una condición atmosférica tal que una de las montañas que están cerca cambiaba continuamente de color por los vientos galicios. La gente lo siente si esta violeta, azul o amarillo. El color estaba presente, pero ¿cómo podría lograr que fuera una expresión o un discurso? Decirle a la gente: mira el color está presente pero es una circunstancia, no una certeza. Todo el color depende de cómo se le observa. Algo puede ser violeta y al mismo tiempo rojo. Entonces hay una inestabilidad en el color. Algo que he querido hacer a través de mis trabajos es estructurar y reflexionar sobre qué es lo que sostiene al color como produciéndose en el espacio. En realidad el color no está sobre el cuadro, sino en el espacio. Y la culminación de esa reflexión es la materialización de mis obras donde el color realmente está en el espacio sin soporte.

RMS: A usted le tomó años llegar a esa conclusión formal. ¿Cómo enfrentó el rechazo? Cuando había llegado a su propuesta final, la gente se concentraba en otros aspectos y no su revolucionario descubrimiento.

CCD: Eso era una frustración pero a la vez un estímulo. Pensaba que se debía a que mi discurso no era lo suficientemente claro, y ese deseo de ser evidente me llevo a darle soluciones realmente más obvias. Pero siempre con esa idea: el color lanzado al espacio. Esa era mi propuesta y ya no podía cambiar. En mi país dicen: “chivo que se devuelve se desnuca”. Si yo me embarqué en esto no hay vuelta para atrás. Nunca dudé seguir adelante. A lo que ahora he llegado es una acumulación de fracasos. Uno fracasa tanto que llega a hacerlo bien.

RMS: Hace unos momentos nos preguntamos el por qué de lanzar el color al espacio. Sabemos que es una fascinación suya, ¿pero por que hacerlo?

CCD: Eso fue mi aportación al color. El color siempre estuvo sobre un plano. El color en el canvas era sólo una anécdota, parte de la historia que se cuenta en un cuadro, pero no era lo fundamental. Además, los que trataron de darle otra lectura al color lo hicieron dentro de un soporte tradicional. Eso fue el problema de los impresionistas que quisieron darle movilidad al color. Se dieron cuenta por teorías de la física y químicas que se desarrollaron con Chevreul y otros. Desde entonces ya se sentía que el color no tenía estabilidad . Por eso se dio el tratado de Chevreul para las tapicerías de Huillón, para poder colorear las lanas y saber precisamente como imitar el color del boceto del artista. Eso dio una información mayor sobre el color que usaron los impresionistas, pero a pesar de reconocer que era inestable, le dieron un soporte estático. La única idea de Monet fue pintar cuarenta veces un mismo motivo a diferentes horas, pero eso seguía siendo un souvenir, un recuerdo porque lo que él veía—y mientras pasaba el tiempo—, ese violeta que observaba ya no estaba ahí, solo quedaba una memoria. Entonces el reto que tuvo fue descubrir cómo concederle esa movilidad al color. Fue entonces que se me ocurrió ese soporte con el que ahora trabajo en donde se aprecia la trampa de luz que lanza el color al espacio. Ahora, luce sencillo pero no lo es.

RMS: Algo noté en uno de sus paisajes “El Papagayo verde” y “Paisaje de Barsiquimeto” donde se adivinan los inicios del modulo de acontecimiento cromático. Las tejas recuerdan mucho a sus primeros módulos.

CCD: Si, ahora se nota, pero en ese momento yo no lo sabía.

RMS: Me llamó la atención porque no había visto sus obras figurativas en vivo y en directo.

CCD: ¡Porque yo las escondí! Pero me encanta lo que ha hecho Mari Carmen Ramírez con la exposición en el MFAH. A un lado de una de estas obras figurativas, puso una obra manipulable con la misma forma y colores. Pero quería decir que uno nace con una afición por ciertos colores que es como el color de la voz o como caminar lo gestual.

RMS:Y la afición de la cual habla usted, usted parece siempre usar el rojo y el verde.

CCD: Porque ya cuando Newton vino, habló de cómo el rojo y el verde producían el amarillo.

Y en el 58 leí un artículo en American Scientific donde entrevistaban al inventor de la Polaroid, Edwin Land. Había hecho una propuesta de una película bicromática. Tomó una foto con en blanco y negro con un filtro rojo de una manzana, y luego otra igual pero con filtro verde. Y al proyectarlo, se reconstruyeron perfectamente los tonos de la manzana. Se me hizo interesante que usando un mínimo de recursos, lograron reproducir una realidad y hacer colores que no parecían posibles. Ya habían inventado la lectura indirecta del color. En otra ocasión, mientras leía un catàlogo de la sinfónica de Nueva York, noté que la contraportada era roja, y la primera página era blanca, y la luz que iluminaba el rojo se reflejaba sobre la página blanca, coloreándola. De ahí la revelación de pintar un color de lado, en vez de enfrente; el reflejo de la luz creaba una atmósfera de color. Entonces fue una sucesión de cosas. Por ejemplo, en un experimento que llevó a la inducción del amarillo, usé rojo, verde, azul y negro, y al combinarlos me sorprendió que el producto era la inducción del amarillo de la cual hablaba Newton.

RMS: Pero uno tiene que estar muy atento.

CCD: Si, uno debe de tener conocimiento y saber el por qué de las cosas. Porque si no todo es una casualidad y solo ocurre una vez. No se convierte en discurso. Es solo una idea. Ideas tenemos todos, lo importante y lo difícil es crear un concepto, porque el concepto es una plataforma inmensa con la cual puedes justificar la vida, la muerte, el futuro o lo que sea.

RMS: Es un discurso tan nuevo que se tiene que guiar a la gente. Los españoles que llegaban a las Américas llamaban a las pirámides iglesias porque no tenían parámetros para juzgar su verdadero discurso.

CCD: Y por eso lo destruyeron, porque no entendieron. Pero el arte es didáctico así como la poesía o música. Enseñan cosas que uno no sabía estaban ahí.

RMS: Le quería comentar sobre una novela que leí que discutía la libertad, y ya ve que los científicos dicen que no hay libertad o libre albedrío porque todos somos una experiencia química etc. ¿Usted cree que en el arte hay libertad? Uno sabe que hay libertad al ver su obra.

CCD: Pero mire, en realidad lo que uno tiene que tener es estructura. Si no hay estructura, nada sirve. Ni las ideas ni el talento. Yo he apostado con una cantidad de gente, músicos, artistas etc que ahora ¿en donde están? Y es que, siendo inteligentísimos, carecían de estructura. Y eso es algo que aprendí de mi padre, quien tenía una gran afición por los parnasianos. De tantos escritores que dedicaron tanto tiempo a la depuración y purificación del lenguaje, solo quedo uno porque no tenían estructura— sus bellas frases se quedaban en alzar una copa al aire.

RMS: ¿Y cómo se logra la estructura?

CCD: Yo creo que primero con lecturas organizadas y teniendo un deseo. Eso es instintivo, el deseo de ser y hacer. Se nota en las clases más pobres. Hay niños que participan en un gran programa de orquestas juveniles que vienen de un contexto de carencia, y hay muy pocos que, al tomar un instrumento, quieren crecer y volverse una maravilla. En nuestro taller en un barrio pobre de Caracas, intenté hacerlo allí a propósito para llegar a Venezuela y que no me contaran cuentos. Nosotros ayudamos a la gente para que trabajara en el taller, y su excusa era decirnos que no podían hacerlo porque eran pobres. Eso es cultural también.

RMS: Cuando nos enfrentamos a esta realidad cromática usted trata de canalizar el movimiento de la vida. Hablo del concepto de que todas las personas eran autores y actores al mismo tiempo, y en el contexto de su obra, le recuerda a uno la física cuántica en esa dinámica de observador/obra o actor/autor.

CCD: La reflexión que hice fue ¿por qué el artista es privilegiado? ¿Por qué tendríamos que venir a escuchar y rendirle tributo a alguien? Entonces era algo a lo que me oponía. Yo producía algo que quería compartir, como un juego. Hay una cosa que me debe de haber condicionado, el hecho de que soy hijo único, y siempre necesité de gente. Y de pequeño hacía juguetes con periódicos y otras cosas que me permitían interactuar con los demás niños, y eso me llevó a compartir e incluir al espectador. En vez de ser una adulación se volvió una complicidad. Esto lo hacemos entre los dos, y hay un soporte para que el espectador lo complete. Eso es una gran aportación del arte kinético que no se ha entendido todavía. Por primera vez en la historia del arte, el tiempo y el espacio real son instrumentos fundamentales de la invención del arte. Y en vez de ser un arte contemplativo es un arte participativo, por eso es tan actual.

***
Image Courtesy of the MFAH

First Image: Carlos Cruz-Diez, Cromosaturación (Chromosaturation), 1965/2004,
three chromo-cubicles (fluorescent light with blue, red, and green filters), the MFAH.

Second Image: Carlos Cruz-Diez in the Cromosaturación (Chromosaturation) installation at the 2006 exhibition
Carlos Cruz-Diez: La Vida en el Color at the Fundación Previsora Galería in Caracas, Venezuela

Una visita a Ernest Jünger

2011-04-25T09:49:00.000-07:00

En una librería de viejo (quien no las ama) me encontré hace algunos años, con un suplemento cultural de un periódico español; perteneció a una entrega dominical del ABC. La portada es color vino y en el centro se publica la foto de Ernst Jünger. El título: "Entrevista con el escritor a sus cien años". Esta conversación se realizó tres años antes de la muerte del intelectual alemán. El candor con el que el español Sánchez Pascual describe sus primeras impresiones del pueblo donde vivía Jünger (Wilfingen) así como la casa, el estudio e incluso a la esposa del intelectual, me remontaron a esas épocas donde el ritmo del tiempo corría con más lentitud. De lo primero que nos enteramos al leer la entrevista es de que Jünger siempre tuvo la esperanza de volver a ver unificada su Alemania; pero la entrevista comienza a tomar fuerza cuando el reportero español le pregunta sobre el futuro. Jünger le contesta:

-"Nos hallamos en la edad de los titanes. Los dioses se han retirado, pero no han muerto, como dijo Nietzsche. Volverán. El Estado mundial, que ya es una realidad en tantas cosas, tendrá también su configuración política y espero que haya una gran paz. La frase de Nietzsche : 'Dios ha muerto', como toda su filosofía, es propia de titanes. Vea usted un ejemplo. Nietzsche afirma que 'el placer quiere eternidad'. Pero en eso se equivoca. El orgasmo, por poner un caso, no quiere eternidad, sino intemporalidad; quiere que el tiempo quede suspendido, que no fluya. La eternidad del placer sólo la quieren los titanes."

La conversación continúa y uno no puede evitar la sensación de estar en aquel pueblo alemán, dentro de la casa del filósofo y tomando el chocolate caliente a pequeños sorbos y disfrutar de su compañía.

-"Yo no inventé la movilización total", le contesta al reportero cuando éste pregunta sobre el tema, "sino que la descubrí, algo totalmente distinto. Ella estaba allí desde hacía tiempo y la describí. De esa fórmula mía, como de otras, se hizo, por algunos, un uso perverso. Pero es una de tantas cosas que tiene que soportar quien dice lo que ve. Entre tanto, hemos comprobado que países tanto democráticos como totalitarios han decretado en su momento la movilización total. Y siguen haciéndolo."

El interlocutor continúa preguntando sobre algunos otros temas:

1.-La misión del arte, la divinidad y su relación con la literatura.

-"Yo pienso que son dos: acercarnos a la divinidad y desterrar el miedo a la muerte."

2.-La literatura:

-"Yo no podría existir sin ella. Vivo en los libros casi más que en la realidad. Si no tengo algo mejor a mano, leo lo que encuentre, aunque no me guste. Tiene que haber en la lectura algo más que la mera incorporación de contenidos. En la antigua China la destrucción de un papel escrito se consideraba un sacrilegio. En todo caso, aparte de las lectura que realizo aquí en el cuarto de trabajo y en la biblioteca, no consigo dormirme si haber leído antes un par de horas".

¿Cómo se muere ahora?

- "Antiguamente el campesino, cuando le llegaba su hora, se metía en la cama, tomaba la Biblia, leía un poco en ella y oraba. Hoy el morir ya no resulta tan barato, sino carísimo. Se pagan cantidades enormes por tener una mala muerte en los hospitales. No es que la gente tenga hoy más enfermedades, sino que se ha vuelto más miedosa. Morir con un libro en las manos es una bella muerte."

La descripción de la visita y sus pormenores continúa, la mirada de Sánchez Pascual se detiene en cada detalle de la casa, la habitación donde trabaja el intelectual y, sobretodo, en los movimientos corporales que sugieren momentos introspectivos de Jünger. Uno podría jurar que estuvo físicamente en Wilfingen en los años noventa, en el mes de marzo, justo unos días antes del cumpleaños número cien del reconocido autor. Me pregunto si esa era la forma de hacer entrevistas en España. y si hubiera sido aún mejor haber escuchado un poco más la voz de Jünger. Me pregunto si la inmediatez del internet desmerece esos encuentros fortuitos en las librerías de viejo. Me pregunto si no sería bueno ir rescatando estos tesoros, con sus pros y contras y compartirlos de vez en cuando con los lectores de la red.

Marchas en apoyo a la propuesta de Javier Sicilia

2011-04-05T11:30:00.000-07:00

Eduardo Estala Rojas publicó en su muro de FB las 47 marchas que ya han quedado confirmadas para el 6 de abril del 2011 en todas las ciudades de México y las cuatro manifestaciones en París, Nueva York, Barcelona y Buenos Aires. A continuación los horarios y los puntos de partida de cada localidad.

Cuernavaca, Morelos
Miércoles 6 de abril, 17 horas
De la glorieta de la Paz al Zócalo de Cuernavaca.

Ciudad de México
Miércoles 6 de abril , 17 horas
De la explanada de Bellas Artes al Zócalo.

Hermosillo, Sonora
Miércoles 6 de abril, 17 horas
de Plaza E. Zubeldia a Palacios.

MAZATLAN, Sinaloa
Miércoles 6 de abril, 18:30 horas
Kiosko de la Plazuela Machado.

Culiacán, Sinaloa
Miércoles 6 de abril, 18 horas
Frente a la Catedral, Centro Culiacán.

Ciudad Juárez, Chihuahua
Miércoles 6 de abril , 18 horas
Sub-Procuraduria del Estado,
Eje Vial Juan Gabriel y Aserraderos.

Villahermosa, Tabasco
Miercoles 6 de abril, 16.30 horas
entrada principal Tomás Garrido.

Veracruz puerto, Veracruz
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Del Blvd. Avila Camacho a el Asta Bandera.

Pachuca de Soto, Hidalgo
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza Juárez.

Puebla, Puebla
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza de la democracia (Carolino, BUAP)
Juan de Palafox y Mendoza y 4 sur.

Pátzcuaro, Michoacán
miércoles 6 de abril, 17 horas
de la la Plaza Gertrudis Bocanegra (plaza chica)
a la Plaza Vasco de Quiroga.

Manzanillo, Colima
Miércoles 6 de abril, 19 horas
Jardín Municipal del Centro de Manzanillo “Benito Juárez”.

Saltillo, Coahuila
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza de Armas Saltillo.

Guanajuato capital
Miércoles 6 de abril, 19:00 horas
Plaza de la Paz.

Ensenada, B.C.
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Av. Reforma frente al Instituto Mexicano del Seguro Social.

La Paz, BCS
Miércoles 6 de abril, 18:00 HRS
Quiosco del Malecón.

Guadalajara, Jalisco
Miércoles 6 de abril, 18 horas
Concentración en el monumento a los Niños Héroes.

Puerto Vallarta, Jalisco
miércoles 6 de abril, 17 horas
Parque Hidalgo.

Monterrey, Nuevo León
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Explanada de los Héores.

Santiago de Querétaro, Querétaro
miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza de Armas.

Xalapa, Veracruz
Miércoles 6 de abril , 17 horas
desde la Facultad de Economía.

Mérida, Yucatán
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Del remate de Av. Montejo a la Plaza Grande.

Aguascalientes, Aguascalientes
Miércoles 6 de abril, 19 horas
Plaza de la República, frente al Teatro Morelos.

Cancún, Quintana Roo
del Ceviche a la Plaza de la Reforma.
miércoles 6 de abril, 17 horas

Chihuahua capital, Chihuahua
miércoles 6 de abril, 17 horas
Del Palacio de gobierno.

San Luis Potosí, SLP
Miércoles 6 de abril, 18 hrs
de la Caja del Agua a la Plaza de Armas.

Reynosa, Tamaulipas
Miércoles 6 de abril, 17:30 horas
La Trinchera, Av. Los Virreyes y Retorno 6,
a Soriana Ribereña.

Toluca, Edo de México
Miércoles 6 de abril, 12 horas
Kiosco del Parque Vicente Guerrero a Plaza de los Martires
Centro de Toluca.

Toluca, Edo de México
Miércoles 6 de abril, 18 horas
Plaza Fray Andrés de Castro (Lectura de poemas).

Comarca Lagunera (Coahuila y Durango), en Torreón
Miércoles 6 de abril, 17 horas
Fuente del Pensador de la Alameda

Oaxaca capital, Oax
Miércoles 6 de abril, 18 horas
Ex- Convento del Carmen Alto.

Tuxtla Gutiérrez, Chiapas
Miércoles 6 de abril, 17 horas
afuera del Centro Cultural Jaime Sabines.

Tlaxcala, Tlaxcala
miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza Xicotencatl.

Inglaterra

Londres, Reino Unido
miércoles 6 de abril, 17 horas
Embajada de México
16 St George Street.

Dinamarca

Copenhague, Dinamarca
Miércoles 6 de abril, 18 horas,
Instituto Cultural de México,
Gammel Vartov Vej 18, 2900 Hellerup.

Argentina

Buenos Aires, Argentina
Miércoles 6, 17 horas
Embajada de México en Buenos Aires.

Francia

París, Francia
Miércoles 6 de abril, 20 horas
plaza Trocadero
a escribir con tierra: MEXIQUE: 35000 MORTS

Estados Unidos

Nueva York, EUA
Miércoles 6, 12:30 horas
Consulado General de México en Nueva York
27 east 39th Street, New York, NY 10016 EUA.

San Antonio Texas, EUA
Miércoles 6 de abril, 15:30 horas
frente al Consulado General de México
127 Navarro St.

Los Ángeles, EUA
Miércoles 6, 10 am,
frente Consulado General de México
2401 W. 6th Street, LA CA 90057.

Canadá
miércoles 6, 16 horas (mismo horario en todas las sedes)
Consulado General de México en Toronto (199 Bay Street, suite 4440. Commerce Court West),
Consulado General de México en Vancouver (411 - 1177 West Hastings St.)
Consulado General de México en Calgary (Suite 1100-833 4th Avenue SW)
Embajada de México en Canadá (45 O'Connor, Suite 1000, Ottawwa).

Holanda
La Haya, Holanda
Miércoles 6, 17 horas
Embajada de México ante los Paises Bajos
Nassauplein 28, 2585 EC La Haya

España

Barcelona, España
miércoles 6 de abril, 17 horas
Plaza Sant Jaume.

San Sebastián, Donostia, España
Miércoles 6, 20 horas
Palacio del Ayuntamiento.

A Conversation With Thomas Glassford

2011-03-23T15:16:00.000-07:00

In the spring of 2008, I had the opportunity to talk to Thomas Glassford. At that time, we only published most of our conversation at Literal Magazine. . However, there was a part that remained unpublished. Here, you´ll find the rest of the conversation that took place at his studio in Mexico City.

Rose Mary Salum:. Many of your works are dysfunctional objects. Is this another reflection of the contemporary society?

Thomas Glassford: True, they’re commentary on society. These things are dysfunctional, but at the same time they are not. Take the example of the way we dress today. There are elements that are necessarily very functional. The need to cover our bodies, or to keep us warm; these clothes help us live our lives. But at the same time it becomes absolutely absurd and dysfunctional. Something like walking around with high heels. You could argue that they definitely have a function, but it is quite dysfunctional as well. In relation to what we said before, there are aspects of beauty associated with that.

RMS.: What do these words mean to you? vessels, connections, frontier, distortion, hygiene?

TG.: Goodness… Well, yes. They’re definitely very important. The objects that I collect and that have influenced my work are very common and always simple vessels. I don’t know exactly what draws me to them, but I see them everywhere. The body, the vessel of life. And looking at the world today, these vessels are everywhere! Creations made to contain or hold volumes of our own needs, whether they be a mirror, or a simple clay ball, or for that matter an iPod, which is a vessel for all this music that we suddenly feel compelled to carry with us. Its interesting to think many years back, when a gourd would have been a vessel to carry water in a pilgrimage through entire countries. I’m always looking at the history of things and the vessel becomes very much a frontier. I believe these ideas came from living with my parents in Laredo, TX. Their house was right on the border, and it was an extension of the Sonora desert. And the river that passed nearby, literally, from another country, made me think of the dichotomies of the environment and landscapes of culture. It seemed so superficial that this all-important river was close to us, yet superficial ideas separated me from it. And with one of the other words that you mentioned, hygienic, I think more of unhygienic. The idea of filtering things, of keeping things as clean as possible and invisible... I was very interested in that 15 years ago, and it continues to have this influential quality in my work, and in society as well. There’s a possessiveness and an attitude of containment that is represented perfectly in an iPod, with a sleeve so that nobody can touch it, that addresses how we protect ourselves. And there’s also the vessel in the form of a car with its clean and polished exterior that speaks of the fear of wear and age.

***

Thomas Glassford was born on 5th March 1963 in Laredo in Texas where he grew up in a bilingual home, speaking English and Spanish. He soon grew personally familiar with the situation along the border between the USA and Mexico, both historical and cultural. Till 1987 he studied in Austin at the University of Texas, then in the early 1990s moved to Mexico. His works are to be found in notable collections like the Colección Jumex, the Colección de Arte Contemporáneo of the Universidad Nacional Autónoma de México and in the Colección del Centro Cultural Arte Contemporáneo, all in Mexico City, and in the Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo in Spanish Badajoz. Thomas Glassford lives and works in Mexico City where he just inaugurated the Xicotepec project.

THE IRISH PRESENCE IN MEXICO

2011-03-17T09:41:00.000-07:00

Throughout their history, Mexico and Ireland have experienced many similar events, in spite of their physical distance. Because these events have had such an impact on Mexico, it is often said that there is a real Irish presence in Mexican soil.

William Lamport, born in 1615, was one of many Irishmen who became famous in Mexico for his adventurous life. The story tells us that a scandalous love affair caused him to flee to Mexico (Nueva Espa ña), where he was moved by the poverty and degradation of Indians and Africans. Ultimately, he was accused of plotting a war of independence against the government, which led to his imprisonment. After ten years, he escaped and lived as a fugitive, continuing his life and love affairs in the New Spain. Eventually, he was captured and sentenced to death by the Inquisition, launching his name into legendary martyrdom. At the time, his adventurous and charitable lifestyle had such an impact, that citizens dubbed him the famous "El Zorro."(1)

Another prominent Irishman who had a hand in Mexican politics was Dublin-born Hugh O'Connor, who moved to Nueva Espa ña to escape the harsh conditions that reigned in Ireland at that time. In his adopted homeland, he became one of the most notable bureaucrats, taking office as governor of the region of Texas and commander of the northern frontier. He was also the founder of the town now known as Tucson, Arizona. In the18th century, several bureaucrats and officers who represented Spain in Mexico w

A third example of an individual who motivated immigration and increased the Irish presence in Mexico was James Power, who founded a new Irish settlement under Mexican jurisdiction in the State of Texas. Due to his efforts, the laws in Texas particularly favored Irish immigration.

The Refugio and San Patricio were areas of south Texas colonized by the Irish. Heading this colonization were four Irish businessmen, James Power and James Heweston (in Refugio) and John McMullen and James McGloin (in San Patricio). These men made contracts to colonize the land with people who were "Irish, Catholic and of good moral character." Power and Hewetson contracted with the Mexican government to bring over oppressed Irish settlers to colonize the area. Power traveled to his hometown of Ballygarrett, and eventually organized some 600 people to emigrate.(3)

Many immigration stories were triggered by the potato famine of 1845, which brought devastation not only to Ireland, but also to the rest of Europe. For the Irish in particular, it was the beginning of mass evictions, starvation, sickness, and death for thousands. Some Irish were fortunate enough to afford the fare for an escape to the New World. Yet even while escaping, thousands died as a result of inhuman conditions aboard England's vessels.

The trouble did not end once the Irish arrived in America. By the middle of the 19th century, the enormous number of Irish-Catholic immigrants dwelling in the United States increased the sentiment of hatred towards the Irish. Names and phrases like, "that Yankee hates Paddy," were common. Because they were victims of prejudice, the Irish found themselves becoming sympathetic to Mexicans. Subsequently, many of them deviated from their original plans of settling in the United States and crossed into Mexico.

In the spring of 1846, the United States was eager to invade Mexico. According to some historians, the ostensible reason was to collect on past-due loans and indemnities; the more likely reason, however, was to provide the United States with control of the ports of San Francisco and San Diego, the trade route through New Mexico's territory, and the rich mineral resources of the Nevada territory (which belonged to the Republic of Mexico). The United States had previously offered $5 million dollars to purchase New Mexico's territory and $25 million dollars for California, but Mexico had refused. At the time, Irish immigrants felt empathy for Mexico, who it saw as another Catholic country being invaded by Protestant foreigners. In turn, they decided to fight with the Mexican battalions. The following are some excerpts of what was said in those times:

"Can you fight by the side of those who put fire to your temples in Boston and Philadelphia? Did you witness such dreadful crimes and sacrileges without making a solemn vow to our Lord? If you are Catholic, the same as we, if you follow the doctrines of Our Savior, why are you murdering your brethren? Why are you antagonistic to those who defend their country and your own God?"(4)

The Irish division was known as Los San Patricios, or "Those of Saint Patrick." It participated in all the major battles of the war and was cited for bravery by General López de Santa Anna, the Mexican Commander in Chief and President. At the penultimate battle of the war, these Irishmen fought until their ammunition was exhausted, and even then tore down the white flag raised by their Mexican comrades, preferring to struggle on with bayonets. Despite their brave resistance, 85 of the Irish battalion were captured and sentenced to bizarre tortures and deaths at the hands of the Americans, resulting in what is considered even today as the "largest hanging affair in North America."(5) The event had a profound effect in Mexico. Since then, many authors have written novels and history books about the subject and monuments and statues honoring Los Patricios have been erected in major Mexican cities. Movies have been filmed and even special dates have been marked on the Mexican calendar, to commemorate Irish aid.

In almost every Mexican account of the war, Los San Patricios are considered heroes who fought for the noble ideals of religion and a just cause against a Protestant invader of a peaceful nation. In U.S. history, Los San Patricios are often portrayed as deserters, traitors, and malcontents who joined the other side for land or money. Now, thanks to the highly regarded research of Michael Hogan and his book, The Irish Soldiers of Mexico, there is a much more objective analysis of the "San Patricios'" phenomenon.

The battle influenced Mexico in such a way that it has become a critical development in the official version of Mexico's history. Every year, September 12 is remembered and celebrated. Recently, after 150 years, Mexico remembered the St. Patrick's Battalion with full military honors at the Plaza San Jacinto. A military band even performed the Mexican and Irish national anthems.(6) In 1993, the Irish began their own ceremony to honor the San Patricios in Clifden, Galway.

The Irish in Mexico have an honorable reputation and a respectable legacy. To this day, an Irishman will be told countless times about the famous "Irish martyrs" who defected from the U.S. Army and gave their lives trying to save Mexico from U.S. aggression.

The St. Patrick's Battalion impacted Mexico's social movements more than any one can imagine. Six years ago, almost 150 years after the historic event that marked Irish influence in Mexico, Marcos, the spokesman of the repressed and marginalized people of Chiapas, invoked the spirit of Los San Patricios in one of his famous speeches against the Mexican Government:
"When Mexico was fighting, in the last century, against the empire of the bars and crooked stars, there was a group of soldiers who fought on the side of the Mexicans and this group was called 'St. Patrick's Battalion'. And so I am writing you in the name of all of my compañeros and compañeras, because just as with the 'Saint Patrick's Battalion', we now see clearly that there are foreigners who love Mexico more than some natives who are now in the government do. And we hear that there were marches and songs and movies and other events so that there would not be war in Chiapas, which is the part of Mexico where we live and die.

We like the Irish around here!"(7)
After the historic war against the United States, Irish and English miners continued to migrate to Mexico, replacing the former Spaniards. They mostly settled in mining areas such as Zacatecas and Guanajuato. Others invested in local and national business.

Today, Irish involvement in Mexico takes many forms. Although not a major trading partner, Mexico is a profitable venture for Ireland: the European country exports far more than they import.(8) Irish-based multinational companies also operate in Mexico.(9) As Mexican wages are lower than many countries in southeast Asia, where labor rights are severely restricted, economic and social instability may not stop firms from "relocating" or expanding to Mexico.(10)

On the diplomatic front, Mexico recently opened an Embassy in Dublin, while Ireland has an Honorary Consul, Romulo O'Farrill Jr. Owner of several newspapers and a member of one of Mexico's most powerful families, O'Farrill is a good example of Irish names in prominent places. Only a few towns in Mexico lack a street named O'Brien, which, later on, became the Spanish "Obregón." There's also an "O'Brien City," better known as Ciudad Obregón, in the northern state of Sonora.

In the realm of Mexican art and literature, Ireland is also a presence. Artist Juan O'Gorman was a painter and an architect who was born in Mexico City in 1905. The oldest son of an Irish father and Mexican mother, he adhered to a philosophy of "progressive socialism," which ultimately affected both his writings and buildings. Influenced by Irish and European modernists, O'Gorman produced some of the first examples of functionalist architecture in Mexico. "In his works, he integrated vernacular forms and detailing with modern structural and spatial arrangements to achieve a culturally, socially, and environmentally significant architecture."(11) He also practiced mural painting. Some of his works include Autoretrato, De unas ruinas nacen otras ruinas, Monumento fúnebre del capitalismo industrial and UNAM's library. His buildings can be found throughout Mexico City.

In literature, the Irish writer James Joyce had a huge influence in Mexico. His innovative monologue style and his linear writing structure greatly impacted the way in which the best Mexican writers approached literature. Salvador Elizondo was obsessed with his writings. He dedicated a complete book about Joyce called: Invocación y evocación de la infancy. Joyce is also present in his short stories and novels. Juan Rulfo's Pedro Páramo is overflowing with the interior monologue that characterized Joyce's work.

Ireland has had an historical impact on Mexico's culture, as evidenced by figures like William Lamport, Marcos or Juan O'Gorman. But even more important, Ireland has served as an example of international camaraderie that extends beyond culture and religion. Hopefully, in the years to come, this relationship will influence many of us, as we discover that violence is not the most powerful human resource.

Copyright © 2005 by Rose Mary Salum. All Rights Reserved.

Sources:

1. http://www.geocities.com/bajorama/OBrienClanofMexico.html.

2. Ibidem.

3. http://www.northwexford.com/ballygarrett_history.htm.

4. Davis, Graham. Irish pioneers in Mexican and revolutionary Texas. 1st ed. College Station, TX: Texas A&M University Press, c.2002.

5. Hogan, http://www.fff.org/freedom/fd0407f.asp.

6. http://www.dayproductions.com/in_distribution/years.htm.

7. EZLN, Documentos y Comunicados. Cronic by Carlos Monsivais. Era, Mexico DF, 1995.

8. In 1994 £61.5m worth of food, drink and other goods - the bulk being chemicals - were exported to Mexico, and only £8m imported.

9. One of them is Smurfit.

10. Strikes must be declared 'legal' by the government - the majority are not.

11. http://www.greatbuildings.com/architects/Juan_O'Gorman.html.

David Brooks y su forma de entender el humanismo

2011-03-14T09:45:00.000-07:00

David Brooks: The social animal | Video on TED.com

David Brooks, columnista del NYT, nos habla en este video del nuevo humanismo, de cómo trabaja el inconsciente y de la conexión profunda que naturalmente existe entre humanos. La ciencia avanza y nos ofrece más herramientas para el conocimiento esencial del hombre. Basta incorporarlo a nuestro sistema cognoscitivo para que la sociedad sufra una transformación. De ser así, ésto promete afectar las relaciones humanas y por ende, la forma de hacer cultura, política y religión. Casi nada.

Antonio Asis, el movimiento como arte.

2011-02-26T20:45:00.000-08:00

Antonio Asis tiene su estudio sobre la St Jaques Rue, cerca de la Universidad de La Sorbone y justo a un lado de un restaurante Libanés. Llegamos puntuales a nuestra cita de las dos de la tarde. María Inés Sicardi, la directora de Sicardi Gallery, había sugerido este encuentro “Mi estudio está en el primer piso”, me anotó el maestro Asis en un correo electrónico donde confirmaba nuestra cita.

Fue el mismo artista quien nos abrió la puerta. Nos recibió cálidamente abriéndonos el paso con los brazos extendidos. De inmediato nos ofreció café que prometió preparar allí mismo. Tomamos asiento en una mesa que tiene a la entrada y mientras lo veíamos llenar la olla y darle vueltas al café, comenzamos a conversar como si fuéramos viejos amigos. Quizá la lengua materna crea un estado de complicidad que sólo tiene cabida cuando se está tan lejos del lugar de origen. Es una situación que he aprendido a reconocer por vivir en un exilio voluntario. Platicamos de Estados Unidos, de su disgusto por su política internacional, de Cuba, de cómo Fidel se fue radicalizando en su revolución cuando perdió el apoyo del mundo entero, el socialismo ruso y la necesidad de proveer opciones a los habitantes de cualquier país. También hablamos de los franceses y los americanos sobre su generosidad y respeto por el talento ajeno.

Después de tomar el café, nos pasó a un segundo salón. Tenía piezas de arte en el piso, colgadas en las paredes y sobre su mesa de trabajo. Había algunas hojas de ensayo sobre las que había trazado, quizá imaginado, las enormes piezas que ahora restaban sobre el suelo. En ese momento trabajaba en una obra inmensa que le había sido encargada desde Argentina, su ciudad natal. Se trataba de unas enormes figuras geométricas que pronto estarían cubiertas por unas rejillas de metal. Éstas son una constante en su obra y tienen el poder de lanzar el color y el movimiento al espacio.

El manejo de la forma, el color y la transformación que obtenía un simple dibujo debajo de esas rejillas que mandaba a hacer específicamente en Alemania, resultó ser una experiencia harto desconocida; por primera vez pude sentir cómo las vibraciones del color se permeaban hasta el espacio por imponer su presencia. Sus obras hacen evidente la sentencia heracliteana: todo es movimiento. Al color , como a la forma, los fundamenta el movimiento. ¿Cómo se llega a estas propuestas? ¿Es accidental, es planeada o una combinación de las dos? Y a pesar de adivinar el argumento que Asis me daría, sentí la necesidad de escucharla de él.

Ahora que lo escribo me imagino el constante asombro de la exploración en la que incursionó este artista y el descubrimiento al que llegó: una danza a la que pocos tienen la suerte de asistir. Solo aquellos que están cerca del fuego creativo, aquel fuego del que hablaba Heráclito y que es el misterio de la creación, lo pueden saber.

There are years that ask questions and years that answer. By Guest Blogger Lorís Simón S.

2010-12-06T10:55:00.000-08:00

The previous quote is from the author Zora Neale Hurston (1891-1960). I believe the second part is what has the most relevance to our time: “years that answer.” Has this idea turned our present generations off to asking questions? We live in the era of the Internet when answers are given to us instantaneously. To that effect, one can recall the wise words of Pablo Picasso, “Computers are useless. They can only give you answers.” The overabundance of information that can be accessed with a click is taken for granted. Procrastination has replaced curiosity, and Facebook has killed our stimulation.

Agora (2009), directed co-written and directed by Alejandro Aménabar, is a historical drama set in ancient Roman Egypt. Amongst the numerous themes we are presented with, a partial view of Hypatia of Alexandria, a well-recognized philosopher of the time, is at the center. She dedicates her life to philosophy and to the slow study of this planet that lies at the center of the universe…or does it? There is a crucial war unfolding before her eyes where the everlasting fight between Christianity and Judaism clash over slavery, poverty, unjust government, etc. But our Hypatia is not concerned with these trivial matters of human behavior; not only are they quite predictable, but hopeless. Instead, she spends her time wondering about the universe, or more specifically, the rotating stars around the Earth. Where does this force that pulls everything back to the ground come from? If the sun revolves in a perfect circle around the Earth, why does the length of the days differ with the seasons? While her loved ones closest to her fought over whom God belonged to, Hypatia was determined to uncover the fundamental nature of her existence. Much in opposition to present femininity stereotypes, this woman was not interested in love or in finding her perfect man (Not that there’s anything wrong that, but Agora is probably one of the few movies that allow things to happen as they should without pushing some Hollywood romance.) Then again, and very much in accordance to real femininity, Hypatia is zealously moved by the truth; the peaceful truth that connects that same God that men were fighting over with the universe that embodies them all. It is heartbreaking to see the men in power enraged and frustrated at her “lack of interest and support” with the conflictive issues of the time without realizing that, not only is she interested, but she is the only one getting to the bottom of matters. Everyone is so blinded by vengeance and pulling God to their side that they are missing the essence of the problem. At the verge of discovering that, not only does the sun not rotate around Earth, but that the Earth does not move in a perfect circle, Hypatia is captured and killed for heresy. Just like today, we see the characters concerned only with things happening in front of their eyes and letting the other 99% of the world go right past them. What is a human war in comparison with our planetary system? Who is a Christian or a Jew to say who God is? I think Hypatia represents a very humane impulse embedded in people that questions our surroundings and seeks to understand and to connect.

There is much beauty and genuineness to be found in Aménabar’s Agora. I find it would do us good to find our inner Hypatia and rediscover all that surrounds us. It seems like the more we close up into ourselves, the farther we move from the questions we should ask. Sometimes the trivial ideas in our everyday lives that shape the world which surround us may appear as real as anything, but it is important to remember there is a truer world out there that may hold the answers we seek.

“Brick by Brick” by Artist Nathan Sawaya

More Than This. Exhibición de Aldo Chaparro

2010-10-04T11:53:00.000-07:00

La galería Sonja Roesch y el Consulado General de México*, bajo el marco de las celebraciones del bicentenario, organizaron la exhibición del artista Aldo Chaparro titulada More Than This y que estará abierta al público hasta el 30 de octubre. Tuve la oportunidad de conversar con el artista el cual fundamenta su obra bajo la influencia de la música popular, la necesidad de incorporar otras disciplinas a su arte y el concepto de memoria de Bergson. A través de diversos medios, Chaparro reúne referencias del pasado presente y futuro además del mundo mediático en un presente que coexiste simultáneamente. Literal, Latin American Voices publicará en su edición de invierno, un artículo sobre el artista.

Rose Mary Salum: Se puede decir que tu obra tiene una influencia del concepto de la memoria de Bergson. Podrías explicarnos cómo llegaste a él y porqué ha representado un elemento importante en tu trabajo?

Aldo Chaparro: Para él la memoria vital que es la que revive un acontecimiento pasado en su originalidad única, constituye el fondo de nuestro ser. Bergson para estudiar a la memoria comienza por estudiar a los materiales no orgánicos que tienen capacidad de recuperar algunos aspectos prístinos tras haber sido alterados, como por ejemplo una pelota de caucho, en mis piezas de texto intento recrear esta reacción de manera que la letra de una canción que reconocemos (nunca uso letras de canciones que no sean muy populares) nos evoca la música y nos remite a una época, situación o momento, con esa efectividad que solo tiene la música y entonces la pelota de caucho somos nosotros, regresando a nuestra forma pasada.

RMS: Has explorado varias disciplinas que logras conciliar en tu lenguaje para dar un nuevo significado. ¿Por qué es necesario hacer esto? ¿Es cierto que el lenguaje visual comienza a agotarse? Muchos artistas ya lo han experimentado y de allí su salida del canvas.

ACH: A mi me parece que lo mas interesante siempre se da en la periferia, en las zonas en donde las fronteras entre disciplinas se vuelven borrosas, esto es un asunto muy relacionado a nuestra contemporaneidad; a la gente joven no les interesan las categorías. Si tu les preguntas que hacen ellos te van a contestar que un poco de música, patinan, tienen una revista o pintan, a diferencia de generaciones anteriores en donde el valor estaba en la especialización. Ahora a nadie parece importarle el titulo de músico artista o creador.Otra cosa que ha comenzado a agotarse es ese delirio por la originalidad, las nuevas generaciones han digerido bastante bien las lecciones del post modernismo sobre apropiación, autoría u originalidad

RMS: La música es un elemento fundamental en tu trabajo. En su capacidad de trascender ¿afecta la percepción del que observa?

ACH: Me interesa llegar al espectador por diferentes canales. La música es una herramienta poderosa para evocar recuerdos, para definirnos como grupo o generación. Algunas de mis piezas en las que trabajo con extractos de canciones generan una doble lectura en el observador; es una especie de efecto cenestésico. Puede, al recordar la canción, escuchar la música en su cabeza y al mismo tiempo tener toda una serie de experiencias más volumétricas y espaciales, me interesan estos cruces, cruces entre sentidos y entre disciplinas

RMS: Y a pesar de ser la música un elemento esencial, el texto, como la conciliación entre sus elementos visuales y de contenido también es importante.

ACH: Hay mucha sabiduría en las letras de canciones que muchas veces pienso que no se aprovecha. Cuando las saco de su contexto original (generalmente amoroso o romántico) toman una dimensión completamente nueva; generalmente parecen reflexiones del proceso mismo de la obra, confesiones o dudas y en algunos casos es la obra siendo auto referencial , como en una de mis piezas favoritas; un texto que dice "I´d be surprisingly good for you”.

RMS: ¿Podrías platicarnos sobre los motores creativos que detonaron e influenciaron tu obra para tu próxima exhibición en la galería Sonja Roesch?

ACH: Son las mismas preguntas que me hago siempre sobre mi oficio y mi condición, los procesos en la escultura y mi relación con el espacio y los materiales. Para mi cada exposición es un ejercicio parecido al de un editor (durante mucho tiempo trabajé editando libros y revistas) en donde estoy puliendo y mejorando relaciones entre materiales y discursos dentro de mi propio trabajo. Me gusta observar la fricción que genera mi discurso y mis preguntas en diferentes contextos.

RMS: A pesar de ser una pregunta trillada, siempre es bien interesante conocer los proyectos futuros de un artista. ¿Qué tienes pensado para el futuro?

ACH: Regresando a México tengo una exhibición en la galería OMR en noviembre. El titulo de la exhibición es un extracto de una canción de Nina Simone que dice: When an Unstoppable Force Meets an Immovable Object, una paradoja sobre dos posiciones extremas que utilizo como punto de partida para mis cuestionamientos.

*Este evento estuvo enmarcado dentro de la serie Houston Celebrates Mexico 2010 en celebración del Bicentenario del inicio de la Independencia, con el patrocinio de Bank of America, institución que ha apoyado toda esta serie de eventos coordinados por el Consulado General de México en colaboración con las organizaciones de arte y cultura de la ciudad.

Earth to Time Magazine, Pregnant Women Aren´t Skinny. Guest Blogger Lorís Simón S.

2010-09-29T15:56:00.000-07:00

By Lorís Simón

Dear Time Magazine:

Of course, I love your magazine, I wouldn’t have bothered to write you if I didn’t care. I guess that’s the problem with my generation, we don’t really care about anything anymore if it doesn’t concern sex (or anything else in the media that seems to be original but it really all just comes down to sex), and it’s sad that this letter will be discarded along with the rest of the .001% of the population that actually care now days…

I am a Psychology student at Rice University in Houston, TX and I just received this week’s issue with the cover of fetal origins. The photograph impacted me quite significantly. Though I believe it to be very aesthetically pleasing, I don’t think it’s very representative of the message you’re trying to give out. I thought it was an interesting choice of yours to portray the perfect, unattainable pregnant woman to represent all women who might be pregnant one day in their lives and are interested in reading this article. Being a young girl, I do not know much about pregnancy, but I have certainly been around many lucky women whom I have watched since the beginning of their pregnancy until they give birth; and let me tell you this, none of them look like the model you have on the cover there. I think that the majority of women in the world would agree with me on this one.

I’m sure there’s no reason why you believe you should be concerned, as you sell millions of magazines a year, but I always loved reading Time Magazine because it was a brief respite from the subliminal messages of superficiality that are inclded in the general media’s perfectionist portrayal of women. It’s upsetting to find this in a magazine whose content is globally recognized as intellectual. Due to the state of education at present, it is evident that girls cannot read between the lines and come to the conclusion that there is a huge gap between the media’s version of reality and reality itself. We all know that young girls aspire, even in unhealthy ways, to be thin, no matter what the costs or consequences are. This is not a matter of being intelligent or not; as human beings, we have the instinctual drive to belong. It is part of our survival mechanism, we are social beings; if we isolate we die. Therefore, I would have assumed it is important to guide the younger crowds exactly where to invest their time and energy in their quest to “belong.” The portrayal of the unattainable as a representation of “normality” is not what I’m paying for when I buy your magazine. As an artist myself, I understand the importance of beauty and visual attraction, but keep in mind there are billions of girls out there who read your magazine and believe in everything they see and read. If you are not selling sex, clothes, cosmetics or anything that may involve the new posh, underweight beauty, would make a significant difference for you to choose the covers of your magazines in a more thoughtful way? In this same issue you published Aaron Sorking in an interview saying, “I have a hunch we all get told that we’re a loser, and how healthy you are as an adult depends on how much you believed it when you were growing up” (p. 73). In case you haven’t heard, today, having a healthy weight is considered being a loser. Size 0 is the new size 4 for us ladies. So for the sake of all of us, please don’t perpetuate the opression and call us losers on the cover of your magazine.

Una conversación con Carlos Cruz Diez: Ni pasado, ni futuro, la historia comienza y termina con uno

2010-09-14T20:16:00.000-07:00

Hace unos años, en el 2007, tuve la oportunidad de entrevistar a Carlos Cruz Diez para la revista Literal en una visita que realizó a Houston para la apertura de su exhibición en la galería Sicardi. La entrevista se llevaría al cabo cuando el maestro estuviera disponible ya que dadas las condiciones del viaje y la necesidad de su presencia en la galería, no contábamos con un itinerario establecido. María Inés Sicardi me llamó un sábado y me dijo, “el maestro tiene tiempo para la entrevista, vénte ahora mismo”. Yo estaba comiendo con mi familia, apenas habíamos ordenado algunos platillos para el centro de la mesa, así que pararme en estos momentos, podría verse como un acto de muy mal gusto. Aún así traté de ser lo más delicada posible y con el bocado aún en la boca, me paré de la mesa y salí corriendo con mi hija hacia el auto; ella grabaría toda la conversación en un video. Llegamos a la galería, María Inés había dispuesto todo de tal forma que la entrevista se realizaría en donde se había hecho una instalación para que el movimiento cromático que se expondría en tan solo unas horas, nos bañara con sus colores durante toda la conversación. Comencé las preguntas un tanto nerviosa, después de todo, uno no siempre tiene la oportunidad de hablar con artistas de este calibre. La calidez del maestro me fue calmando y el resultado fue un diálogo por demás provechos e iluminador. A continuación comparto un fragmento de esa plática, sin embargo, la entrevista completa se puede encontrar aquí.

Rose Mary Salum: A la distancia, ya que Cruz Diez logra transformar el arte no sólo en Venezuela, sino en el mundo, sabemos que su lenguaje pictórico es el resultado de años de investigación, de mostrar el color en todo su movimiento. ¿Cómo llega Cruz Diez a crear su lenguaje pictórico? ¿Cómo plasma en un canvas la condición cambiante de la experiencia cromática?

Carlos Cruz Diez: Haber dado con estas soluciones, con estos resultados, es producto de una reflexión muy larga, muy costosa en tiempo, en lecturas y en fracasos porque uno llega a la perfección de lo que quiere hacer
con la acumulación de múltiples fracasos. Para encontrar las soluciones que uno cree convenientes tiene que experimentar mucho, dudar hasta hallar realmente una estructura que confirme y que conformen los conceptos que uno se ha hecho del arte o de lo que piensa que puede ser el arte. Para mí el arte era ser pintor. Yo soy pintor, me formé como pintor y me defino pintor. Y el instrumento fundamental de un pintor es el color: fue allí donde pude encontrar algunas posibilidades de modificar nociones porque el artista, lo que hace a lo largo de su trayectoria es, justamente, encontrar nuevas salidas, nuevas nociones para el espíritu y la apertura del conocimiento. Porque el arte, como ya lo han dicho grandes artistas, es conocimiento, es el verdadero conocimiento. El color no es algo permanente
ni eterno como la noción que tenemos en occidente de que todo es eterno. El color es una circunstancia y toda mi obra pone en evidencia esa condición cambiante, mutante y efímera que es el mundo del color.

RMS. Los puntillistas usaron el punto, ¿por qué
Cruz Diez usa la línea?

CCD. Uno de los puntos de partida para mi investigación fueron los impresionistas, el post impresionismo, l fauvismo, todos los artistas como Delacroix, ue vieron en el color la posibilidad de modificar la pintura, al arte mismo. Los puntillistas y los posteriores al impresionismo, descubrieron y pusieron en evidencia que el color era cambiante pero justamente en su contradicción, porque cada generación crea contradicciones, el impresionismo crea una contradicción, crea la condición cambiante del color, pero expresándola en un soporte estático. El impresionista quiso expresar la fragilidad de la luz; sin embargo, lo hizo en un soporte eterno: no se modifica. El puntillismo hizo lo mismo. Lo que yo traté de hacer, para ir más allá del impresionismo, fue indagar en una paradoja. En esa alteración del impresionismo propicié una contradicción, como en Blanco sobre blanco de Malevich. Es decir, es contradictorio tener un concepto metafísico y manifestarlo materialmente en un cuadro. Sin embargo, esas contradicciones me dieron la pista para encontrar un soporte que fuera también un creador de situaciones efímeras. Y a partir de ese momento, todo mi trabajo está basado en construir situaciones efímeras para darle al color su verdadera condición que es lo inestable, lo cambiante.

RMS. ¿Pero por qué la línea? ¿Se presta para esos fines?

CCD. La línea no es un elemento estético, en absoluto, es un elemento de eficacia. Yo creé puntos o círculos porque la línea es el elemento esencial y escueto,
único, para poner en evidencia la metamorfosis, la transformación del color. Si esas fueran curvas o zig zags, no agregarían absolutamente nada al discurso
del color, al color en su situación mutante.

RMS. Entonces el arte de Cruz Diez da la victoria a Heráclito quien dice que todo es movimiento.

CCD. Todo es movimiento. El color no es estático, tiene movimiento. Una de las cosas que yo estructuré para mi trabajo es no darle significantes. Las formas tienen significantes. Para mí lo único significante es la dialéctica que se establece entre el espectador y la obra. Cuando mira esas líneas rectas que no tienen ninguna significación, sino son objetos de lo más elemental, eso genera una situación. Y es esa situación generada por líneas paralelas la que provoca la multitud de sensaciones, percepciones y puntos de partida de mitificaciones
porque son soportes de un acontecimiento y son los soportes de una mitificación. Esos objetos sirven de una especie de trampa de luz para provocar otras nociones
sobre color y sobre las cosas.

Para continuar leyendo la entrevista completa presiona aquí.

De filosofía, sicología y algunas otras digresiones

2010-09-09T15:26:00.000-07:00

¿Existe el libre albedrío? ¿Nuestras decisiones están determinadas por acciones pasadas? Joshua Knobe, quien recientemente publicó un artículo titulado Experimental Philosophy, explica que una de las razones por las que un individuo se sentiría atraído a la filosofía, es porque busca indagar las razones primeras o las cuestiones esenciales del mundo que lo rodea. En la actualidad, sin embargo, el ser humano también se siente jaloneado por fuerzas dispares que tiran en direcciones distintas en su vida, obligándolo a detenerse y provocar una introspección. Tradicionalmente hemos creído que los filósofos pueden iluminarnos con sus construcciones filosóficas porque ellos han visitado las profundidades del alma, han usado la razón para alcanzar algunas respuestas. Las últimas tendencias en el pensamiento, sin embargo, sugieren que las preguntas filosóficas de antaño podrían ser depuradas si se tuviera un conocimiento más profundo de cómo trabaja la mente humana. La escuela cognoscitiva de la psicología ha tenido una fuerte influencia sobre la filosofía y filósofos y sicólogos se han unido para realizar investigaciones interdisciplinarias. Esto es lo que han llamado la filosofía experimental. Discusiones sobre la naturaleza humana ha sido el asunto primordial dentro de sus reflexiones, y sin embargo, aún queda la pregunta inicial sin solucionarse ¿cómo responder a las preguntas filosóficas tradicionales? La vuelta de tuerca en las investigaciones actuales, es la inclusión del estudio del cerebro como parte fundamental de la filosofía contemporánea. Para muestra basta un botón, en un artículo que publicamos en Literal de Slavoj Zizzek él hablaba sobre la libertad, democracia y populismo. En todo momento que discutió sobre temas filosóficos como es la libertad, sus argumentos estuvieron fundamentados en los estudiosos del cerebro humano:

“los científicos especializados en estudios del cerebro señalan que la libertad de elegir es una ilusión. Experimentamos que somos libres cuando somos capaces de actuar de la manera en que nuestro organismo nos determina a actuar. Esta es la suave cognición de la redefi nición de libertad. No niega la libertad, sólo nos dice que la libertad no es lo que uno cree. Libertad significa que aun cuando no haya obstáculos que te impidan darte cuenta de lo que quieres de pronto, aún estás determinado por tu propia naturaleza inmanente. Sin embargo, Benjamin Libet defiende la libertad humana. El nivel cero de la libertad no se utiliza para elegir sino para bloquear o para decir no a nuestra decisión.”

Si algo ha caracterizado a la filosofía ha sido su poder inclusivo, su visión total e integral de la realidad. La incursión de los estudiosos del cerebro en estas nuevas reflexiones, promete modificar las preguntas fundamentales. Habrá que estar al pendiente del cambio en las respuestas tradicionales.

Una conversación con el virtuoso Mauricio Náder

2010-09-01T13:51:00.000-07:00

El pianista mexicano Mauricio Náder Schekaibán nació en la Ciudad y desde los diecinueve años de edad debutó en el Palacio de Bellas Artes como solista de la Orquesta Sinfónica Nacional. Desde entonces ha sido solista de todas las orquestas importantes de su país, así como de diversas orquestas de Europa, Medio Oriente, Centro y Sudamérica, trabajando bajo la batuta de importantes directores mexicanos y extranjeros. Su calidez interpretativa, el poder de su personalidad artística y su capacidad de abordar un inmenso repertorio que abarca desde la música barroca hasta la contemporánea le han permitido convertirse en uno de los músicos latinoamericanos que más llaman la atención de los organizadores de festivales de México y del extranjero. Recientemente tuvimos la oportunidad de conversar durante uno de sus ensayos.

Rose Mary Salum: Tus críticos exaltan de tí tu poder expresivo. Eso me llama la atención y quisiera saber qué sucede dentro de tí cuando estás tocando una pieza, qué fomenta esa expresión.

Mauricio Náder: Si hay algo peligroso en esta disciplina es poner tus emociones por arriba de la música. Es peligroso porque te sales de control. Es como cuando le declaras tu amor a una persona, es tanto tu entusiasmo que lo espantas. Hay que ser muy precavido porque la música se hace a partir de notas de ritmos, de frases. La emoción debe ir en conjunto con lo que estás tocando. Por ejemplo, la Emoción que uno debe tener para Shubert o para Zimmerman es muy diferente. Shubert es casi clasicismo, siglo XVIII, Viena. Puede ser emocional, pero si te pasas de emocional ya suena a siglo XX. Tiene que tocarse imaginando el contexto fe lo que el artista vivió . Nosotros nunca vamos a saber lo que un compositor sintió. Jamás vamos a saberlo y no vale la pena perder el tiempo en eso. Lo que podemos saber imaginariamente es, dentro de las referencias históricas que tenemos, hasta dónde llegó el sentimiento invertido en esa pieza y moverse al rededor de ella. Con Zimmerman, pasa algo distinto, si lo tocas como Schubert queda fuera de lugar. Un mole poblano no puede saber a consomé de pollo. El mole debe ser fuerte y agresivo y el consomé más suave.

Rose Mary Salum: Pero eso solamente te lo da el oficio.

Mauricio Náder: El oficio, la experimentación diaria, los conciertos, pero por otro lado, si nos dedicamos a tocar las notas solamente, es aburridísimo. Es bien complicado saber
hasta donde puedo salirme y claro, también tiene que ver con la personalidad de cada quien. También se puede observar una diferencia entre los músicos latinos y los europeos. Somos más emocionales y nuestra técnica no es tan depurada. Los europeos y los orientales, con sus excepciones, su técnica es más depurada, no se les va ninguna nota pero a veces la emoción queda muy atrás. Lograr ese equilibrio es muy complicado, toma muchos años conocerte y saber hasta dónde puedes llegar, no con la música sino contigo mismo. Cabe agregar que se nos olvida que siendo músicos, actores o en cualquier arte, el enfrentamiento no sólo es con la obra sino también contigo mismo. Tienes que ser muy auténtico pero a la vez exigente. Yo soy muy agresivo conmigo mismo. Si no logro lo que busco, no dejo el piano hasta que no consigo lo que busco.

Rose Mary Salum: Una de tus pasiones son los compositores mexicanos. Le das espacio a los europeos pero siempre encuentras lugar para los compositores de México.

Mauricio Náder: En todas las entrevistas digo más o menos lo mismo, tenemos mucha variedad de música mexicana. Mucha variedad de calidad extraordinaria que está al nivel del reos del mundo. Por otra parte, sobretodo los compositores jóvenes, no son muy conocidos. Si uno como mexicano, no toca su música, nadie lo hará y su obra se habrá quedado en un cajón. Nos toca a nosotros hacer esa labor, ser auténticos, apoyar a la gente en la que creemos. E incluso hay que hacer proyectos conjuntos; hay que tocar su música lo mejor que se pueda y ayudar a que se conozcan fuera del país.

Rose Mary Salum: Te vuelves como un portavoz entonces

Mauricio Náder: Claro, Incluso, si voy a Viena, es mucho más interesante que toque música mexicana a que les toque a Shubert. La intención es tocar música mexicana, latinoamericana o de América. Claro, uno los interpreta a Shubert y a otros más pero es bien importante hasta para la carrera de uno mismo, tener una identidad.

Rose Mary Salum: Respecto a lo que acabas de decir y uniéndolo a uno de tus comentarios, el enfrentamiento no sólo es con uno mismo sino resulta que confrontamos la producción del país de forma colectiva.

Mauricio Náder: Para mí sí, pero habrá quien te diga que no. Yo soy muy inquieto y me gusta tocar música de cámaras, con orquestas, a los consulados siempre les envío un reporte de lo que se está haciendo así que en sentido soy muy inquieto.

Rose Mary Salum: Tú has dicho que si Los músicos profesionales dieran clases, tendríamos más músicos en México. Crees que en México hace falta una educación musical más seria?

Mauricio Náder: Ojalá se ampliara la educación en las artes porque les ofreces a los niños mucho más apertura. No todo se reduce al ABCD. Una educación así los hace más intuitivos, abiertos, perceptivos, más artísticos. A futuro, la gran mayoría se dedica a la economía, la política, etc. Pero una educación en las humanidades les ofrece una mejor percepción del mundo.

Rose Mary Salum: Qué tan fértil es México para la formación de compositores y músicos?

Mauricio Náder: En ambos casos está pasando algo milagroso; en los últimos años, mucha gente hemos tenido la oportunidad de salir al extranjero y educarnos buen, independientemente de habernos quedado en México o haber salido. En el caso de los pianistas que estamos saliendo y de los compositores, que Alguien los invite a hacer una obra, a componer algo para una puesta en escena. Eso es muy positivo hoy en día. Lo malo es que es una carrera que requiere de muchísimos años. Y mas de la mitad, incluso el 80% de la gente que tiene talento, se va quedando en el camino. Dicen que se van a morir de hambre, que ya no van a poder, que ellos deberían estar en tal o cual lugar en Nueva York y apenas están en Tapachula, que el PRI o el PAN no les han dado oportunidades, tonterías que uno se crea con tal de no enfrentar la realidad. La realidad se reduce a querer o no querer. Si no se quiere seguir adelante está perfecto, pero a mucha gente le sucede que a pesar de desear la carrera de música, a los sesenta años se dan cuenta de que perdieron muchas oportunidades. Entre tantos pretextos la gente se va quedando rezagada.

Rose Mary Salum: Pero entonces esa confrontación con la música que mencionabas al principio de la entrevista también se deriva en una confrontación con uno mismo y confesarse a uno mismo su vocación. Y quizá el problema de raíz es que no existe la honestidad de encontrar la vocación

Mauricio Náder: Y el compromiso

Rose Mary Salum: Exactamente, el compromiso. Y tal vez esa sea la clave del éxito que has tenido, que hay un compromiso y la honestidad para reconocer tu vocación.

Mauricio Náder: Así es. Además no hay que conformarse. Para ser artista tienes que llegar al límite de tus posibilidades y saber hasta donde puedes llegar. Si sientes que ya llegaste, eres mal artista, eres un mediocre. Hay que impresionarse. La vida corre muy rápido.

Do Corporations Have a Responsibility to Society? Guest Blogger José Antonio Simón

2010-08-15T03:59:00.000-07:00

By José Antonio Simón

Do corporations have a responsibility to society that extends beyond merely maximizing profit? Are corporate strategies and tactics such as downsizing and outsourcing unethical and/or unpatriotic?

The answer to this question, as well as countless others, is "depends". Often times when we generalize in regards to topics as broad as this one, we find ourselves wrong. Some might even be surprised by what seems to be a spontaneous fit of fickleness, in which they cannot decide what to think because they see both arguments clearly. It is the distinct desire of the author not to fall into the aforementioned states of being, and so, we move into the unsteady realm that is opinion (I feel the ground beginning to shake as I write these words).

Not surprisingly, "depends" doesn't often suffice, and I'm sure it wont get me a nice review from the person who's reading either, so my concrete answer would be no. To begin with, the concept of a corporation should be defined. A corporation, or business, as defined by the author is an organization which functions solely in the realm of business. It has no responsibilities; only interests, which are to make a profit and grow or survive while exchanging goods or services for money. The business cannot, as its employees could, become involved in any other activities while maintaining its identity. That is to say, if Ford Motor Company strays from its business realm as a whole and begins playing soccer, Ford Motor Company can no longer remain a corporation, for they will have become a soccer team. And so, when we begin to assign the human concept of responsibility to a business, we also begin to change the business into something other than what a business is. And even though it holds no responsibility towards it, it is, however, within a business' interests to not pose a detriment to the society that contains it, for that would conflict with its own survival. Having said that, in a capitalist world, an ideal business of any sort benefits society and more so when that business is successful, as it stimulates the economy, creates jobs, etc. We are assuming that everything the business does is for the sake of its survival, and not for any other subjective motivations, so in regards to downsizing and outsourcing, it is most unfortunate that many people should lose jobs in downsizings and such, but these actions are taken in the effort to save other jobs and consequently the corporation itself. It would be detrimental to a business if it were to maintain all employees and eventually run such said business to the ground, resulting in an even larger loss of jobs. Outsourcing can reduce costs and also secure a short-term future for a corporation.It could be said that unemployment is not good for a society, and thus not good for a business, but the reason these actions are not disadvantageous to a society is that, as the business grows, it feeds the growth of other companies with which it deals, and eventually business in general can grow to a point where it absorbs unemployment.

In conclusion, a concept such as responsibility cannot be applied to business just because a business is an entity that functions in a realm where responsibility does not exist. To use the language of the question, corporations do not have a responsibility to society that extends beyond merely maximizing profit, ideally, they need only function within what their interests require them to. Yet, just when one begins to feel free of the burden of answering such a question, we are reminded that we do not live in an ideal world, and we cannot ignore the damages that WalMart, Enron, Tyco etc. have inflicted on the society that contains them. I would argue that, by the definition above, all of these companies ceased to be businesses, and became a front to the greed and irresponsibility of the people in charge of them. It is fair to call these companies irresponsible, because they have assumed human qualities not normally present in a true business. So the real conclusion, if I can manage to write it before I am stoned by an angry mod of disgruntled Enron employees, would be that corporations do not have a responsibility to society that extends beyond merely maximizing profit, and downsizing and outsourcing do not qualify as unethical practices; however, if a business ceases to be a business and becomes an agent for a human's negative ambitions, then yes; full responsibility is to be expected from these new business-like entities.

José Antonio Simón is the English Editor of Literal-Latin American Voices.

Inception, una reseña. Blogger invitada Lorís Simón

2010-08-10T09:11:00.000-07:00

Por Lorís Simón

¿Quién iba a pensar que aquello que tenía éxito hace muchos años, volvería a tenerlo hoy? Poco saben los psicólogos que los humanos son más predecibles que las matemáticas. Veamos: Inception, dirigida por Christopher Nolan, hasta ahora, lleva 4 fines de semanas siendo la película más vendida en las taquillas. DiCaprio, un arquitecto del inconsciente que sufre de su eterno pasado, acepta un último trabajo con la condición de poder regresar una vez más con sus hijos del que fue separado desde la muerte de su esposa. El objetivo de su misión es insertar la idea, al heredero de un monopolio, que divida su imperio. Esta idea deberá ser colocada en lo más profundo de sus sueños; de no ser así, el sujeto podrá reconocer que esa idea no le pertenece. Nolan nos sumerge al inconsciente de sus personajes abriéndonos la ventana hacia muchas proyecciones que la mayoría de nosotros compartimos, desde que llueve cuando nos dan ganas de ir al baño hasta tener que matar a personas que representan una parte destructiva dentro del ser. Así llega el clímax del filme, cuando DiCaprio tiene que sostener a su esposa entre sus brazos y dejarla salir de esa cárcel mental donde la ha tenido presa. Esta película nos habla sobre el viaje interno que le corresponde a cada individuo. Así como DiCaprio en Inception va bajando nivel por nivel hasta llegar a la raíz de sus conflictos, cada individuo se encamina hacia su esencia para llegar a sí mismo. Habrán artistas que usen metáforas un poco más fantásticas para representar tal viaje, pero Nolan escoge los sueños, un banquete de contradicciones que no se pueden sostener el uno sin el otro: la realidad, la imaginación y la verdad. Regresamos al principio, no sólo de este texto si no de la historia; la pregunta esencial desde que el humano tiene sentido del pensamiento es, ¿qué es real y qué no? ¿Somos participantes u observadores de este universo? Si somos participantes, cualquier emoción e instinto es indicador de una realidad. De otro modo, somos expresiones irrelevantes, temporales y dispensables de una obra mayor que está fuera de nuestro alcance. Existe un paralelismo entre el sueño y el individuo con la vida humana y el universo. No hay respuestas, sólo la integración de ellas. Al final, no sabemos si DiCaprio acaba en su realidad ó perdido en un sueño más, pero a pesar de la inquietud que deja la última escena, existe el consuelo de su aparente felicidad.

A Beautiful Picture of the World Cup

2010-07-12T20:58:00.001-07:00

Fans celebrate with a Spanish flag in a fountain at Barcelona's Plaza de España after Spain's defeated the Netherlands 1-0 to win the World Cup soccer final, which is being played in South Africa, on Sunday, July 11, 2010.(AP Photo/David Ramos)

Recordando a Carlos Monsiváis

2010-06-30T06:25:00.000-07:00

En el 2008, La universidad de Rice, la Universidad de Houston, el Consulado de México y Literal, invitamos al Maestro Monsiváis a dar dos conferencias en Houston. Mark Zimmerman, era el jefe del departamento de estudios latinoamericanos de U of H, y como había establecido una relación de amistad con el maestro, tomó la iniciativa de convocar a varias instancias para hacer posible este viaje. Fue realmente un lujo tener a un escritor de esa talla entre nosotros. Su llegada estaba prevista para un miércoles de agosto en un restaurante de Westheimer , un lugar un tanto bohemio con pinturas al óleo y piso de cemento. Me causó emoción verlo entre toda esas personas con las que había estado trabajando para hacer posible su llegada. Se veía un poco cansado. En el transcurso de la comida, hablamos un poco de todo: desde literatura hasta la labor que se está realizando en el museo de bellas artes de Houston. El maestro Monsiváis ya conocía a MariCarmen Ramírez y su intención de hacer del MFAH, el centro mundial de arte latinoamericano.

Al día siguiente, Carlos Monsiváis ofreció su primera charla en Rice. La convocatoria había sido un éxito porque el auditorio estaba abarrotado. Mi idea de filmar la conferencia se desvaneció cuando no encontré un solo espacio para colocar el pequeño tripié de la cámara. Cuando yo entraba, él pronunciaba el inicio de su ya (para nosotros) histórica plática:

“Me fui de Comala porque me dijeron que era en Los Ángeles, Houston o Chicago, donde vivía mi padre, un tal Pedro Páramo.A pesar de las políticas racistas, los acosos, las amenazas y los asesinatos, la integración de América Latina con Estados Unidos tiene que ver estrictamente con un orden laboral y es este orden laboral el que está
proporcionando los elementos de la legitimidad y de la legalidad de estos mexicanos en Estados Unidos.”

El resto de la plática se puede encontrar en la revista Literal

Por la noche, Maarten VanDelden, que en ese momento era el jefe del departamento de estudios latinoamericanos, nos invitó a cenar a los patrocinadores a un restaurante italiano y, por supuesto, al escritor. Sin embargo, él permanecía callado y al poco tiempo se disculpó y pidió que lo llevaran al hotel. Solieh Padilla, quien en ese momento era la attaché cultural del Consulado. lo llevó a su hotel. A su regreso a nuestra cena, y con mucho asombro, nos platicó que el maestro le había confesado en el camino, que no había leído su ponencia sino que había improvisado de tal forma, que pareciá que estaba leyendo. No quería dar la impresión de no haber escrito su ponencia. Me quedé sin palabras y mi admiración por su trabajo se duplicó porque yo jamás hubiera sido capaz de hacer parecer una ponencia mía como un ensayo. Fue como haber escrito un ensayo hablado delante de un auditorio repleto

El viernes dio su charla sobre las tradiciones frente a un auditorio de la universidad de Houston. Al día Siguiente, sin embargo, Anadeli Bencomo realizó una entrevista exclusiva con el Maestro misma que publicamos en Literal-- que se puede también leer en el blog de Literal. Siempre recordaremos esa visita desde esta Comala jiustonaina.

The Vollard Collection

2010-06-29T08:29:00.000-07:00

A man looks at sketches, parts of the Vollard collection that will be sold at auction, Tuesday June 29, 2010, in Paris. (AP Photo/Jacques Brinon)

LA LITERATURA DE ORIGEN ÁRABE EN AMÉRICA LATINA

2010-05-20T09:20:00.000-07:00

Hace un tiempo, Isaac Goldemberg, el director de la revista Hostos Review, me contactó para ser la editora invitada del séptimo volumen de su publicación. La idea era reunir a los escritores latinos de origen árabe, un tema poco explorado en el ambiente literario. Cito un párrafo del prólogo que escribí para esta compilación:

“Todo el proyecto tenía una atracción especial: era la oportunidad para conciliar una parte de mi historia con una de las pasiones de mi vida que es la literatura y aceptar, de una vez por todas, que en una buena parte de mis expresiones escritas estaban salpicadas de un ambiente y una tradición oriental. La empresa consistiría, me explicó Isaac, en reunir las voces disgregadas del medio oriente que ahora habitan América Latina en un tomo que mostrara a los lectores de Hostos Review, lo creado por estos latinos. (….) Durante el periodo de búsqueda, cualquier apellido que tuviera una tonada del medio oriente, se volvió el objeto de mis obsesiones. Mandaba a diario correos electrónicos, preguntaba sin rubor si el apellido materno o paterno de cada escritor era palestino, sirio, iraquí, jordano o libanés, Además visité algunas bibliotecas y consulté a otros amigos. Poco a poco la voz se fue corriendo y al cabo de un corto periodo, ya tenía una lista más o menos formada y un camino trazado por el que debía transitar.”

Almalafa y Caligrafía: Literatura de origen árabe en América Latina fue el resultado de más de dos años de trabajo, el cuál salió esta primavera del 2010. La antología es el lugar de encuentro de las “historias que nos han sido contadas y conforman este imaginario de lo árabe, a pesar de la intangibilidad del término.”

En el material solicitado y recibido pude notar que “Se vive una noción del
presente que habita (la) herencia (árabe) de forma circular, porque cada uno de los escritores que aquí se reúnen vuelven de distintas maneras al pasado que los determina, pero siempre regresan en un movimiento espiral, quizá cada vez más profundo, quizá cerca del olvido, pero el movimiento es persistente. Las palabras orientales que han poblado el pasado de cada escritor no se pueden arrancar del imaginario que los conforma y su narrativa se recrea en ambientes llenos de sensualidad, constantemente indagando sobre un origen que ha sido tatuado en la memoria.”

El trabajo se dividió en la sección “Narrativa”, la cual contiene relatos y fragmentos de novela de: Carlos Azar Manzur:; Luis Fayad: Walter Garib:”; Eduardo Halfon, Rodrigo Hasbún, Jorge Kattán Zablah; Carlos Martínez Assad:, Alberto Mussa: “El primer árabe”, León Rodríguez Zahar: Carlos Salem:, Naief Yehya y una servidora.

En la sección “Ensayo” se publicaron los textos de: Gabriel Zaid, Ozam Yehya Cassem, Milton Hatoum y Patricia Jacobs Barquet, entre otros.

En la sección de “Poesía” aparecen :
Jorge Enrique Adoum, Ulises Cassab Rueda, Gary Daher Canedo, Jeanette L. Clariond, Teodoro El-Saca, Rose Mary Espinosa Elías, Jorge García Usta, Jaime Hales, Farid Hidd, Rolando Kattán, Mahfud Massis, Farid Metauze, Eduardo Mitre, Naín Nómez, Alonso-María Rabí-do-Carmo, Matías Rafide y Jaime Sabines.

Y por último en la sección “Memorias” cuenta con textos de: Héctor Abad Faciolince, Bárbara Jacobs: Anuar Jalife Jacobo y Diego Rojas Ajmad entre otros.

A Conversation With Jean Ferrandis

2010-05-07T19:37:00.000-07:00

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Rose Mary Salum: You're a virtuoso of the flute. I know you see it as an excuse to make music. But what is it about the flute, or how does it serve you in terms of expressing yourself?

Jean Ferrandis: In fact, my mother chose the flute for me simply because my brother used to play the piano and we used to live in a quite small room. So my mother said, “ Let’s find an instrument that doesn’t take space!”

So I did not choose the flute. I had a problem with it because I knew I loved music and won a prize very early—at age 13. By the time I realized that I preferred the violin it was too late. But as time passed I started to appreciate the flute because I began transcribing works for other instruments, particularly the violin.

I began to realize how lucky I am to be a flutist after attending and performing at the 2006 National Flute Association Convention in Pittsburgh, where 2000 flutists were in love with the flute. Wow! And I will never forget the way those musicians appreciated my playing. That was a great encouragement to me.

For me the flute is a challenge. The challenge is to try to transform an attraction for this charming and pretty sound into something which moves people. I try to go beyond or behind the sound to find the music, and now I know that the instrument is not of the most importance. The most important issue is what you are able to express with your instrument.

RMS: There's a phrase that caught my attention on your website: “Ferrandis's flute goes to the core, that is, music.” How many people use music instead of viewing it as the end and not a means to something else?

JF: I don’t know how many people are doing this. But I do know that to be onstage you need a big ego. This ego should be used only in the service of the composer, which is not easy. The thing is not to try to be different, but to find our way to play the music the right way. This is different!

RS: Your critics have said that you´ve taken some of your performances to the limits. What ignites this passion of yours?

JF: Yes, something that I don’t understand is living somewhere in my body, in my heart, in my soul. It always surprises me. I think I’m a very simple guy in real life. Onstage, music gives me a special energy, and I have felt this ever since I was a kid. I don’t feel responsible for it; I’m just a live antenna. I think God is doing everything for me!

RS: What is the function or the purpose of transcribing existing repertoire? Do you transform the work into something new? Do you become a creator by doing so?

JF: When I transcribe I just try to be natural as much as possible. A transcription should sound as though the music had been written for the new instrument. It is a tribute to the composer, and I truly love the works I transcribe. They are masterpieces, and they raise my artistic level each time I play. What I want in my life as a musician—as a performer and teacher—is to improve. I always feel like a student.

RS: In your view, what is the state of classical music in France?

JF: This is a difficult question. Everything is made by people. In a sense, music is like cooking: preparing a chili con carne doesn’t guarantee that it will be good. What counts is who makes the chili. So there are some people who deeply love music in France and they are able to promote classical music at a very high level.
But to be very honest, the French are not an intrinsically musical people. What has traditionally interested them more are literature, painting, and dance…but not music. So I would say that French people who are gifted for music receive very little support from the national culture, but rather must find a way to develop their talents by themselves.

The Concert by Jean Ferrandis and Mauricio Nader was organized by The General Consulate of Mexico, The Consulate General of France, Literal, Latin American Voices and The Department of Modern and Classical Languages at The University of St Thomas

De sincronías y Damien Hirst

2010-04-22T21:50:00.000-07:00

En estos días tuve la oportunidad de entrevistar a uno de los artistas vivos más importante de este siglo. Es joven, no pasa de los 45 años y es uno de las personas más ricas del Reino Unido. Pero no es su cuenta del banco la que me dejó tan impresionada, sino una serie de coincidencias que no pasaron inadvertidas, Hace algunos meses, encontré por Facebook a todas mis compañeras con las que estudié la primaria y secundaria Recordar es vivir, lo han repetido todas y cada una de ellas sin falta y esa repetición no es más que la forma de expresar que los recuerdos se han presentado sorpresivamente y de un solo golpe para todas. En este ir y venir de las memorias, una de mis compañeras que estaba en mi salón de arte, anunció que Damien Hirst visitaba México para inaugurar la exhibición que se estrenaría a mediados de abril. La contacté de inmediato, me explicó que las citas de prensa venían desde Londres pero al cabo de unos días, me avisaron la fecha en que la conversación se llevaría a cabo. Poco o casi nada sabía de Damien, su fama es ineludible, su tiburón en formol no deja de causar comentarios y que sea el artista vivo más cotizado de la historia no es nuevo. Sin embargo, lo que sí me tomó por sorpresa fue la sencillez e inteligencia con la que se presenta, pero más aún, encontrarme con una persona centrada. Cuando uno habla con él, la conexión que existe entre su pensar, decir y hacer están profundamente conectados a su centro creativo, lo que lo hace a uno entender que sus poses y caras son sólo una pantomima. Lo que está debajo de esa imagen de excentricidad es un artista que coordina perfectamente la confianza entre sus ideas y la propia aceptación de ellas. Pareciera que en él no se desarrollan batallas violentas entre su conciencia crítica y su creatividad. En él todo se expresa plácidamente y con cierta intimidad. Y mientras lo observo, dice con naturaliza que un artista debe creer en su arte porque sólo así podrá hacer que otros crean en él.
Sus palabras llegaron en un momento idóneo para mí, en un momento en donde he decidido dejar a un lado la voz crítica que me tiene silenciada…al menos en algunas expresiones creativas de mi vida.

Hace poco me preguntaba por qué en este preciso momento se había dado el reencuentro con este etapa de mi pasado. Conforme pasan los días, comienzo a entenderlo.

Mi conversación con Damien Hirst se publicó en Literal de verano 2010

Kiki Garber Walking Down The Streets

2010-04-13T20:54:00.000-07:00

Artist Kiki Garber, left, obscured, gets help carrying her painting of Polish President Lech Kaczynski and his wife Maria as she heads home after displaying it at a Mass at St. Stanislaus Kostka Church, Sunday April 11, 2010 in the Greenpoint neighborhood in the Brooklyn borough of New York.(AP Photo/Tina Fineberg)

Lectura digital vs. lectura impresa

2010-03-14T20:27:00.000-07:00

En una encuesta que Literal Magazine realizó en Twitter sobre si sus lectores preferían leer revistas culturales en una publicación impresa o en el internet, fue interesante encontrarse con que un buen porcentaje (63%), aún prefiere las publicaciones impresas. Leer los comentarios recibidos y encontrarse con que aún existe una fuerte inclinación por las revistas físicas debido a “la textura del papel” “por el olor que sus pliegos acarrean” “porque nada puede sustituir tener el libro en la mano y hojearlo a su antojo” fue una sorpresa muy grata. @rogerjfrank por ejemplo se inclinó contundentemente sobre las publicaciones impresas. @albertochimal nos comentó que “la lectura de un impreso es siempre más agradable” aunque confesó estar leyendo cada vez más en formato digital. Sin embargo, también tuvimos opiniones diferentes como la de @IVIRebollar quien apuntó que “la idea de tener una revista cultural en el internet es bastante buena siempre y cuando tenga difusión” o de la de @Deivid4444que expresó: "lo que importa es lo que se escriba, creo yo. El formato siempre va a ir cambiando y eso es solo un tema de hábitos."

El tema no deja de ser interesante, sobretodo cuando la industria digital ha ido creciendo a velocidades impensables. No hay institución en ese mundo de la cultura que no se cuestione recurrentemente sobre estas ideas, ni intelectuales que no hayan hablado del asunto. Sería absurdo creer que la mudanza a la red ya es un hecho consumado y que la impresión ha dejado de existir, pero también es muy consolador observar que aún habemos muchas personas que preferimos la sensualidad que representa tomar un libro o revista entre las manos y que ese consenso promete extender la vida de la impresión por algún tiempo más.

El exilio y el arte de Sebastián Picker

2010-02-25T21:03:00.000-08:00

Por las calles de Boston uno encuentra el bullicio de los cafés al aire libre repletos de estudiantes universitarios, la vista del río Charles con veleros empujados por el viento musical de los cantantes callejeros y un ambiente cultural muy sabroso sustentado por sus galerías de arte.

Fue en una de esas galerías en donde descubrí el trabajo de Sebastián Picker. Mi primera impresión al ver sus cuadros fue la de una pintura rica en personajes de una delicada ternura. Pero al cabo de unos instantes la obra se reveló en su totalidad. Y es que los personajes que usa el pintor son siempre los mismos, los colores cobres dan una sensación de calidez que invita a seguir observando y sus temas tienen una vertiente social muy interesante.

Para decirlo en pocas palabras: la pintura de Sebastián Picker es una delicada mezcla visual; es un feliz encuentro entre belleza y expresión. Fondo y forma se retroalimentan dando como resultado una obra enteramente contemporánea, aunque los elementos que la constituyen tengan trazos, incluso, que datan de la escuela clásica.

Sebastián Picker nació en Santiago de Chile en 1956. Pero desde muy joven el artista vivió el desarraigo del exilio cuando su familia decidió salir del país después del golpe militar y las injusticias del régimen de Pinochet. Cualquier persona en desacuerdo desaparecía sin dejar huella. El evento más representativo de las injusticias de esa época fue la realizada contra el músico. Y fue así que su familia optó por el exilio.

Este evento provocó en el pintor una etapa de producción sombría, casi monocromática, inmersa de elementos sátiros y políticos. Entre sus amistades no tenía buena crítica: “cambia tus tonos grises a otros colores”, le decían, pero la necesidad de expresar el horror de lo vivido de una manera autodidacta, lo hacían continuar con el mismo estilo.

Este periodo fue evolucionando de tal modo que sus obras sufrieron una transformación, y la luz en su pintura, comenzó a presentarse en su manejo más bizantino. La luz dorada parece nacer desde sus propios personajes. Tal es el caso de su cuadro En la oficina.

En sus trabajos más recientes, el artista parece burlarse de los medios de comunicación. En la pintura Metamorfosis, se presenta un matrimonio leyendo el periódico pero sus cabezas son un reflejo exacto del periódico que aparentemente los pone al tanto de las noticias. Estas figuras sentadas, con una actitud pasiva y mirada triste, carecen de pies. Pareciera que no avanzaran nunca. En otros cuadros como Laberinto y Retrato de una pareja informada son los mismos medios informativos los que privan al hombre de una búsqueda más profunda. Todos los caminos conducen a lo mismo: la enajenación.

Y es este engaño de la masa el que se ve reflejado en sus figuras regordetas, de expresión vacía, simulando a menores de edad, casi bebés de cabezas redondas y cabello escaso. Como decía anteriormente, en todos sus cuadros el personaje es el mismo, así como la identidad del hombre actual que celebra todo aquello que nos despersonaliza, es decir, todo aquello que nos aleja de nuestra propia alma. “Siempre me ha preocupado el alma de los seres humanos aunque no soy una persona religiosa”, señala el Picker.

Así como la manipulación de las grandes masas a través de la información es un tema recurrente en su obra, la injusticia social es otro. En Desequilibrio y Una casa más grande se hace evidente que el privilegio de algunos cuantos se construye a costa de un enorme número de personas menos privilegiadas.

En la paleta de colores y la agudeza de su técnica, Picker recrea un espacio en el que se rescata la intención clásica del arte. La obra artística busca ser un medio por el cuál se hable de la verdad. En el ritmo de sus imágenes se revela algo más que una temática, el espectador encuentra referencias con el mundo en el que se desenvuelve pero siempre dentro de un halo estético, siempre dentro del balance entre belleza y verdad.

"Avatar" & Activism

2010-02-24T15:12:00.000-08:00

(AP Photo/Achmad Ibrahim)

Picture by AP ImagesAn activist from the Center for Orangutan Protection (COP) dressed as a figure from James Cameron's movie "Avatar" participates in a protest against replacing forests with palm oil plantations, in Jakarta, Indonesia, Wednesday, Feb. 24, 2010. About a dozen activists staged the protest urging the government to stop illegal deforestation and save orangutans.

As We Promised. Donation to the People of Haiti

2010-02-13T10:40:00.000-08:00

On January 22nd, Literal celebrated its 5th anniversary. As promised at that time, 20% of all CD's sold by Jay would be donated to the Red Cross for Haiti. This week, we donated 300 dlls., since the total sales were $1300.00 We thank each and everyone of you for your help in celebrating, but mostly because you helped the survivors of this horrible earthquake.

El español en Estados Unidos

2010-02-08T13:40:00.000-08:00

A principios de la primavera del 2009 tuve la oportunidad de entrevistar a Rob Riemen, un filósofo holandés, Director del Instituto Nexus. Su postulado consiste en perpetuar el pensamiento humanista europeo y promover la idea de la nobleza del espíritu hasta América (de la cual por cierto hablaban Spinoza, Thomas Mann y otros filósofos). Afortunadamente hemos seguido en contacto y hace unos días me informó que está preparando una serie de conferencias para este 2010 en las que hablará de El espíritu Europeo en América Latina. Me parece que este ciclo de conferencias mostrará algo mucho más profundo: los latinoamericanos tenemos raíces prehispánicas, pero también europeas. Esta afirmación no es gratuita cuando hablamos de latinos que residen en Estados Unidos, especialmente si pensamos que el idioma hablado por estos latinos es el español (o el castellano, si queremos respetar sus raíces): una lengua cien por ciento europea.
La influencia y la carga cultural que un idioma con tal origen puede ofrecer a un país angloparlante son vastas; el idioma no sólo nombra, sino que estructura y crea una realidad de acuerdo a su propia semántica y gramática, su construcción y su historia. Esta visión del mundo es determinada por la tradición que le antecede; el inconsciente colectivo deja su huella impostergable. Los derroteros que toman los coloquialismos, dichos, muletillas, adjetivos y verbos dentro de la jerga castellana han quedado tatuados en la psique del hispano parlante. Una carga cultural de este tipo, que, debo añadir se va construyendo a lo largo de la historia, necesariamente determina su respuesta frente a su entorno, pero específicamente a una realidad sajona cuya visión se antoja pragmática y precisa. Como menciona Julio Ortega en su ensayo Escribir español en Estados Unidos:

“En los Estados Unidos, el español adquiere nuevas e imprevistas funciones sociales. Frente a la normatividad del inglés, cuya economía demanda el intercambio estricto de una palabra por una cosa, el español propicia el ligero exceso de un intercambio de equivalencias, donde nombra y sobrenombra, derrocha y celebra. El español es aquí una plaza reciente.”

Esta forma de ser de nuestra expresión, y debido a que el idioma es una especie de patria, tiene una influencia directa en nuestro carácter social y nos demarca de tal modo que no puede recogerse o intimidarse cuando se encuentra rodeado de idiomas ajenos. Por el contrario, establece una lucha directa, que a veces puede resolverse en un diálogo y otras en un forcejeo, pero siempre se impone . No en balde hoy por hoy se puede afirmar que Estados Unidos es un país bilingüe a pesar de que aún exista un sector importante de la sociedad que se empeñe en negarlo categóricamente. Los grandes conglomerados y las campañas presidenciales han sido de las primeras fracciones sociales en asumir esta realidad al ofrecer sus productos y operaciones en formato bilingüe. El año pasado, durante la campaña republicana del senador McCain, una mujer de avanzada edad se levantó de su asiento para preguntarle al entonces candidato a Presidente por qué siendo ella norteamericana, cuando tenía que hacer alguna consulta, comprar un boleto de avión o resolver un problema con algún tipo de servicio que se le estaba ofreciendo, tenía que apretar un botón del teléfono para poder hablar inglés.

La ausencia de una respuesta precisa a este comentario (debo añadir, un tanto racista) confirma que el español ha logrado infiltrarse silenciosa, pero de forma segura, en este país. La directa ingerencia del español dentro de la jerga diaria y casi de manera inconsciente, no pasa desapercibida. Existen frases y palabras que le son exclusivas al idioma español y que ahora son incluidas de manera casi folclórica dentro del habla diaria. Eso, sin mencionar que la expresión escrita del inglés, cada vez se encuentra más inundada de frases en español .

Hace algunos años, para un escritor que escribía en castellano, era prohibitivo promover su material en esta parte de América. Su mercado y su mirada siempre estaba dirigida hacia el sur. Latinoamérica representaba la única esperanza para poder difundir su obra. Ahora, en el siglo XXI, el panorama es muy distinto. HarperCollins Publishers abrió hace 5 años el programa de la editorial Rayo ofreciendo una gama extensa de títulos en español. Publica un promedio de 75 libros al año, Arte Público Press tiene una colección dedicada a libros en español. Existen además otras casas editoriales como Flor y Canto Press, Millenium Press o Literal Publishing que publica títulos en formato bilingüe para cubrir ambas necesidades del mercado. Con respecto a las universidades, se han iniciado programas de escritura creativa en español como la Universidad de Iowa a cargo de Ana Merino, la Universidad de Houston, donde Pedro Gutiérrez imparte semestres enteros dedicados a la creación literaria en castellano. En NYU, escritores de renombre como Carmen Boullosa, dirigen talleres que promueven y estimulan a los escritores hispanoparlantes. En Rice University Gisela Heffes imparte la materia de creación literaria en español con planes de volverlo un programa en un futuro cercano.

En cuanto a autores que escriben en español, la lista crece rápidamente: Isaac Goldemberg, Miguel Angel Zapata, Víctor Fuentes, Rima de Vallbona, Jorge Kattán, Roberto Fernández Alicia Borinsky, Liliana Valenzuela, Gustavo Pérez Firmat, Rodrigo Halfon, Graciela Limón, Tomás Eloy Martínez, Gioconda Belli, Isabel Allende, etc. Nombrarlos a todos haría de ésta una lista interminable, síntoma seguro de que el español ya se usa cómodamente en los terrenos literarios y que existe, incluso, un mercado enorme para ello. Las revistas literarias en nuestro idioma y la producción de periódicos en español también van en aumento. Pero aún falta camino por recorrer. Ya sea que se acepte de manera oficial o no, el español es la segunda lengua más hablada en Estados Unidos. Y si como dijimos al inicio de este ensayo, el idioma determina y caracteriza a una cultura, habría que retomar esa vena europea de donde proviene y observar que si un idioma pudiera tener una vocación inherente, la del español sería la del humanismo.

Lo interesante aquí, sin embargo, es que este espíritu humanista que nos llega a Estados Unidos a través del castellano, se asfixia a cada instante, quizá por ignorancia o racismo. Rob Riemen, en una carta que escribió al Presidente Obama antes de que éste tomara posesión de su cargo, dice que por mucho tiempo ha existido en este país una cultura de ignorancia y anti-intelectualismo. Hemos olvidado que en una democracia que no respeta las expresiones culturales e intelectuales de sus habitantes la demagogia se cuela por sus estructuras.¿Por qué no aceptar y fomentar de una vez por todas el bilingüismo en este país? ¿Por qué no abrir más espacios para la escritura en español? ¿Por qué no imitar a los países europeos en donde la diversidad de idiomas se celebra en vez de obstaculizarse? La responsabilidad está en nuestras manos. Somos nosotros los actores encargados de este crecimiento. De nosotros y sólo de nosotros depende que esta industria crezca de manera puntual, pero al mismo tiempo de forma creativa, poética y con la excelencia que empieza a caracterizar la escritura en español escrita aquí, en Estados Unidos.

Obras consultadas
Ortega Julio. Escribir español en Estados Unidos. http://congresosdelalengua.es/valladolid/ponencias/unidad_diversidad_del_espanol/3_el_espanol_en_los_EEUU/ortega_j.htm
Riemen Rob. A Letter to President Elect Obama http://www.huffingtonpost.com/rob-riemen/an-open-letter-to-preside_b_154880.html
Salum Rose Mary. Babel. http://rosemarysalum.blogspot.com/2008/10/babel_3388.html

Este ensayo fue previamente publicado en la revista Ventana Abierta

La novela The Last Prince of the Mexican Empire

2010-01-26T21:54:00.001-08:00

Alice Green, una jovencita criada en Rosadale, Washington, alcanza su juventud rodeada de la alta sociedad de su época entre bailes, estudios y personajes como Sam Houston, el Baron de Borisco o diversos condes de la nobleza europea. Un día conoce a Ángel Iturbide, el hijo del emperador Iturbide con el que contrae matrimonio, dejando así las comodidades que la rodean para vivir en la ciudad del México de mitad del siglo XIX. Las imágenes presentadas y el orden de los sucesos iniciales de la novela The Last Prince of the Mexican Empire, se proyectan en la mente del lector en una perfecta construcción cinematográfica poniendo en evidencia la influencia del séptimo arte. Muy lejos de ser coincidencia, sino una característica perfectamente lograda por la autora, su acercamiento creativo es altamente visual otorgándole a este trabajo la candidatura perfecta para una película majestuosa con imágenes del México antiguo, vestuarios y el paisaje urbano de aquella época. Al menos así lo pide la secuencia de los capítulos y el rigor histórico con el que se nutre. No en balde Milán Kundera creía que las novelas eran la fuente más confiables de la historia oficial de cualquier país.

Diez años de la vida de C. M. Mayo se volcaron en la investigación exhaustiva de Agustín Iturbide y Green, el último príncipe mexicano, es decir, el hijo de Alice Green y Angelo Iturbide (como después lo llamarían) El extensivo proyecto se inició cuando la autora asistió a una comida en la ciudad de México y al verse atraída por un retrato antiguo de un niño de dos años, su anfitriona le explicó que ese pequeño de vestido blanco, había sido un aristócrata mexicano. La idea de la aristocracia mexicana fue algo que tomó a C.M. Mayo por sorpresa y a partir de ese momento surgiría la idea de escribir este trabajo.

La novela fluye de forma delicada y la autora se regodea en las descripciones del estilo de la época. Sin embargo, su pluma no escapa la realidad del siglo XIX y de los tiempos presentes, porque como comenté en una de las presentaciones de este libro, las ideas son las últimas en ser afectadas por el transcurso del tiempo. De este modo, mucho de lo que se pensaba en aquellos días se sigue pensando y creyendo en la actualidad. Así, el malinchismo o el asombro por lo extranjero se observan, incluso, en el modo de pensar de los personajes:

“She frequently complained that it seemed to these Mexicans where barking at her! She pined for her own people, who, as she said, would tell you exactly what they thought about things who would not dally with the truth, twist it and stretch it like so much taffy, and certainly not embellish simple anecdotes with outré inventions.”

La agudeza que usa C.M.Mayo para disectar la realidad se mantiene presente a lo largo de sus páginas. El recuento de los sucesos históricos nos hablan de un pasaje de la historia mexicana casi olvidado. Este proyecto es entonces un producto que la generosidad de C.M. Mayo ha legado a México.

En diciembre del 2009 el Library Journal lo eligió entre sus listas de los mejores libros del 2009 bajo el criterio de ser una novela que pronto se volvería un clásico. Sus comentarios fueron los siguientes:

“Once upon a time, there was a little half-American boy who briefly became heir to the Mexican throne—until his distraught parents sued the doomed Emperor Maximilian for his return. As in the best historical fiction, Mayo's sparkling first novel transforms a forgotten historical footnote into a spellbinding, heartbreaking tale filled with drama and fascinating characters.”

Efectivamente, el libro promete volverse un clásico y está siendo actualmente traducido al español por Agustín Cadena.

A Conversation With Emmy Award Journalist Patricia Gras

2010-01-20T11:55:00.000-08:00

In this picture Patricia Gras with Yvonne Butler PhD the first woman to find a sugar free school in the United States

1.-You just received an Emmy Award for your writing of Food for Thought: High Gas Prices and how they got that way, but this is not your first Emmy.

This is my sixth Emmy. I had a dry spell for a few years and never thought I would win again. I am grateful and never expected this one. I wrote the documentary very quickly but we are in the energy capital of the world, so the key players live right here. I give them credit. I also have a great team I work with. The videographers and editors at Ch. 8 are top notch. Although I wrote the script and won for writing, I also worked with two other great producers.

2.- Could you elaborate on Food for Thought?
When the price of oil went up, there was a lot of confusion as to why that was happening and what that would mean for the future. In Houston, particularly, the high prices affected us differently from anyone else in the country. A high percentage of the population welcomed high prices because they worked in the industry. The rest of us were not so happy.

3.- Do you think the price of oil will redefine our way of life here in Houston?
Absolutely. So much of our economy is dependent on the oil industry and ancillary industries dependent on it. There is no doubt we have to start thinking about the future and whether we are diversified enough as an economy. I don’t see the oil industry disappearing, nor do I want to see it do that. It is effective in a lot of ways, but it will, I think, transform.

4.-What triggered this research of yours?
There is so many global forces that influence our lives. I believe oil prices remained very low for a long time and I had a feeling we would soon see a rise in prices and feel the crunch. As an economics major I knew the law of supply and demand was not working in our country. Too many industrialized countries were paying a lot more for gas and we were not. I also realized it was affecting my pocketbook and creating lots of anxiety in people all around me.

5.-We are very fortunate to have you here in Houston because you´re now working to change some things about how women with breast cancer are treated. You are raising a lot of consciousness.
Thank you. I do have this to say to women undergoing treatment.
First of all, if you have pain or have had painful procedures see a pain specialist. Don’t’ let any doctor tell you that you are being a baby or your pain is normal. Pain is only normal for those who don’t feel it okay?
Secondly, get a support group of friends and family. If you don’t have one, Your hospital will have a patient advocate who can help.
Thirdly, Read the “anti cancer” book by David Schreiber MD. There are a lot of things we eat and do that make us sick. Find out what you can do to reverse that.
Finally, Keep the faith. You must believe you will get better and you will. I have a sticker in my office which reminds me. Every day I am getting better and better and guess what. I AM!
Feel free to e mail me on the Latina Voices facebook page.

6.-What are your projects for this 2010?
Living Smart launches season 6 and we will be covering very important issues This season the show will feature a guest discussing a specific topic, in addition, the new season will also include a two minute “Green Tips” segment which will showcase simple actions viewers can take or information they can use to live more sustainably. These are some of the questions we will try to answer this season. How do we improve our relationships? What should we be feeding our kids? How do we keep our brains fit and our pocketbooks full?
This season we explore emotional intelligence, intimacy, international poetry, brain fitness and spirituality and money. We also interview experts on the key to good relationships, the wisdom in desire, sugar free schools, how to get to the right college for you, consumer rights, what in our food supply is making us sick, and planning a healthy retirement.
With concern about our future, Living Smart guests as always prepare us to live a smarter, happier and more fulfilled life.
I will also continue with my co hosts Minerva Perez and Sofia Adrogue our Latina Voices Smart Talk show once a month on PBS. It has been in interesting ride. We have interviewed the Vice President of Guatemala, a former Houstonian, and former attorney general Alberto Gonzalez, and who I think will win the next gold medal in female boxing who is from Houston.
Once every three month I will also produce and host the town forums with the Center for Houston’s future and our first subject will be education reform. Finally, I will be working on a series with Children at Risk on the state of Houston’s children and what people can do to improve it. Last but not least I will be performing a concert with Mercedes Sosa songs for the first time in a few years. It will be in October. I will be happy to get back into music. As you can see I have a full plate!

Resoluciones para el 2010

2010-01-09T18:34:00.000-08:00

Los años nuevos y las resoluciones son dos elementos que se presentan enlazados. Lo curioso es que éstas últimas se desvanecen apenas han transcurrido las primeras semanas del año. A pesar de entender lo absurdo del asunto, siempre dedico parte de mis pensamientos de diciembre a encontrar algo que cambiaré en el año nuevo—como si un movimiento de traslación nos obligara a ser diferentes. “Por lo menos existe la intención de ser mejor”, me digo mientras pienso qué propósito de este 2010 puede adaptarse a mis exhaustivos horarios. He aprendido a ser menos exigente; ya no intento leer 2666 en pleno cierre de un número de Literal, pero invariablemente cada año caigo en la trampa de escoger una resolución. Esta vez me propuse darme tiempo para escribir. Estuve pensando en mis horarios, los momentos disponibles del día, hice algunos cálculos matemáticos e incluso algebraicos, pensé en cambiar uno de esos obsesivos rituales que todos tenemos y llegué a la conclusión de que las mañanas son el mejor momento para retomar la escritura. Pero por más mediciones y cálculos, por más fórmulas químicas o físicas que se me ocurrieron, no he logrado imponerme mis nuevos propósitos. Incluso, este fin de semana, en un intercambio de correos que tuve con Anuar Jalife, el director de la revista Perros del Alba, en un lapsus le confesé que quería tomar más tiempo de mi tiempo para terminar mi libro de cuentos (y que he venido aplazando desde hace más de 15 meses). “Tienes toda la razón, las revistas son muy celosas” me escribió Anuar ¡Exacto! Esa es la palabra perfecta, la palabra que estaba buscando, sobretodo cuando esta mañana descubrí que ese propósito era exactamente el mismo que me había impuesto para el 2009, para el 2008 y tristemente para el 2007 y el 2006. "Patética" es la palabra que mis neuronas se transmiten entre ellas...En todo caso habrá que proponerse no proponerse y escribirlo a diario para sentir que he materializado mis resoluciones para el 2010.

Celebración del quinto aniversario de Literal en la Feria Internacional del Libro en Guadalajara

2009-11-25T13:30:00.000-08:00

El martes 1 de diciembre estaremos presentando el nuevo número de Literal dedicado los Cyborg en La feria Internacional del libro de Guadalajara.

Los esperamos en el Salon C del área Internacional de 18:00 a 18:50 Hrs.

Presentan Adolfo Castañón, C.M. Mayo, Tanya Huntington Hyde y Rose Mary Salum

Además presentamos el libro bilingüe The return/El regreso e Imperio / Empire de Tanya Huntington y Rocío Cerón (ediciones bilingües) el martes 1 de diciembre a las 19:00 hrs

Salón B, Área internacional
FIL Guadalajara
19:00 a 19:50 hrs

Presentan:
Nicolás Alvarado, Carla Faesler, Rose Mary Salum, y las autoras

An Interview With Richard Herskowitz

2009-11-12T20:07:00.000-08:00

Houston Cinema Arts Festival organizers announced a stellar lineup of actors, directors, and other artists participating in the only U.S. festival devoted to films by and about artists of all stripes I had the great opportunity to talk to Richard Herskowitz, the curator of this jam-packed event that will take place at many Houstonian locations.

1.-The array of films that you curated for Cinema Arts Festival Houston is of the finest quality. You´ve chosen some of the best movies produced in the past year. What do they have in common other than their quality?

The films are all by and about visual, performing, and literary artists. I went to the International Festival of Films on Art, Silverdocs and the Toronto Film Festival scouting films with this focus. I narrowed down a list of four-star films that could have filled this festival five times over. My ultimate selections were based partly on the availability of the filmmaker, because I think festivals should offer direct encounters with artists whenever possible.

2.-The arts-oriented Festival also covers other aspects of the arts. Isn´t this a sui genneris type of Festival? Who are you bringing in addition to the filmmakers and screenwriters?

There is no other film festival in the US devoted films about the arts. The closest one is in Montreal. In the case of Three Burials of Melquiades Estrada, we’re bringing not only the screenwriter but also the production designer, costume designer, art director and line producer. These are the “below the line” crew who often don’t get recognized, but give films their design and atmosphere, and we want our audience to recognize the variety of artistic talents employed in film production.

3.- You´ve worked in other programs and Film Festivals. In your perception, what are the core differences between the Cinema Arts Festival and other festivals?

The emphasis on the arts, which derives from Houston’s extraordinary array of arts institutions, which the Festival was designed to celebrate. The other unique aspect is our multi-media, multi-arts nature. The Festival features media installations like H BOX at the Alabama Theatre, and several live music and film performances, including the Kid Pan Alley schoolchildren accompanying Peter Pan at Miller Outdoor Theatre and The Lost World accompanied by Dengue Fever. We’re ending the Festival with a live performance by the Houston Ballet II student dance company before The Red Shoes in Discovery Green. Academy Award winning actress Tilda Swinton will be introducing that program, since the film is one she distributes to kids as part of her 8 ½ Foundation.

4.- Many artists and business men see Houston as the gateway that connects EU with Latin America. Geographically speaking we are located on a strategic point where we can access and make happen the best things of the world. Do you think most Houstonians are conscious about it? Would you consider a Latin American Film Festival?

We want to be an international film festival and that has been one of our goals from the beginning. This year, we are featuring Mexican screenwriter and novelist Guillermo Arriaga. He’ll be reading from his novels at an event cosponsored with Nuestro Palabra, and also discussing his films Three Burials of Melquiades Estrada and Amores Perros. Another program I’m excited about is Sacred Places and Nora, two great new African films about contemporary African cinema and dance.

5.- Are you planning a future exhibition here in Houston? If so, what it´s about?

We will be back next year with our second Cinema Arts Festival Houston!

6.- Have you worked as a director or producer in a film? Will you consider that in the near future?

I have made short documentaries and experimental films, but my main passion and talent is curating films by filmmakers who are much better artists than I could ever be!

A Conversation With Leandra DiBuelna Jr.

2009-10-25T08:17:00.000-07:00

I had the opportunity to talk to Leandra DiBuelna Jr., an artist that is currently exhibiting his work at Canal Street Gallery. His work will be on view until the end of the month. My gratitude to Sijin Kurian who kindly helped me to transcribe this interview.

RMS: The first thing one notice is the happy and wildest imagination of your work. What is it that brings it out?

LDB: What I do is when I dream and when I see myself dreaming, I’d like to get into that parallel brain, into that mind and let that one dream. And when that [one] dreams, to go to what I think is like an alien from outer space, because there are more planets in the universe than there are [grains] of sand on this earth. So, when I’m up there, when I see what it’s like up there, I come back. And I paint it.

RMS: Really? So, what’s going on in your paintings is that you’re dreaming?

LDB: Yeah, I get into the other mind. I see myself out there, so I want to get into his mind. I’m Leo, and I get into Leandra’s mind. And when I get into Leandra’s mind, then we go “wow”, then I come back and I paint.

RMS: So, it’s like two people are living inside you.

LDB: —Leo and Leandra. (laughs)

RMS: Right. Leandra is the one who…

LDB: —is the artist. Leo is the one who gets in trouble. (Both laugh)

RMS: When you visit Leandra’s world, it’s only in the dreams?

LDB: When I see that—you know, I still believe—it’s real out there. It is real out there. You know, we’re not the only ones on this planet, and there’s planets right now getting started just like this one got started. Right now. ‘Cause it’s a—we’re not the only ones here. That’s why I like to go out there and come back and, you know, go, “Wow, man”. And they’re all beautiful and…weird, like this planet.

RMS: When you say you go “out there”, it means you go out there into the universe?

LDB: Into the other dimension. You know, there’s a pocket up there, and you can get into that pocket into the universe, and then you’re into another Twilight Zone. And then I say, “I’d better come back.” So, I come back and paint what I’d seen.

RMS: Yeah, because it really shows in your paintings. When I was talking about the wildest imagination, it’s like you’ve created a different universe.

LDB: Oh, it’s a lot of help from the man upstairs. He gave me this gift. It’s not a privilege, it’s a gift He gave me. So, while I’m on this planet, I’m gonna use it. And I say, “Let’s go. Where are you gonna take me this time?” (Both laugh)

RMS: Is every painting one visit to a universe, or is every painting composed of many visits to that universe?
LDB: Many visits. Many many visits. And there’s a whole bunch more out there. And you know, like I said, there’s more planets out there than there are [grains] of sand on this earth. There’s no ending up there. No ending at all. It just keeps on going and going.

RMS: There’s an explosion of color in your works.

LDB: Oh yeah, colors. It’s that—I don’t know—the doctors have told me that my eyes…are partially color blind. I have to put numbers on my oils to know what colors are which.

RMS: Are you color blind?

LDB: That’s what they say, yeah…That’s why on my driver’s license, [it says] I can’t drive at night. I don’t know if it’s red, green, purple, or blue…

RMS: So with the colors, you’re using them in a more intuitive way, right?

LDB: Yeah.

RMS: Because the color is a main character of your pieces. It’s not only the little characters you are using, but it’s also the color.

LDB: Color is what makes the image. What makes the picture is color.

RMS: The characters of your pieces interact, interlace and connect with each other. It’s like everything is connected. Is that how you feel about reality?

LDB: Being connected with the people upstairs. That’s what I’m… connected with.

RMS: But also at the same level, you’re characters are… sometimes connected with little, tiny strings—

LDB: I don’t want to lose life. People want to stay or try to be connected with reality… it’s connection. Nothing ends.

RMS: So the connection, it’s… life that is connecting everyone?

LDB: Yeah.

RMS: Your images unfold like tree branches, it’s like—

LDB: Rhythm? Yes. I love music. It could be cowboy, it could be opera. If I like the music, I don’t care what kind of music it is, or where it came from. If I like the sound or whatever it is, I like the music. I just love music and its sound. And that’s what helps me out.

RMS: Some of the images that you are using remind me of musical notes.

LDB: I didn’t think they were musical. They are?

RMS: Well, much of your personal life is in your work. Is that what inspires you? Is that the reason why your art is so original, in the real sense of the word origin?

LDB: Yeah. It’s what I create. I don’t look at anybody’s work. It’s my own creation. I was five years old when I started painting. My mom used to have this couch, this green couch. It had these red plants and leaves, and it was green. And when she came, I had painted the couch (laughs)…and she beat me to death. That was my first [time painting].

RMS: So, actually, the images that you come out with are nurtured, not only by the other world you visit at night, but by your personal life?

LDB: Yeah.

RMS: You mentioned that you starting painting when you were five years old. Where did you study? Did you formally study art?

LDB: Well, my dad was an artist, and so was my mom. I was just born with it. I didn’t go to school or nothing. What you see, created myself. Nobody else taught me. I taught myself…I’m my own teacher. If I did anything bad, it’s me. If you don’t like it, well, it’s up to you…I create everything in my works.

RMS: Yeah, it’s like a whole new language. I haven’t seen anything like this, which, like I was saying, makes it very different. It’s different because…it comes from you. It comes from your own self, instead of having influences from other artists. Do you have a favorite artist?

LDB: …All of them, because all of them are good. It’s like when people ask me, “What paintings do you like?” I say, “The next one I’m gonna do.” …So yeah, all of them. All the artists.

RMS: Have you ever had any exhibitions in the past?

LDB: Not here in Houston, but in California, in Portland… But here, this is the first. And it’s been about what, 18 or 19 years. And I didn’t think I was ready. They say, “What do you mean, you’re not ready?” Well, I still don’t think I’m ready, but why not? I’m not getting any younger. I still got lots to learn. I’m still teaching myself… And trying to create new colors. Now [the] colors I [use], I mix them up myself. A lot of colors. And I don’t know what—I just put them in there, because I have numbers. Which is which? [Laughs].

Images Courtesy of Canal Street Gallery:

1.-Leandra's Birth
2.-Last Step Beyond
3.-Act 1 Look at Me and U 1973
4.-Boog a Loo 8th Star Fron Trivis

Recordando el trabajo de Helio Oiticica

2009-10-18T09:36:00.000-07:00

La pérdida de la obra de Helio Oiticica en un incendio es devastadora. Hace algunos números de Literal, nosotros hicimos una visita a su exposición El cuerpo del color en el MFAH. Fernando Castro entonces publicó una magnifica reseña de su obra.

"La exposición El cuerpo del color de Hélio Oiticica en el
Museum of Fine Arts Houston1podría llevar al espectador a ver
su arte como el “delirio ordenado” que algunos comentaristas
describen. Por un lado hay meditación y cálculo; por otro,
espontaneidad y un crescendo de formas y colores (rosado,
amarillo, anaranjado, rojo, etc.) encarnados en una diversidad
de objetos. Muchos de éstos no calzan dentro de géneros artísticos
tradicionales sino que pertenecen a nuevas categorías
inventadas por Oiticica en los sesenta. En medio de esta confusión
de géneros, al espectador común y silvestre le podría
resultar difícil hallar orden. El orden de Oiticica es un reflejo de
la cultura popular de Río de Janeiro y la organización de las
aparentemente caóticas construcciones de las favelas." Para leer el artículo completo presiona aquí

Imagen: Glass Bólide 05: “Homenagem a Mondrian”, 1965.
Oil with polyvinyl acetate emulsion on nylon mesh and burlap; glass; paint and pigment suspended in water.
César and Claudio Oiticica Collection, Rio de Janeiro.

A Room Of Her Own At McClain Gallery

2009-10-07T22:33:00.000-07:00

McClain Gallery is hosting an exhibition that presents a diverse body of work from four generations of female artists. A variety of mediums will be represented: from sculptures to paintings to works on paper; artists include: Katherine Bernhardt, Karin Broker, Cecily Brown, Tara Donovan, Tracy Emin, Louise Fishman, Jenny Holzer, Rebecca Horn, Chantal Joffe, Inez van Lamsweerde, Alice Neel, Louise Nevelson, Judy Pfaff, Alison Shulnik, Kiki Smith, and Kelli Vance.

Throughout the exhibition is a dynamic presence of sculpture: the totemic strength of a Nevelson wall piece, a Tara Donovan accumulation, a poetic vitrine from Rebecca Horn, and an LED installation from Jenny Holzer. A clear visual dialogue emerges between the process-oriented abstraction of Louise Fishman's canvases, the figurative abstraction of a Cecily Brown drawing, and Judy Pfaff's richly layered collage work. Paintings by Alice Neel, Chantal Joffe, Kelli Vance, and Katherine Bernhardt highlight the female form and unorthodox approaches to portraiture.

The exhibition title is derived from Virginia Woolf's assertion in her extended essay titled A Room of One's Own, first published in 1929, that "a woman must have money and a room of her own if she is to write fiction." Similarly, the exhibition A Room of Her Own celebrates the product and accomplishments of female artists.

Images (details) from left to right: Alice Neel, David, 1968, oil on canvas, 46 x 30 inches; Tara Donovan, Bluffs, 2007, buttons and glue, 43 x 24 x 24 inches; Katherine Bernhardt, Redhead, 2005, acrylic on canvas, 60 x 48 inches; Louise Fishman, Gorgeous Green, 2008, oil on jute, 24 1/4 x 32 inches; Kelli Vance, Sweet Nothing, 2009, oil on canvas, 48 x 36 inches.

The City Lights No Contest

2009-10-01T15:11:00.000-07:00

Ingrid Rojas from City Lights recently contacted me and asked me if I could post this contest so here it goes!

In a recent interview with PRI's World Books, Beauty Salon author Mario Bellatin described a writing technique called the "No Method": "For years I tried to create for myself a method of writing that would be my own. I called it the No Method, not because it was influenced by the Japanese theatrical form of that name, but rather because it was about appending a 'no' to all the elements that supposedly make up literary texts. No adjectives, no dialogue, no space, no time, no omniscience, no names, and so on and so forth, until I had compiled a long list of noes. It was in that way, restricted all the way down to the most minimal aspects, that I began to see that, in a certain sense, things could be named anew."

Our challenge to you: use Bellatin's No Method--no adjectives, no dialogue, no space, no time, no omniscience, no names--to write a short piece of fiction (under 200 words), and send your entry to contest@citylights.com under the subject line "No Contest." The person with the best entry will receive a free copy of Beauty Salon and a choice of four other books from our City Lights Publishers Literature in Translation list. Submissions are due no later than October 15, 2009.

The winner will be announced in City Lights´ November newsletter.

A Conversation With Caridad Svich

2009-09-28T10:15:00.000-07:00

Caridad Svich is a U.S. Latina playwright, translator, lyricist and editor, who recently visited Houston to inaugurate her adaptation of Isabel Allende’s novel. The House of the Spirits was commissioned by Repertorio Español, and we´re lucky to have the opportunity to see her work at Main Street Theatre which will be on show until October 10th.

1.- What is the theatrical language that you found existed in the book The House of The Spirits?

One of the challenges of finding my way through Allende’s novel was the fact that there isn’t an immediate sense of theatrical language that exists within it. There’s barely even conventionally dramatized sections where dialogue flows. What there is, though, is a theatrical structure, albeit labyrinth-ian, and wonderfully out-sized moments and characters. When I gave myself the challenge of not lifting Allende’s actual text from the novel, but rather work with instead the themes, characters and narrative arcs, I felt suddenly not only an immense freedom as a writer to truly respond to Allende’s novel in another medium, but also a curious awakening of the voices of the central characters for me, outside of their narrative personas in the novel. So, as a writer, I think what occurred is a strange, perhaps alchemical process, which often happens when working in art: that the characters started to behave and speak within me, even though they were ‘born’ on the pages of a non-theatrical text! I will add that Ms. Allende loves the theatre and even wrote a few plays when she was younger and lived in Chile, and I think the fact that she is drawn to theatre’s profound playfulness manifests itself in the great leaps of faith and action she takes in this novel and other works. She understands inevitably that the power of the theatrical is in the telling of stories – the ritual of it. And one thing that this novel has are layers of stories within stories across generations.

2.- While adapting the novel, one cannot help but notice that the feminine voice is very strong as well as their liaisons with pasts generations. Is this a common component of your work?

Certainly, I think positioning the female voice and body at the centre of drama is a strong component of my work aesthetically and politically. The liaisons with past generations occurs in different ways in my plays, often with a direct interaction with myth or history, or the root of a story (for example in my play with songs 12 Ophelias, Shakespeare’s Ophelia is in dialogue with not only Shakespeare’s text but also with characters that have been transformed from Hamlet as well as other Ophelias that have been portrayed in the visual arts over the centuries). In Allende’s novel, the three generations of women are the centre of the epic story that she tells and through it the character of Esteban Trueba serves as the causal link that joins them. I couldn’t re-make Allende’s story for the stage without honoring the fact that the story is intergenerational and profoundly about how women find their voice(s) and/or how their voices are suppressed or how they also suppress themselves. Beautiful, tough lessons are posited by Allende.

3.- In your adaptation time runs at a different pace, it’s closer to the rhythms of the memory than anything else. It also seems that things remembered come from the feminine side. Could you elaborate on these subjects?

The book plays temporal games as well, and is in fact a labyrinth of memory. When I re-read the novel before adapting the story for the stage, I was struck by how deft and sometimes surprising the time ‘breaks’ are in the novel. Sometimes they occur from one sentence to another in a single paragraph. Memory courses through the book. It is after all the story of a grand-daughter tracing her family’s rich and troubled history, which coincides with her country’s history. In my work as a playwright often I play ‘memory tricks’ in the structuring and pacing of the narrative. Time elides and breaks and characters step in and out of real time, past time and sometimes from future time calling toward the past. Memory is not linear. And while I often work with a narrative that is essentially linear and driven by forward motion to establish a journey for the audience and readers, within it I let, if the play’s story allows it, the flow of memory to impact the pace and sometimes even affect the outcome of the narrative. As audiences when we go to the theatre, our own memories are triggered by actions on stage or objects, etc. I’m interested in liminal spaces as an artist. Always have been. And in the elusive and confounding ‘warehouse’ of memories we have inside us as human beings.

4.- One thing that caught my attention is that your characters confirm what is said by some of your critics “they find themselves at the intersection of identities” Was that the reason why you accepted to adapt Allende´s novel into a play?

Perhaps it’s one of the reasons I accepted the commission. I think my initial reaction to the offer was less specific, though! I was really quite taken with the novel’s ambition and size. The epic nature of it and yet the fact that it’s ultimately an intimate story. As I was working on the play, certainly, the fact the identities intersect from one generation to another became an evident strand. Also, on a theatrical level, I really love when actors double and triple roles for specific dramaturgical reasons, and in drafting the play, working out how the actor identities would intersect from role to role was something I reveled in dramaturgically. How the function of one character replays itself or counters in another, how Ferula ‘returns’ as the Count, etc. Also the fact that the play was conceived with mediated aspect (projections, videography) in mind also allowed for different kinds of intersections: virtual to live, spectral objects next to real objects, etc.

5.- It must’ve been a challenge to work on this novel when it was previously adapted for the big screen.

The challenge for me was the novel itself. I’m not a fan of the Billie August’s film, although there are some amazing actors in it. So, the fact of the film didn’t daunt me in the least. Film and theatre are so different anyway in what they do as mediums. My task was to make it work for the stage. That there are cinematic devices in the play is true. I love playing with what we’ve all learned as storytellers from different mediums because it affects how we perceive and think and receive stories. The fact that we’ve become inured to the jump cut, for instance, is something you can’t ignore.

6.- You are the coauthor of Theatre in Crisis? Performance Manifestos for a New Century. In that book you reflect deeply on where theater is currently. Would you share your thoughts with us on where the theater in Spanish is?

Theater in Spanish encompasses of course most of the theatre written, devised and presented in Mexico, Central and South America, Iberia and parts of the Caribbean. Huge topic to address! I think what I find rather intriguing and disappointing is that in the US, in this slice of the Americas, we know so little, outside of the academy, about what is happening in theatre in Spanish and Catalan within and outside our borders. Certainly there is a huge movement of theatre that intersects with elements of guerilla theatre and performance art in the generalized, for the purposes of this question, Americas and Iberia. It is theatre that is influenced in great part by German and French radical theatre practices and even literary ones. I was in a US-Mexico Exchange and most of the dramatists listed as primary influences Thomas Bernhard and Elfriede Jelinek! There is an elasticity to much of the text written for the stage and live performance in the Americas and Iberia, and also a really go-for-broke post Mc-Ondo approach to representations of acts of violence alongside commentary on the digital age. In many ways I think theatre in the Americas and Iberia too is light years ahead of much of the theatre in the US, which still tends, for the most part, to adhere to 19th century tenets of realism, perhaps because of the comforting need for what seems to have a semblance of identifiable veracity in work that is dramatized, although significantly enough, not something US audiences or producers tend to demand from works that are more genre specific (i.e. animated storytelling). My adaptation of The House of the Spirits will be produced in Chile in spring of 2010, and I’m eager to see how audiences respond to the work there.

Credits:Third image belongs to Scvich´s premiere of the play WRECKAGE at Crowded Fire Theatre in San Francisco in May 2009
Forth image belongs to to the premiere of IPHIGENIA...A RAVE FABLE at 7 Stages Theatre in Atlanta in February 2004.

"El amor como concepto filosófico II"

2009-09-21T21:39:00.000-07:00

Hace unos meses subí a este blog un link a una página de la UNAM que publicaba una entrevista con el filósofo Edgar Morales. El tema era sobre el concepto del amor filosófico. No satisfecha con ese texto y con ganas de escuchar aún más, le escribí a Edgar y le propuse establecer un diálogo en donde él pudiera compartir sus ideas con respecto al amor en este siglo. Aquí reproduzco nuestra conversación epistolar:

RMS.- "Hola Edgar, por fin me di el tiempo de releer tu entrevista la que por cierto me pareció fascinante en ese entonces y ahora. Sin embargo, las referencias que das a lo largo de ella, no coinciden con la noción del amor actual. Allá afuera observo demasiado desorden, no veo una idea que sostenga, hilvane, o aglutine el fenómeno del amor en el siglo XXI. La idea de Eros está completamente tergiversada, la del Ágape ya ni las monjas que preparan el rompope para las primeras comuniones lo asumen, el amor cortés es la más ridícula de todas las cursilerías según los jóvenes actuales quienes sólo pueden lograr un acercamiento cuando están alienados (que no alineados) y lo único que me parece que hoy por hoy puede encontrar una referencia al pasado es esto que tú mencionas: ´desde entonces los filósofos han sesgado su comprensión del amor al encuadre pasional, tal como sucede en Descartes o en Hobbes, en quienes ya vemos algunos esfuerzos por encuadrar la temática amorosa en el espectro de una antropología psicológica, o en pensadores como Rousseau o Schopenhauer quienes ofrecen una perspectiva más bien irracional de las pasiones amorosas, el amor como trampa, como cárcel y como engaño de la naturaleza para lograr sus propios fines.´

Al final de tu entrevista propones dejar que las experiencias amorosas se dejen conducir por el campo magnético de los símbolos (una frase preciosa) pero yo me pregunto si aún quedan suficientes lazos con los conceptos del pasado para que esta última propuesta tuya se pueda llevar a cabo."

"Querida Rose, cierta falta de empatía con el tema amoroso me contuvo de dar una respuesta pronta a tu petición de extender un poco mis ideas en torno a lo expresado en aquella entrevista sobre el amor que tan amablemente “linkeaste” en tu blog. Finalmente conseguí arrostrarlo. Lo que me preguntas me parece que tiene un aspecto central, y diría incluso que es realmente tu única pregunta; hablas del caos en el que las actuales generaciones viven el amor, de su no sometimiento a “vectores simbólicos”, bueno pues, hasta niegas la posibilidad de que las inocuas monjas realmente vivan el ágape cristiano. De ahí que te surja la duda de qué tanto se emparientan las nociones de las que hablo en dicha entrevista con las experiencias amorosas en el siglo XXI. Deja intentar darte una respuesta.

Pascal Bruckner y Alain Finkelkraut en su célebre libro El nuevo desorden amoroso afirman contundentemente que: “La sexualidad ya no tiene finalidades metafísicas o religiosas, carece de sentido y de trasgresión, de realización, higiene o subversión. El amor, transformado en irreconocible, pierde sus referencias; tal vez sea eso el desconcierto, que ya no pueda existir un destino personal sino que la suerte de cada cual resida en todos… no acumula saberes sino perplejidades” (Pascal Bruckner y Alain Finkelkraut, El nuevo desorden amoroso, Anagrama, Barcelona, 1996, p. 12)

Y pareciera que tal diagnóstico no sólo es válido para la temática sexual sino para muchas otras prácticas humanas, en realidad se trataría de un caos generalizado que infecta todo a su paso, sea esto la vida sexual, amorosa, moral, familiar, política y un largo etcétera. Dicho caos tendría su raíz en el colapso de los fundamentos culturales de Occidente que se habrían dado desde el siglo XIX, con las primeras arengas de corte nihilista, pero cuya aceleración y masificación la está padeciendo la generación inaugural del siglo XXI. Se ha hablado ad nauseam del fin de la historia y de los metarelatos, de la instauración de una “posmodernidad” incapaz de convicciones trascendentes, de la era líquida en la que todo lo sólido se desvanece en el aire… Curiosamente quienes se benefician de tales diagnósticos son los sectores neoconservadores prontos en ofrecer “soluciones” a una generación corrupta a la que se le trata como incapaz de autonomía moral.

Este escenario, en el que conviven discursos pseudo-nihilistas al lado de los apocalípticos y redentoristas, es el marco que sobredetermina nuestras representaciones del fenómeno amoroso hoy en día. Y digo “representaciones” porque tal escenario habla más de nomenclaturas discursivas que de experiencias cotidianas. Pero aquí surge un intersticio formidable ¿hasta dónde podemos “vivir” fuera del discurso? Nuestra condición existencial está determinada por las mediaciones de tales “nomenclaturas” de tal forma que lo que nos pareciera más personal, como una relación íntima con alguien, no es ajeno a la serie de discursos que se debaten por representarlos. He ahí la pertinencia de emprender la arqueología simbólica de tales discursos y representaciones, especialmente en lo que atañe a tres factores persistentes: el supuesto de la libertad subjetiva, la ilusión romántica y el afán de significatividad autónoma. Tales factores se coordinan de una manera inédita en la narrativa amorosa del bajo Medievo, pienso por ejemplo en el roman sobre Tristán e Isolda, es evidente que ahí se proyecta la gran preocupación que ronda en torno a la ilusión de la libre voluntad en cuestiones amorosas, la constitución del drama romántico par excellence y la construcción de una sobre significatividad que se consagra no por la vía de las virtudes socialmente aceptadas sino justo por la puesta en crisis de éstas.

No estamos tan lejos de tal narrativa, lo que se añade a nuestra generación es más bien la vulgarización del núcleo dramático bajo la ilusión, casi injustificada, de inmediatez de las pasiones. Es curioso pero la pretensión de inmediación pasional es parte de la narrativa misma que vive en el seno de nuestros propios sentimientos, vivimos bajo la impostura de una autenticidad que no se quiere ligada al artificio. El resultado masivo es casi una caricatura de mal gusto, excedencia de libertades exaltadas por la búsqueda de experiencias “genuinas” que intentan no deber nada a lo que no nazca de sí mismos. Esta situación existencial a que nos somete la creencia de vivir “más allá del bien y del mal” (curiosa paradoja anti y pro “meta”física) lejos de ser el resultado de la ausencia absoluta de “vectores simbólicos” es la confirmación de que seguimos gobernados por ellos, pues la ausencia de mito es a su vez un mito (como afirmaba Georges Bataille), así las cosas se puede afirmar que la pretensión de amar libre, pasional y autónomamente sigue siendo un síntoma mitopoiético.

Frente a esto alguien podría expresar algo así como “ah, sí, eso es cierto, pero sólo para el ámbito de nuestro imaginario amoroso, en la realidad las cosas son diferentes”. Veamos esto, por un lado es engañosamente sencilla la separación entre creencias y prácticas, y por otro permite deducir erróneamente que tales existen de forma pura (como si fuera posible tener “prácticas” sin mediación de estados mentales). La permanente variabilidad de las relaciones amorosas “reales” no impide su encuadre en esquemas representativos, la imaginación simbólica enmarca, y constituye, nuestras tragedias y dichas. Vivimos en y para el discurso, incluso cuando lo único que queremos es escapar de él, ser indiferentes del todo a todo, no complicar los sentimientos con creencias… seguimos siendo signos en medio de signos.
Someterse al gobierno de los símbolos no es una propuesta, es una condición existencial. Es por esto que si existe alguna posibilidad, en el terreno de Eros, de libre autodeterminación, genuino romance y significatividad ajena al egotismo naïf, tendrá que ser por vía de una conciencia que se ahonda en sí misma para reconocerse encastrada en el sintagma histórico que le da forma y frente al cual puede resignficar sus experiencias amorosas."

MoMA Acquires Works from the Suzanne Winsberg and Richard Avedon Collection

2009-09-11T14:53:00.000-07:00

Richard Avedon (American, 1923-2004)
Veruschka, dress by Bill Blass, New York. January 1967
Gelatin silver print, 23 3/4 x 19 7/16 in. (60.3 x 49.3 cm)
The Museum of Modern Art, New York. The Photography Council Fund
© 2009 The Richard Avedon Foundation

The Museum of Modern Art announces two major photography acquisitions: nearly 60 rare examples of nineteenth-century photography from the Suzanne Winsberg Collection and 39 photographs by Richard Avedon. The bequest of photographs from the Suzanne Winsberg Collection—comprising works that range in date from 1847 to 1893 by artists such as Édouard-Denis Baldus, Gustave Le Gray, Nadar, Charles Nègre, Louis-Rémy Robert, and Benjamin Brecknell Turner—enriches MoMA’s holdings of nineteenth-century photography. The Richard Avedon photographs encompass the artist’s entire career and were acquired from The Richard Avedon Foundation. This acquisition more than doubles the Museum’s collection of Avedon’s work.
Suzanne Winsberg was an avid photography collector. From the 1970s until shortly before her death in 2008, she spent much of her time in Paris, where she pursued advanced acoustical research at the Institut de Recherche et Coordination Artistique/Musique (IRCAM). The market for photography began to blossom in the 1970s, and in Paris there emerged a sophisticated circle of dealers, collectors, scholars, and curators who passionately explored the unfolding of early French photography. Winsberg was able to form a small collection that includes more than a few works of exceptional quality.
The photographs in the Richard Avedon acquisition date from 1953 to 2002. The group of works include nine photographs, taken between 1969 and 1973, that portray Avedon’s father, Jacob Israel Avedon, as his health declines. Not currently on view, these works were first presented in a solo exhibition at MoMA in 1974.
Other highlights include iconic and well-known portraits of Marilyn Monroe, Lew Alcindor (the young Kareem Abdul-Jabbar), Marcel Duchamp, Gabrielle “Coco” Chanel, Malcolm X, Bob Dylan, The Chicago Seven, and fashion photographs featuring Veruschka and Twiggy.

Richard Avedon (American, 1923-2004)
Veruschka, dress by Bill Blass, New York. January 1967
Gelatin silver print, 23 3/4 x 19 7/16 in. (60.3 x 49.3 cm)
The Museum of Modern Art, New York. The Photography Council Fund
© 2009 The Richard Avedon Foundation

Nele Azevedo in Berlin

2009-09-03T07:24:00.000-07:00

Small ice figures are seen on the stairs of Gendarmenmarkt in Berlin, Germany, Wednesday, Sept. 2, 2009, as part of an art project by World Wide Fund for Nature. Around one thousand ice figures by Brasilian artist Nele Azevedo were melting within 30 minutes symbolizing the effect of global warming. (AP Photo/Maya Hitij)

Conversaciones con Heriberto Yepez

2009-08-24T15:55:00.000-07:00

En esta entrevista que concedió a Milenio, Heriberto Yepez habla de la educación en México (o la falta de ella) y comenta: “La educación mexicana está en un momento muy grave. No sólo los resultados de los estudiantes mexicanos dejan mucho qué desear, sino también los resultados mismos de los profesores”. En otra entrevista que nos concedió a Literal Yepez nos habla de cómo se fue gestando su última novela, Al otro lado y sobre los personajes que en ella habitan. Aquí se puede leer el diálogo con el escritor Carlos Ríos.

Cultura e intuición

2009-08-19T21:02:00.000-07:00

Hace unos meses, el CELJ me pidió un ensayo para una compilación que realizarían bajo la premisa de que el editor es una figura influyente en el área de la cultura aunque injustamente reconocido. Cada uno tendría que hablar de sus experiencias diarias con respecto a sus propias revistas. Me invitaron a escribir un trabajo sobre lo que ellos llamaron Editing Across Languages. Después de pensarlo un poco, me decidí a enfatizar la misión de Literal y en traer a la luz a tierras norteamericanas lo que ha permanecido cubierto por falta de medios, de editoriales y de mercado. El ensayo supuestamente fue aprobado para su publicación en un libro que saldrá a finales de este año y que busca dar al editor, el lugar que se merece dentro de una cultura que sólo reconoce a curadores, músicos, artistas,directores de cine, pero nunca a los editores. Como Michael Cornett propone:

“The professional life of the humanities journal editor, as it stands, is a curious blend of influence and invisibility.”

Recientemente me contactaron de nuevo, la razón era que había una frase que no les gustaba del todo y que hacía mi ensayo breeze, según me explicaron. Ese correo fue una sorpresa porque ya había dado por terminado ese proyecto y porque me causó un gran desconcierto. Es necesario que aclare que cuando uso la palabra desconcierto, viviendo como lo he hecho por más de 10 años en un país angloparlante, significa en realidad que cimbra mis estructuras mentales más profundas. Es decir, por segundos me hace sentir en el twilight zone y me cuesta trabajo regresar al lugar mental en el que me encontraba antes de que el desconcierto comenzara. La frase que yo había escrito y ahora puesta en duda era la siguiente

"These are questions that cannot be answered purely by reason; they require an almost corporeal, yet intuitive perception of culture."

Esa noche tuve un sueño en donde un viejito no me creía cuando yo hablaba. Mi rabia era descomunal. Me di cuenta de que mi verdadera molestia no residía en la incredulidad de la gente, sino que una parte de mí no daba acuse de recibo a lo que internamente estaba diciendo….en términos menos oníricos, yo misma no atendía mi propia percepción de la cultura que recibía a través de la intuición porque la cultura Norteamericana así lo requería. Había sido infectada por el raciocinio extremo.

Me parece, debo convencerme, que la lectura de una realidad va entrepernada con la lectura intuitiva, casi corporal de lo que uno percibe. A veces la gente me pregunta por qué incluí a tal o cual escritor en tal o cuál número. Porque sé que su decir es importante, pero es una decisión que muchas veces tomo a nivel intuitivo y no racional. Irremediablemente cuando algo surge de ese modo, el lenguaje se limita y no puedo expresar de forma fluida como si tuviera una respuesta fáctica de 2+2 son 4. A veces las cosas no son así. A veces uno, como dice el ex editor del Time Magazine en su libro The Age of the Unthinkable, los cambios se sienten no se ven. (de allí que renunciara a su cargo y se fuera a vivir a China) Por eso cuando recibí ese correo tardé algunos días en contestarlo. La razón no era necedad o negligencia, era la más profunda de las convicciones lo que me tenía en silencio. Por eso cuando el comité de lectura del libro me pidió cambiar esa frase, no lo hice. La dejé, aunque no sin abundar en el tema para que se entendiera lo que estaba diciendo. Hace poco contesté ese correo. Si se publicará o no el ensayo, es lo que menos importa por ahora: me quedo tranquila porque por primera vez en la vida puedo decir abiertamente que la cultura y la intuición son perfectamente compatibles.

President Obama today named 16 recipients of the 2009 Presidential Medal of Freedom.

2009-07-30T16:20:00.000-07:00

President Obama today named 16 recipients of the 2009 Presidential Medal of Freedom. America’s highest civilian honor, the Medal of Freedom is awarded to individuals who make an especially meritorious contribution to the security or national interests of the United States, world peace, cultural or other significant public or private endeavors. We´re proud to say that we´ve published some of these reknowned intellectuals in Literal, Latin American Voices

Muhammad Yunus

Dr. Muhammad Yunus is a global leader in anti-poverty efforts, and has pioneered the use of “micro-loans” to provide credit to poor individuals without collateral. Dr. Yunus, an economist by training, founded the Grameen Bank in 1983 in his native Bangladesh to provide small, low-interest loans to the poor to help better their livelihood and communities. Despite its low interest rates and lending to poor individuals, Grameen Bank is sustainable and 98% percent of its loans are repaid – higher than other banking systems. It has spread its successful model throughout the world. Dr. Yunus received the Nobel Peace Prize in 2006 for his work.

Nancy Goodman Brinker

Nancy Goodman Brinker is the founder of Susan G. Komen for the Cure, the world’s leading breast cancer grass roots organization. Brinker established the organization in memory of her sister, who passed away from breast cancer in 1980. Through innovative events like Race for the Cure, the organization has given and invested over $1.3 billion for research, health services and education services since its founding in 1982 and developed a worldwide grassroots network of breast cancer survivors and activists who are working together to save lives, empower people, ensure quality care for all and energize science to find cures. Brinker has received several awards for her work, and has also served in government as U.S. Ambassador to Hungary (2001 – 2003), Chief of Protocol of the U.S. (2007 – 2009), and Chair of the President’s Cancer Panel (1990). In May, Nancy Goodman Brinker was named the first-ever World Health Organization's Goodwill Ambassador for Cancer Control.

Pedro José Greer, Jr.

Dr. Pedro Jose Greer is a physician and the Assistant Dean of Academic Affairs at the Florida International University School of Medicine, where he also serves as Chair of the Department of Humanities, Health and Society. Dr. Greer is the founder of Camillus Health Concern, an agency that provides medical care to over 10,000 homeless patients a year in the city of Miami. He is also the founder and medical director of the St. John Bosco Clinic which provides basic primary medical care to disadvantaged children and adults in the Little Havana community. He has been recognized by Presidents Clinton, Bush, Sr., and Carter for his work with Miami's poor . He is also the recipient of three Papal Medals as well as the prestigious MacArthur "genius grant". He currently has a joint private practice with his father, Pedro Greer, Sr.

Stephen Hawking

Stephen Hawking is an internationally-recognized theoretical physicist, having overcome a severe physical disability due to motor neuron disease. He is the Lucasian Professor of Mathematics at Cambridge University, a post previously held by Isaac Newton in 1669. In addition to his pioneering academic research in mathematics and physics, Hawking has penned three popular science books, including the bestselling A Brief History of Time. Hawking, a British citizen, believes that non-academics should be able to access his work just as physicists are, and has also published a children’s science book with his daughter. His persistence and dedication has unlocked new pathways of discovery and inspired everyday citizens.

Jack Kemp

Jack Kemp, who passed away in May 2009, served as a U.S. Congressman (1971 – 1989), Secretary of Housing and Urban Development (1989 – 1993), and Republican Nominee for Vice President (1996). Prior to entering public service, Kemp was a professional football player (1957 – 1969) and led the Buffalo Bills to American Football League championships in 1964 and 1965. In Congress and as a Cabinet Secretary, Kemp was a self-described “bleeding heart conservative” who worked to encourage development in underserved urban communities. In the years leading up to his death, Kemp continued seeking new solutions, raising public attention about the challenge of poverty, and working across party lines to improve the lives of Americans and others around the world.

Sen. Edward Kennedy

Senator Edward M. Kennedy has served in the United States Senate for forty-six years, and has been one of the greatest lawmakers – and leaders – of our time. From reforming our public schools to strengthening civil rights laws and supporting working Americans, Senator Kennedy has dedicated his career to fighting for equal opportunity, fairness and justice for all Americans. He has worked tirelessly to ensure that every American has access to quality and affordable health care, and has succeeded in doing so for countless children, seniors, and Americans with disabilities. He has called health care reform the “cause of his life,” and has championed nearly every health care bill enacted by Congress over the course of the last five decades. Known as the “Lion of the Senate,” Senator Kennedy is widely respected on both sides of the aisle for his commitment to progress and his ability to legislate.

Billie Jean King

Billie Jean King was an acclaimed professional tennis player in the 1960s and 1970s, and has helped champion gender equality issues not only in sports, but in all areas of public life. King beat Bobby Riggs in the “Battle of the Sexes” tennis match, then the most viewed tennis match in history. King became one of the first openly lesbian major sports figures in America when she came out in 1981. Following her professional tennis career, King became the first woman commissioner in professional sports when she co-founded and led the World Team Tennis (WTT) League. The U.S. Tennis Association named the National Tennis Center, where the US Open is played, the Billie Jean King National Tennis Center in 2006.

Rev. Joseph Lowery

Reverend Lowery has been a leader in the U.S. civil rights movement since the early 1950s. Rev. Lowery helped organize the Montgomery bus boycott after Rosa Parks was denied a seat, and later co-founded the Southern Christian Leadership Conference, a leading civil rights organization, with Dr. Martin Luther King, Jr. Rev. Lowery led the march from Selma to Montgomery in 1965. Rev. Lowery is a minister in the United Methodist Church, and has continued to highlight important civil rights issues in the U.S. and worldwide, including apartheid in South Africa, since the 1960s.

Joe Medicine Crow – High Bird

Dr. Joseph Medicine Crow, the last living Plains Indian war chief, is the author of seminal works in Native American history and culture. He is the last person alive to have received direct oral testimony from a participant in the Battle of the Little Bighorn: his grandfather was a scout for General George Armstrong Custer. A veteran of World War II, Medicine Crow accomplished during the war all of the four tasks required to become a “war chief,” including stealing fifty Nazi SS horses from a German camp. Medicine Crow was the first member of his tribe to attend college, receiving his master’s degree in anthropology in 1939, and continues to lecture at universities and notable institutions like the United Nations. His contributions to the preservation of the culture and history of the First Americans are matched only by his importance as a role model to young Native Americans across the country.

Harvey Milk

Harvey Milk became the first openly gay elected official from a major city in the United States when he was elected to the San Francisco Board of Supervisors in 1977. Milk encouraged lesbian, gay, bisexual, and transgender (LGBT) citizens to live their lives openly and believed coming out was the only way they could change society and achieve social equality. Milk, alongside San Francisco Mayor George Moscone, was shot and killed in 1978 by Dan White, a former city supervisor. Milk is revered nationally and globally as a pioneer of the LGBT civil rights movement for his exceptional leadership and dedication to equal rights.

Sandra Day O’Connor

Justice O’Connor was the first woman ever to sit on the United States Supreme Court. Nominated by President Reagan in 1981, she served until her retirement in 2006. Prior to joining the Supreme Court, O’Connor served as a state trial and appellate judge in Arizona. She was also as a member of the Arizona state senate, where she became the first woman in the United States ever to lead a state senate as Senate Majority Leader. At a time when women rarely entered the legal profession, O’Connor graduated Stanford Law School third in her class, where she served on the Stanford Law Review and was elected to the Order of the Coif. Since retiring from the Supreme Court in 2006, O’Connor has served as Chancellor of the College of William and Mary, on the Board of Trustees of the National Constitution Center, and participated in the Iraq Study Group in 2006, as well as giving numerous lectures on public service. She has received numerous awards for her outstanding achievements and public service.

Sidney Poitier

Sidney Poitier is a groundbreaking actor, becoming the top black movie star in the 1950s and 1960s. Poitier is the first African American to be nominated and win a Best Actor Academy Award, receive an award at a top international film festival (Venice Film Festival), and be the top grossing movie star in the United States. Poitier insisted that the film crew on The Lost Man be at least 50 percent African American, and starred in the first mainstream movies portraying “acceptable” interracial marriages and interracial kissing. Poitier began his acting career without any training or experience by auditioning at the American Negro Theatre.

Chita Rivera

Chita Rivera is an accomplished and versatile actress, singer, and dancer, who has won Two Tony Awards and received seven more nominations while breaking barriers and inspiring a generation of women to follow in her footsteps. In 2002, she became the first Hispanic recipient of the coveted Kennedy Center Honor. Propelled to stardom by her electric performance as Anita in the original Broadway premiere of West Side Story, Rivera went on to star in additional landmark musicals such as Chicago, Bye Bye Birdie, and Jerry’s Girls. She recently starred in The Dancer’s Life, an autobiographical musical about her celebrated life in the theatre.

Mary Robinson

Mary Robinson was the first female President of Ireland (1990 – 1997) and a former United Nations High Commissioner for Human Rights (1997 – 2002), a post that required her to end her presidency four months early. Robinson served as a prominent member of the Irish Senate prior to her election as President. She continues to bring attention to international issues as Honorary President of Oxfam International, and Chairs the Board of Global Alliance for Vaccines and Immunizations (GAVI Alliance). Since 2002 she has been President of Realizing Rights: The Ethical Globalization Initiative, based in New York, which is an organization she founded to make human rights the compass which charts a course for globalization that is fair, just and benefits all.

Janet Davison Rowley

Janet Davison Rowley, M.D., is the Blum Riese Distinguished Service Professor of Medicine, Molecular Genetics & Cell Biology and Human Genetics at The University of Chicago. She is an American human geneticist and the first scientist to identify a chromosomal translocation as the cause of leukemia and other cancers. Rowley is internationally renowned for her studies of chromosome abnormalities in human leukemia and lymphoma, which have led to dramatically improved survival rates for previously incurable cancers and the development of targeted therapies. In 1999 President Clinton awarded her the National Medal of Science--the nation's highest scientific honor.

Desmond Tutu

Desmond Tutu is an Anglican Archbishop emeritus who was a leading anti-apartheid activist in South Africa. Widely regarded as “South Africa's moral conscience,” he served as the General Secretary of the South African Council of Churches (SACC) from 1978 – 1985, where he led a formidable crusade in support of justice and racial reconciliation in South Africa. He received a Nobel Peace Prize for his work through SACC in 1984. Tutu was elected Archbishop of Cape Town in 1986, and the Chair of the South Africa Truth and Reconciliation Commission in 1995. He retired as Archbishop in 1996 and is currently Chair of the Elders.

Lo impensable y Joshua Cooper Ramo

2009-07-28T07:36:00.000-07:00

Joshua Cooper Ramo, antes editor de Times Magazine y ahora uno de los directivos del Kissinger Association, publicó The Age of The Unthinkable. El autor reflexiona sobre el nuevo orden mundial a partir de la crisis económica del 2008 y sobre la necesidad de "ir leyendo" la realidad para adaptarse de forma más efectiva a las circunstancias. Los parámetros antiguos ya no funcionan en una época de inestabilidad y ofrece una metáfora espléndida a lo largo del libro que sirve como el ejemplo perfecto para mostrar una época de fluctuación tangible. Lo único predecible es lo impredecible, nos dice el autor, y la estabilidad es sólo una pausa entre movimientos. Para ver una entrevista que concedió al WSJ entrar aquí

The Latest Solar Eclipse

2009-07-26T20:15:00.001-07:00

A total solar eclipse is seen from an aircraft over Patna, India, Wednesday, July 22, 2009. The longest solar eclipse of the 21st century pitched a swath of Asia into near-darkness after dawn, as millions watched the once-in-a-lifetime phenomenon Wednesday. (AP Photo/Shreya Sahai)

Carlos Cruz-Diez at the University of Houston

2009-07-19T15:14:00.000-07:00

The University of Houston is honored to have world-renowned artist Carlos Cruz-Diez in its own collection. Born in Caracas, Venezuela in 1923, he studied and worked in the advertising world for years before he took a life changing trip to Paris and Barcelona in 1955 and discovered the work of geometric abstract painters and the Bauhaus. Coupled with his intense interest and understanding of color and color theory and the influence of Kinetic and Op Art, Cruz-Diez began his artistic career. He has become one of the most important artists of his generation not to mention one of the most revered Latin American artists living today. He has received numerous honors, exhibited internationally and in such collections as Tate Gallery, MOMA, the Centre Pompidou and the Museum of Fine Arts Houston to name just a few. He is a generous man as well. In 1997 he opened the Carlos Cruz-Diez Print & Design Museum in Caracas which is an education resource and helps support Venezuelan artists.

Cruz-Diez has had numerous public commissions around the world but this is his first public sculpture commission in the U.S. and the University of Houston and the city of Houston is fortunate and privileged. This project was a collaborative effort. Carlos Cruz-Diez lives in Paris. His son Jorge acted on his behalf and traveled frequently to Houston to meet with the fabricator and painters. For the sake of logistics and cost, the sculpture was fabricated here in Houston. Sicardi Gallery who represents the artist was indispensable in this process. Double Physichromie (for the University of Houston) is a large serpentine sculpture measuring 5 feet tall and 65 feet long and comprised of over 2000 aluminum and steel parts and fabricated locally by Blumenthal Sheet Metal and painted by J.E. Titus Company from detailed drawings made by the artist. The piece was completed and installed earlier this year.

The piece is meant to be seen in motion and from multiple angles although standing still in front of it on either side one can appreciate the complexity of the color combinations and forms. Repeating vertical stripes of color and alternating blade shapes create dizzying optical effects. Double Physichromie is a remarkable piece of art. Located at Entrance 1 off Calhoun, the sculpture was commissioned from 1% of the budget of the new Welcome Center/Parking Garage.

You can learn more about the artist by reading the conversation I had with the artist for Literal.

Foreign Policy

2009-07-05T15:16:00.001-07:00

Cómo publicar un libro: Teresa Dovalpage dedicará su blog a este tema

2009-06-29T22:09:00.000-07:00

Teresa Dovalpage, novelista e investigadora cubana (La Habana, 1966) y ganadora de varios premios por su labor literaria, acaba de abrir un blog dedicado al tema de cómo publicar un libro. Su intención es la de aconsejar y " hacer más llevadero el camino hacia la publicación". En su espacio se podrán encontrar desde entrevistas con los más renombrados editores hasta respuestas a las eternas preguntas de cómo abordar este proceso. Enhorabuena Teresa, nunca está de más esta información.

THE MUSEUM OF MODERN ART LAUNCHES REDESIGNED WEBSITE

2009-06-26T18:20:00.000-07:00

Reinforcing its commitment to engaging the public and providing global access to the Museum and its collections, The Museum of Modern Art launches a completely
redesigned website. The new site integrates dynamic features that offer visitors a more personal online experience, enhanced navigation, and access to MoMA’s collection, exhibitions, and resources through a highly visual and fluid new interface that brings the voices and perspectives of MoMA’s audience to the forefront. Take a look at it!

Tomasello se impone

2009-06-23T19:02:00.000-07:00

La semana pasada prometía ser una de esas semanas rutinarias sentada frente a la computadora y tratando de ir sacando adelante todos los menesteres de Literal. Sé que si no adelanto varios asuntos diariamente, la carga de trabajo se puede volver abrumadora. A las 7:30 de la noche del jueves tenía una invitación para cenar en casa de Allison y David Ayers; estaban festejando la visita de Luis Tomasello a Houston y la próxima inauguración de su exhibición en Sicardi Gallery. No sé por qué me llevé mi cámara. Antes, solía ser mi segunda piel hasta que entré en un periodo de extrema timidez y dejé de llevarla conmigo a todos lados. Llegué a la casa saludé a María Inés, la volví a felicitar por el reconocimiento que le dio el MFAH y después de un ratito de estar con ella, sabía que debía circular a pesar de mi intento afanoso de no querer saludar a nadie. En medio de la sala, sentado en un sillón, estaba Tomasello. Quise saludarlo de primer impulso, pero otra vez, la timidez me dejó un poco paralizada. Al otro extremo de la sala estaba Francesca, una periodista Colombiana y crítica de arte. Recién la había conocido cuando llegó a Houston a trabajar con Sicardi por tres meses. Ella sería la persona indicada para entrevistar a Tomasello para el número de Literal de otoño del 2009, (me dijo María Inés cuando le comenté que quería una entrevista con el artista argentino). Francesca se dio cuenta de mis intenciones así que corrió a sentarse a lado del artista y tuvo el buen tino de presentármelo. Dados sus 93 años, casi no oía así que debíamos hablar fuerte. Tomé unas fotos, pretextando recordar el momento y pedí al final una foto con él. Él me sonrió, me hizo un lugar a su lado, me tomó de la mano y volteó para la cámara. Después de la foto volteo y me miró con asombro, como si lo estuviera haciendo por primera vez. Sentí algo importante. Este era un hombre de 93 años, no podía más que ver a la gente como parte de su paisaje. ¿cuántos hombres y mujeres no habrían dado lo que fuera por tener la oportunidad de intercambiar dos palabras con un artista de esta talla? Me parece que lo que sentí es que aunque sea por un instante, me volví visible a sus ojos. Esas miradas suyas que habían dejado huella en tantas obras y durante tantos años.
Me paré y acabé de saludar al resto de los invitados. Vi la colección de arte de Allison y después la cena fue servida. La mesa lucía como una de esas mesas que se cuentan en las mil y una noches. O al menos eso fue lo que yo estaba percibiendo después de haber tenido la oportunidad de conocer a Tomasello. Al cabo de un rato regresé a la sala y me senté con todos a platicar. Él permanecía callado pero sonriente. María Inés se levantó y me dejó el asiento al lado de él. Y entonces se hizo la magia porque estuvimos conversando sobre mil temas, política, el presidente de Francia y su pésima labor, la situación entre Israel y Palestina, el desempleo en Argentina, su cercanísima amistad con Julio Cortazar y al final me dijo que tenía un aire muy lindo "¿sabes? como del medio oriente". Mis abuelos eran libaneses, le dije y continuamos hablando del cosmopolitismo libanés y el dinero que existe en Dubai. Al final de la reunión, se empezó a hacer el silencio y él ya muy animado nos contó cuando fue a Holanda a ver una exhibición que se llamaba De Mondrian a nuestros días. Para su sorpresa, se encontró una obra de su autoría colgada justo al lado de la de Mondrian. Se quedó callado, quizá recordando una de esas escenas que lo conmueven a uno profundamente. "¡Mi trabajo estaba al lado del de Mondrian!" Luego alzó de nuevo la mirada hacia la pared de donde colgaba parte de la colección de artistas latinoamericanos de Allison. Mira, le dijo a un arquitecto que estaba sentado cerca de él, ese cuadro es un Antonio Asis y este otro un Carlos Cruz Diez, y después con una sonrisa tan amplia y maliciosa como el cuadro que estaba mirando en ese momento dijo en un tono muy argentino: “pero el Tomasello se impone ¿no?”

A Book Reading in Houston: The Last Prince of the Mexican Empire by C.M. Mayo

2009-06-15T17:55:00.000-07:00

On June 9th, we had the pleasure to have C.M. Mayo in Houston for the presentation of her new book, The Last Prince of the Mexican Empire. This novel is based on a true story which takes you into the French Intervention and Mexico's Second Empire. Previous to the presentation, Catherine provided us with a magnificent context on how political forces and social events can provoke your imagination and the need to search for more than 7 indefatigable years to come out with this magnificent story. Dr. Rogelio Garcia Contreras and Dr. John Hart briefly discussed the historical context encountered by Maximilian and Carlota when they arrived to Mexico. In addition, they also talked about the importance of C. M. Mayo's book. Since most of you will be reading the novel or will have the opportunity to hear Catherine in any of her presentations during her book tour, I'll publish a synopsis of some of the highlights that were discussed in the event.

Professor Rogelio García Contreras

Milan Kundera, the Czechslovakian author, once said that novels were the reliable sources of the official history. History is not an account of the past, rather, it is an attempt to explain the present, and even more so when it’s told through a novel. In so many ways— when we write about this tumultuous time in the history of Mexico— Ms. Mayo’s novel is a unique way to present not only the lifestyle from those days and the ideology that shaped the nation, but also how they perceived themselves and how they were perceived by the rest of the world. In that sense I consider this book to be extraordinary. It is not official history, it’s much better than that.

The Last Prince of the Mexican Empire is an account of the daily evolution that people suffered. Ms. Mayo chose Iturbide´s grandson as the main character because in Mexico, since the times of the independence all the way to 1823, Iturbide was never out of the picture, out of his ideals. What the elite thought in the XIX Century is very much alike to what is thought today. No matter how many times Mexico is defeated, this elite will always have the power to make decisions that will affect the country. The XIX Century was an effort to bring back the glorious times of colonial times. The conservatives, for a lack of a better word, are represented in Iturbide´s ideals. It is very interesting to me to see how the outer reflects the inner struggle of the Mexican society, always trying to reestablish the monarchical government in Mexico . The other very important thing about the novel is the relationship between the characters and the presence of the American citizens in Mexico, especially after the war in 1848. Americans were not necessarily welcomed within the Mexican society. However, whether we like it or not, helped to define who we are today and determined our future away from Europe. The Americans did influence Mexico, not only through this manifest destiny and its imperial view of the Americas as conceived by Washington, but also influenced the way in which we conceive ourselves and our potential as a nation. This was necessarily the inheriting of the republican model of America that opposed these monarchical structures of Europe. I think this conflict that raged between the Juaristas and the French— between 1862 and1867—is a struggle between the liberal view of the republican structure in Mexico, which in many ways was shaped by Americans (and the U.S. government) and the conservative monarchical, pro European view, which still, to this day is present within a vast sector of the Mexican society which curious enough, do not want to be Mexican. These people always define themselves through a European grandfather (better if Spaniard or French). The Las Prince of The Mexican Empire works as the perfect metaphor and reflects in so many ways on that situation in Mexico.

Professor John Hart

Between 1848 and 1867 it was a deeply tumultuous time of Mexican history, and the French intervention merely underscored the problem. The deepest concern was the land that was lost to the Americans between 1846 to 1848. A generation of Mexican intellectuals then began to reexamine the country, the liberals thought that Mexico needed a new leadership ideology— a fact that is perfectly showed when Juarez rejected the selling of the Baja California to the City Bank. The US banking community saw in the liberals a great opportunity for their future plans, as a result, the liberals enjoyed the support of what we might openly call the imperialist New York Financiers who considered Mexico a stepping stone to hegemony over the Americans and the pacific. They called themselves “The Trio” and included Junius Morgan, the Chairman of the Morgan Bank, George Baker, the CEO of the First National Bank, and Moses Taylor the Chair of Citibank. “The Trio” controlled an intricate network of financial ties with London which made Maximilian´s empire very unstable. In addition, Porfirio Diaz was running a guerilla war in the south of Mexico supported by the selling of armament that came from the US; they sent shiploads of arms to Diaz as early as 1865. At the same time, Stern, as directed by “The Trio”, began shipping arms to Matamoros and El Paso. Wallace, the later author of Ben Hur, arranged for Mariano Escobedo to deliver more than 15 thousand modern arms. So American arms provided a huge support for the liberals and gave them the ability to face the French with equal arms. Wallace followed up those successes by meeting with Juarez in Chihuahua where he offered to fund a national railroad and telegraph on behalf of “The Trio”. That offer was turned down by president Juarez, who was always concerned with Mexico’s integrity and independence (he used those words) . Those concerns where not shared by General Diaz. However, this gives an idea of what Maximilian was facing as they tried to set up and maintain the empire and gives us a perfect set up where Catherine´s Mayo novel unfolds.

Coming soon you’ll find a brief review of The Last Prince of The Mexican Empire by John Hart at Literal´s website .

"Donde veneran las serpientes" de Eduardo Chirinos

2009-06-04T16:22:00.000-07:00

Hace varios años, tuve la oportunidad de conocer a Eduardo Chirinos en los primeros viajes que realicé a la Feria del libro de Guadalajara. El encuentro, en realidad brevísimo, sucedió a raíz de que publicamos en Literal de primavera del 2006, unos poemas de su autoría traducidos al inglés por G.J.Racz: Heligate Chapel, North by Northwest, The Barracks on the Bitterroot River.

No volví a tener noticias de Chirinos hasta finales del 2008 cuando me mandó un correo para decirme que había traducido los poemas de Praageta Sharma. “Todo lo que Chirinos escribe es garantía” acordaron en el comité, así que le contesté de inmediato pidiéndole el material.

Pasaron varios meses antes de volver a tener noticias suyas. ”Fue un encuentro poético” con Literal, me explicaría más tarde cuando visitando la ciudad de México, subió al auto de una amiga y se encontró con sus traducciones ya publicadas en el volumen de primavera. Platicando un poco más, me comentó que estaría en México hasta finales de abril de este 2009 y decidimos provocar un encuentro. Yo invité a Tanya Huntington y a C.M.Mayo pero al final sólo Catherine pudo acompañarnos.

Comimos en el Bistro San Ángel, un lugar precioso con un jardín interior muy al estilo de las construcciones coloniales. Tocamos mil temas, hablamos del azar objetivo (o de las sincronías si se le quiere ver desde el punto de vista junguiano) de cómo Eduardo y Jannine habían hecho coincidir su sabático para poder viajar juntos e iniciar una investigación sobre el cine y sobre Buñuel, del cuento que yo recién había publicado, del libro que Eduardo acababa de sacar con Aldus--y pronto presentaría en la Casa del Poeta-- y de un poema que Eduardo había concebido en su estancia en México.

Resulta que en una de sus visitas al cine, Eduardo vio unas serpientes en la zona de Mixcoac y fue en ese marco donde surgió el poema “Donde veneran las serpientes”. En el momento en que lo platicaba, nos comentó a todas la falta de un verbo específico porque estaba buscando la manera de hacer una analogía entre el correr de los autos y los sonidos que hacen estos reptiles, pero lo único que pudo encontrar en ese momento fue el verbo en inglés. Yo un poco insegura (desde que vivo en Houston dudo hasta de mi propio idioma ) dije que el verbo buscado era sisear. Su gesto cambió de inmediato y agradeció la intervención. De allí siguió hablando y cuando menos lo esperamos ya estábamos hablando de Twitter y las redes sociales del internet, libros, poemarios y otros temas fascinantes.

A mi regreso a Houston Eduardo me envió aquél el poema que oí nacer en México el día de nuestro encuentro. Debo añadir que siempre me he sentido fascinada por el proceso creativo de cada escritor y de allí mi entusiasmo por el poema; de algún modo había sido testigo de ese proceso. Le contesté de inmediato agradeciéndole su confianza de compartir ese material conmigo y le comenté que me parecía bellísimo porque capturaba al México prehispánico. Su descripción era fruto de su estancia en este país, de haber vivido nuestra cultura por casi dos meses (desde sus creencias antiguas) y ahora se volcaba hacia una actualidad que incluso desconocía ese pasado. Además, siempre me ha parecido interesante cuando alguien de fuera, en este caso Eduardo, es capaz de devolver todas sus intuiciones y observaciones en una obra así de bella y condensada. Le dije que si algún día se hacía una antología de poesía sobre México, esta pieza debería estar incluida.

El poema estuvo dando vueltas en mi cabeza, no dejaba de fascinarme la percepción más honesta de un extranjero en nuestra casa. Seguí con mis activdades diarias y cuando tuve que proponer material para el número de verano de Literal, de inmediato lo sugerí. Pedí permiso a Eduardo y le mandé el poema por si tenía alguna sugerencia. Me contestó al día siguiente con sus correcciones. Cuando lo abrí para revisarlo me encontré con la gratísima sorpresa de que me lo había dedicado. Me empaché de emoción y me quedé sin palabras por un buen rato. No pude responder sino hasta tarde y lo hice de manera breve: no podía describir lo que estaba sintiendo al ver la dedicación. “Donde veneran las serpientes” ha sido publicado en el número de verano que por cierto, se dedicó a al tema de las redes sociales en el internet.

Elizabeth Gilbert on The Creative Mystery

2009-05-31T10:59:00.000-07:00

I haven’t read Elizabeth Gilbert’s great success book, Eat, Pray, Love. I don´t even know if her writings are what we call "good literature." However, I’ve heard a lecture where she talks about the mystery of creativity, (a subject that I love) and explains why she feels more inclined to the idea of having a genius rather than being a genius--an idea that started with the Greeks but shifted in the Renascence Period. A video worth watching, especially for all of those who live tormented by the need to create. Click here to watch the video

The 50th Anniversary of Guggenheim Museum with Frank Lloyd Wright

2009-05-21T20:09:00.000-07:00

This last May 15, 2009, the Guggenheim Museum inaugurated a year-long celebration of art, architecture, and innovation to mark the 50th anniversary of its landmark building designed by Frank Lloyd Wright.

During his seventy-two-year career, Frank Lloyd Wright (1867–1959), who died just six months before the opening of the Guggenheim, worked independently from any single style and developed a new sense of architecture in which form and function were inseparable. Known for his inventiveness and the diversity of his work, Wright is celebrated for the awe-inspiring beauty and tranquility of his designs.

With the opening of the exhibition Frank Lloyd Wright: From Within Outward (May 15-August 23), the Guggenheim kicked-off its anniversary celebration with a wide array of new initiatives reflect the Guggenheim’s far-reaching mission.

Creative Nonfiction Workshop With Liliana Valenzuela

2009-05-19T13:57:00.000-07:00

My friend Liliana Valenzuela,who is also an excellent writer and teacher, will be leading a workshop in exploring not just the work that you produce, but the very language that you use--often unconsciously--on the page. This is one of the core workshop offerings at the 2009 Port Townsend Writers' Conference, and one of the only ones that will focus on revising existing work, as well as generating new work.

"This workshop in creative nonfiction will explore, at the sentence level, how you use language on the page," Liliana says. She will also focus on enhancing your writing voice and repertoire with colloquialisms, regionalisms, eavesdropping, and sayings in order to deepen descriptions and characterization--both that of the narrator and the other characters. In private conferences, she will review and comment on work submitted by students prior to the workshop in the genre of your choice (2-3 poems, or a 1,500-word-max essay or excerpt). While discussing your work, she will especially focus her comments on the way you use register, formal speech, colloquialisms, regional dialects, slang, and, if it applies to your work, multiple languages.

Should you decide to register in this workshop, do not hesitate to contact her at:
malinche@sbcglobal.net

Temporal de Rodolfo Mata

2009-05-17T11:50:00.000-07:00

Hace ya varios meses, Rodolfo Mata me hizo el favor de obsequiarme su poemario que en aquél entonces recién había salido del horno. Debido a las mil vicisitudes que van surgiendo a diario cuando se dirige una revista, fui posponiendo su lectura. Ahora lo he leído y me he llevado una gratísima sorpresa. ¿Es el manejo del lenguaje, las imágenes, su inspiración lírica lo que me cautivó? Definitivamente, pero hay algo más: el poder de transformar la cotidianeidad en arte, ese sustantivo que tiene la capacidad de conmocionar al espíritu.

En el número de primavera de Literal de este año, Malva Flores reseñó este libro. No pretendo volver a reseñar Temporal en este espacio. Después de todo, el género del blog no debería ser muy extenso. Además el artículo de Malva lo dice todo y aún mejor que como aquí me expreso. Pero no podía pasar desapercibida la habilidad del poeta de transformar la trivialidad de la materia así como de la rutina diaria en un tatuaje que permanece impregnado en la memoria del lector. Desde sus palabras la mayor de las nimiedades sufre una transformación alquímica para volverse poesía; como sucede con el tizne, el cual nunca podrá volver a ser esa materia oscura y molesta después del poema "Volátil":

Tizne
brizna de una combustión sigilosa

presencia imperativa
entre un segundo
y otro

abismo lento

minúsculo

a la deriva

The Best Art Blog Ever

2009-05-10T21:44:00.000-07:00

The most striking visual blog I´ve ever visited is curated by Folkert & Atley. Click here to look at it

Nazi Literature in the Americas by Roberto Bolaño

2009-05-03T20:52:00.000-07:00

I just received Nazi Literature in the Americas by Roberto Bolaño. It has been translated to English by Chris Andrews and published by New Directions. Another excellent choice by this outstanding publisher house. Nazi Literature in the Americas was the first book by the Chilean author to receive the accolades in the US that had been his for a decade in the Spanish Speaking world. It is a collection of biographical sketches of thirty authors in our hemisphere who flirted with or espoused extreme right wing ideologies in the latest centuries. In spite of the fact that all these stories are situated in the epistolary world, the writers are imaginary. As expected, the book develops into a “satire about monstrous politics and failed ambition.”

New Directions is doing an excellent job by translating all these magnificent authors into English. We just can´t ignore them because they wrote their work in Spanish in the first place. Kudos to New Directions!

Happy and Grateful

2009-04-20T22:01:00.001-07:00

I got this happy after receiving all these magnificent responses by the editors of Two Lines, Tameme, Onedit, Absinthe, CipherJournal, Words Without Borders, Calque and No Man´s Land. My gratitude to all of them!!

Interview with Annie Janusch of Two Lines

2009-03-29T21:51:00.000-07:00

Annie Janusch
Two Lines

1.- I always wonder why we keep working with a journal/magazine that encourages so much the works in translation. And I wonder this because the US is one of the countries where circumstances have been instrumental in producing readers who are disinclined to see and read what’s been produce in other countries. As an editor of a bilingual journal, what is your perception on this subject?

I think there’s truth to what you’re saying, but I also like to give readers the benefit of the doubt. The readership is there, I reckon—and not just in the guise of those who consciously choose to read translated books already because they know that they like world literature. Publishers ought to take the risk of not only publishing more books in translation but also recalibrating how these translated books are reaching readers. Now, the phenomenon of Bolaño is, of course, an extraordinary example (and not just in the U.S.), but I also hope that it might alter our assumptions about what Americans are inclined or disinclined to read.

2.-What would seem to be the essential editorial challenge when working with translations?

Since translation editors aren’t in a position to, say, recommend revising a particular passage so that it moves the narrative along differently, the editorial focus is on honing and crafting the language, maintaining consistency in voice, style, or intangibles like “spirit.” When I read a draft of a translation of a story, I read it as closely as I would a poem, pausing over every word and weighing every choice. This can lead to endless questioning.

3.- Is an expression in one language completely transmittable into another language?

There’s rarely a direct equivalent, of course, but I look at what the expression is trying to accomplish within the sentence and then play with the language until it works in English in such a way that serves broadly the same function as in the original.

4.-Do you think the question and challenge should be more about how much of a culture we try to transmit and how much we intervene, when working with our journals?

In terms of working with a translation I’d say it’s a delicate matter of preserving the cultural context of the original while also striving to make it culturally accessible to a new reader. In terms of providing readers with some form of context, however, I would make the case that it’s important for journals and anthologies to do so. With a novel, for example, a reader has a few hundred pages to gather the cultural wool of the original; whereas with an anthology like Two Lines it’s not uncommon that thirty different translators working from twenty different languages—in fiction and in poetry, both—are collected in one band. What this means for readers is that they can move from a Ladino poem to a Vietnamese short story in a matter of pages. Whether a translator’s note, introduction, or footnote—these are all vital ways to equip readers with some context for navigating the diversity of writing that they find in a journal or anthology.

5.-Would you like talk about any differences you’ve come across in the editing/translating of creative texts vs. scholarly texts.

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Two Lines typically publishes poetry and fiction, not scholarly texts.

6.- As an editor/translator, do you think there is a relationship between editing and translating? I´ve found out that in Literal we move so much between the two in such a way that it seems we will end up assuming they are synonymous.

Well, when a translator first reads a book in another language and is struck by that urgency to bring it into English so that others can read it, too, it’s not unlike an editor who has just uncovered the potential in a manuscript’s early draft. Similarly, one of the challenges for translators and editors alike is to articulate what it is that captures them as readers and to safeguard those virtues in the face of edits and revisions. Which is a way of saying, both translating and editing involve conveying one’s personal experience of reading in such a way that honors the integrity of the text and the person who created it—while keeping in mind the person whom you’d like to read it next. Translation is critical reading, and it is the impulse to create. And in the process of creating, translation is rewriting and rewriting…

7.-Does thinking about editing and translation in tandem give us new insights into the mediation work both do in one way or another? Is there a transitive relation? Is an editor always a kind of translator (someone who tries to make sure that the author’s intent comes across clearly to an audience? Is a translator always an editor? To what extent do you consider an editor and/or translator a collaborator, or even co-creator, with the author of a text?

Translation is supremely creative in that one has to be a good writer to be a good translator. You have to possess a facility with words and sensitivity to language in order to translate a text so that it reads like good writing in English.

8.-Who is your indented audience?

Any reader who likes good writing. And I think that anyone who is a reader would claim an intuitive curiosity about the world around him or her. It’s just a matter of reaching them.

9.-How important is what you are doing? (Please, do not be modest, if we are working in a bilingual journal is because we all have an ideal and because we think, it really needs to be done),

Every one of us who works with translation is truly working to fill an important gap in publishing. I think that journals and anthologies in particular can offer readers—in a single volume—a stunning array of authors whose voices would not otherwise be heard in the United States.

Question #9 How important it´s what you are doing? (don´t be modest please)

2009-03-27T21:55:00.000-07:00

Tim Atkins
Onedit

I do this because it is what I enjoy. I see it as a conversation between with all sentient beings. I hope it is perceived / received as it is sent: with happiness & love. Is this important? Yes & No. It depends.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

Anyone who’s interested! More specifically, I’d like “no man’s land” to be a point of reference for other translators from the German, but beyond that of course I hope we reach people who are generally interested in good literature. Ideally, I’d love to reach people who are interested in literature but don’t read much in translation, and get them interested both in German literature, and in the interesting issues and questions surrounding the translation process.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

Absinthe is the only literary journal in the US focused exclusively on presenting work by European writers in translation. I think for those who recognize the need to understand other viewpoints and to develop a true “world” view then what we are doing at Absinthe is very important, along with the excellent work done by other journals and magazines publishing work from other countries.

Brandon Holmquest
Calque

I think its pretty important. It's not going to heal the sick or feed the hungry, but it might educate a few people, which isn't bad. Really my own goals are both strictly artistic and grandiose. I got so tired of hearing people tell me that literature was dying that I wanted to drop 350 pages of it in their lap three times a year and show them that it wasn't dying, it was simply losing its way in the United States. The idea I had, which was different from Steve's, was to try to pump some new ideas and models into the literary conversation in this country, specifically. And to a very limited extent I think we've done that. I've had people say things to me like, “Who knew they had such great poets in Someplace?” People I know have had a chance to read stuff they'd never have seen otherwise, and its had the effect of broadening their idea of the possible and the valid. That's pretty much what I was after.

Lucas Klein
CipherJournal

I think what I’m doing is very important. Or, put another way, I think that what I am doing is a very small part of the very important thing that we are doing. For all that I feel like the US—or any country—is isolated and isolationist (as expressed in my first answer above), I feel like an expanded audience for translation has the potential for real political and cultural change. When I read translation, I learn about the world in ways that I did not know before (and perhaps more so than reading something directly in a language I’ve studied, I also learn something about how the culture behind what I’m reading interacts with the culture behind me), and the more we spread this knowledge, the more we spread understanding around the world.

C.M. Mayo
Tameme

I do what I feel an intuitive urge to do--- and whatever that may be, I feel confident that it is IMPORTANT. I used to see things in a more mechanical way, but now I think reality (space-time) is so strange and complex that, really, I could sneeze and who knows what the consequences of that might be? It's like, um, cosmic. I am not kidding.

Samatha Schnee
Words Without Borders

It is vital, and more so now than ever, because as the world becomes more populous, there is greater likelihood of conflict. Misunderstandings easily arise when we live in ignorance, and literature is a great antidote to ignorance. To quote Susan Sontag, “Translation is the circulatory system of the world’s literatures.”

Question #8 Who is your indented audience?

2009-03-19T09:52:00.000-07:00

Tim Atkins
Onedit

Chaucer, Sir Thomas Wyatt, Dryden, Pope, Fitzgerald, Pound, Zukofsky, Rodefer, Bernadette Mayer, Kent Johnson. My daughter Koto. Horace, Petrarch, The Buddha. My contemporaries. My friends. Myself.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

Anyone who’s interested! More specifically, I’d like “no man’s land” to be a point of reference for other translators from the German, but beyond that of course I hope we reach people who are generally interested in good literature. Ideally, I’d love to reach people who are interested in literature but don’t read much in translation, and get them interested both in German literature, and in the interesting issues and questions surrounding the translation process.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

I am my primary intended audience! However, I hope that anyone who appreciates good writing will be able to pick up a copy of Absinthe and find something there that they enjoy and inspires them to read more.

Brandon Holmquest
Calque

Anyone who cares to read our journal, though as I said before that has proven to be mostly other writers, poets, and translators, who are probably the market for most of the serious art writing in this country, if not the world.

Lucas Klein
CipherJournal

Readers of translation. I intend for my translations, and what I put up on CipherJournal—even when not works in translation—to reach people who understand how to read translations. And if they do not understand how to read translations, I aim to teach them.

C.M. Mayo
Tameme

I do have this general sort of idea that people who care about literature and translation will read it... my ego imagines people I know and writers and editors I respect... But really, the connection between the words on the page and reader is mysterious--- as an editor, as a translator and as a writer, I always feel like I'm throwing words into some kind of dark abyss. Here's something I wrote about this, in an essay on publishing the short story:

"Because when your story is published it is no longer one copy printed out from your printer, but 1,000 or more. Perhaps one is lying on someone's coffee table in Peterborough, New Hampshire, or on a poet's broad oak desk overlooking the beach at La Jolla, California. Maybe one sits on the shelves at the University of Chicago's Regenstein Library, or on a side table in the lobby at Yaddo. Perhaps a dentist will read your story, or a retired school teacher from Winnetka. Perhaps one day, a hundred years from now, a bizarrely tattooed highschool student will find it on a shelf in the basement of the Reno, Nevada public library, and she will sit down Indian-style on the cold linoleum floor and read it, her eyes wide with wonder. Your story, once published, lives its own life, sinking some deep, strange roots. Potentially forever."

Samatha Schnee
Words Without Borders

WWB’s ultimate aim is to introduce exciting international writing to the general public — travelers, teachers, students, publishers, and a new generation of eclectic readers — by presenting international literature not as a static, elite phenomenon, but a portal through which to explore the world. In the richness of cultural information we present, we hope to help foster a “globalization” of cultural engagement and exchange, one that allows many voices in many languages to prosper.

Question #7 To what extent do you consider an editor and/or translator a collaborator, or even co-creator, with the author of a text?

2009-03-15T16:08:00.000-07:00

Tim Atkins
Onedit

I think all acts in this world are translations. You just hope that they come out right.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

There is definitely something to this (see above). However, I see a translator as ideally being more creative and having more scope than an editor. I think editorial work is more rational (though it is also intuitive), whereas literary translation is messier and depends more heavily on intuition and inspiration. Different texts (and authors) offer different degrees of scope for a translator to be a co-creator or collaborator; I think the best translations are those where this is true to a great degree. The important thing is that the translation should have as much “life” – tension and energy – as the original, and the translator really has to recreate this in his or her own terms.
One key aspect here is the personal relationship between an editor or a translator and an author – communication, artistic egos, etc.! Some authors are happy to allow their translators a lot of freedom, some have very precise notions of how they want their work translated, some enjoy the give and take with the translator and are open to new takes on their work… Each working relationship is different.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

I don’t know about an editor always being a translator but a writer is always a translator. I think my responsibility as an editor is to let the author’s work speak for the author with minimal interference. The translator is definitely a co-creator of the translated text with the author. A simple sentence can be rendered multiple ways and, therefore, the translator must make many creative decisions about the text. If the translator is not a co-creator than one can simply put the text through some translation tool or machine and have the translation done by a computer. Clearly, it takes a thoughtful, skilled co-creator to translated a text from one language into another.

Brandon Holmquest
Calque

One thing almost all the translators I know have in common is a deep love for the work they translate. This can go so far as an almost sexual jealousy when some else translates that work poorly. Translators are deeply loyal to their authors and very prone toward rivalry with other translators. All of which serves to illustrate the intensity of the connection they feel with the texts they translate and the authors of those texts.

I tend to think of the translator as a sort of junior partner in the work. Certainly a translator has responsibilities to the work and its author, but no one takes those responsibilities more seriously than translators. The author obviously gets and deserves top billing, but the translator is not far behind because without the translator, the work would have no existence in the new language. And the nature of translation is such that the translator has to literally create the work anew in the new language. It's not like flipping a switch and presto: it's in English now. It's more like studying a machine built in millimeters and centimeters, then rebuilding that same machine in inches. Its not the same machine, all the measurements are different, but if you've done the work properly the machine functions the same or very close to the same. The author designed it, the translator built it.

Lucas Klein
CipherJournal

I’ve thought a good deal about the role of the ego in the act of translation. At times I feel like as a translator I should not allow myself any style; I feel like the only style should be the style of what I’m translating (at times I also feel this to be impossible, or even feel such thoughts to be a ruse). At a certain level the same must be true for editors: they should have no style; each piece should not be clamped or stamped with the insistence of the editor’s voice. But then, so often the editor’s style—the “house style”—does overrun the writer’s, for the sake of “readability.” I suspect that this deadens the writing at least as often as this improves it. What I want to resist both as a translator and as an editor is the arrogance that suggests that I know how to “improve” the piece of writing in question. And yet, how can I enable the writing to be as good as it really is?

C.M. Mayo
Tameme

Let me tackle the last question here... it varies. I've worked on translations with no feedback at all from the writer and I've also worked on translations with completely bilingual writers who have had much to say and even a few (all eventually ironed out) disagreements with me. So I would have to say each translation is different.

Samatha Schnee
Words Without Borders

An editor will typically refine a piece for publication. In that sense an editor is a collaborator, but not nearly to the degree that the translator is a collaborator with the author. The author is the ultimate creator and while the translator does create something, he is working off the template provided by the author, and as such it seems inappropriate to deem the translator a co-creator, because that implies parity with the author, when no such thing exists. Without the author, the translation would not be possible. Without the translator, the edited text would not be possible. So I would rank the importance of the three in that order. Of course, some people will remember Garcia Marquez’ words about Rabassa’s translation of One Hundred Years of Solitude—how the book was better in Rabassa’s English than in Garcia Marquez’ Spanish. Perhaps that story is apocryphal; it’s the highest compliment a translator can receive, I think. Still the translation could not exist without the source text, which is the unique creation of the author alone.

Question #6 Is there a relationship between editing and translating?

2009-03-09T21:27:00.000-07:00

Tim Atkins
Onedit

I translate unpublished texts into published ones. Onedit is my taste. My translations are my taste. It all revolves around me! None of my decisions are written in stone, however. I change my mind thousands of times a day.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

In some cases. Both editing and translating involve a very intense reading of the text; you really have to understand its structures and its logic, and if there are any weaknesses, a good editor or translator will notice them, even if a casual reader wouldn’t. If a translator has a good working relationship with the author, they can (diplomatically) make suggestions or point out problems in the original. Sometimes the process of working with a translator spontaneously inspires an author to make changes or gives them new ideas; I’ve seen that happen a few times. This is not necessarily the rule, though! Some writers are very sensitive when they feel that a translator is taking liberties, much less critiquing their work. Ultimately, it’s hard for me to compare editing and translating writers, because I don’t often edit (original) literary work, except for close friends.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

My focus is on editing; I don’t do any of the translating though I do make editorial decisions or suggest editorial changes that impact the translation. But that is only when I think I have something specific in mind to improve the text in English and the authors/translators review all changes.

Brandon Holmquest
Calque

Because we work in so many languages at Calque there isn't a great deal of that. Since Steve and I both know Spanish, the submissions we get from that language do receive a great deal more scrutiny than the ones in Sanskrit, though we generally just reject translations from the Spanish we don't think are very good, rather than try to improve them. In my own work as a translator the closest thing to editing I do is deciding what to translate. Once I have an English text of a given Spanish poem, I of course edit it towards the English norms of usage when appropriate, but I guess I just always thought of that as translating. Perhaps there's more of a relationship than I thought.

Lucas Klein
CipherJournal

My answer to this involves my sense of contribution to the literary community. Many people write, which is their contribution, but most of my participation in the discussions of the literary community, I think, have come in the form of editing or translating. And writing book reviews.

Because at CipherJournal I limit my editing to copy-editing, I can’t say that I view editing and translating as synonymous.

When translator friends & I exchange drafts, though, I often find myself afraid that I’m a better editor of translation than I am a translator. That’s not the kind of balance of skills I would prefer to have.

C.M. Mayo
Tameme

Well, I can say that as a writer, writing and editing are sometimes difficult to distinguish, I mean, I don't just write, I also (constantly) rewrite. Ditto with my literary translations-- I am constantly revising them. (And I am (almost) always very grateful to my copyeditors.)

Samatha Schnee
Words Without Borders

Every translator is an editor, in the sense that they make choices about how to convey a text from one medium (say, Spanish) to another (say, English). I do not think every editor is a translator, and I don’t mean that literally, but figuratively. Editors functions can differ so greatly depending on their role and the format of the vehicle they are editing.

Question #5 Would you like to talk about any differences you’ve come across in the editing/translating of creative texts vs. scholarly texts?

2009-03-04T09:54:00.000-08:00

Tim Atkins
Onedit

I translate poetry. That means I can do what I want with it. I would translate instructions on how to land an aircraft with different priorities.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

I wouldn’t necessarily equate editing and translating here. I tend to edit creative texts rather lightly, respecting the original intentions, but I believe in translating creative texts more freely, with more scope for the translator’s creativity. Whereas scholarly texts offer more scope for the editor and less for the translator.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

We have not published scholarly texts to this point.

Brandon Holmquest
Calque

The closest things to scholarly texts we do are essays and introductions, and what we want there is clarity of statement and directness, so we edit them accordingly. If a sentence begins with, “Indeed,...” I cut that. I cut attempts by writers to state things cautiously, such as by using “perhaps” before delivering an observation. Just say it. The point is to tighten the prose as much as possible without making everyone sound the same. In creative texts we change very little. At times we might suggest to a translator who is not a native speaker of English that a certain word is too obscure or that a certain phrase doesn't need so many prepositions, but that's about as far as it goes.

Lucas Klein
CipherJournal

I’ve never edited translations of scholarly texts, and have only done partial translations of scholarly texts. But I think that the question involves our different expectations when we read literature versus when we read scholarship. When I translate poetry I tend to assume that the reader is looking for a style & substance unavailable in English poetics; I don’t think the same is true for reading scholarship.

C.M. Mayo
Tameme

I couldn't say; I haven't worked with scholarly texts as an editor.

Question # 4: Does the question should be more about how much of a culture we try to transmit and how much we intervene, when working with our journals?

2009-02-27T16:28:00.000-08:00

Tim Atkins
Onedit

The answer depends on individuals. There can’t be a party line. I go to poetry for pleasure, so I want to read translations that please me, however that happens. Do what works for you: that’s my advice. And hope that different people have different approaches.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

I’m not sure what you mean by “intervene”. When we translator or publish translations, we participate in two different literatures – that of the source language and that of the target language. One aspect that interests me is the possibility of creating “cross-pollination”, opportunities for sharing inspiration between literatures. On a very concrete level, this can happen when writers translate one another; it can be a way of learning from each other.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

I think the focus needs to be simply on the text and what the author is attempting to convey through the work and presenting that in English as faithfully as possible. Perhaps I am not understanding your question correctly.

Brandon Holmquest
Calque

When a specific cultural question is germane to the work itself, we try to get that information into the reader's hands, either in our introduction or with a footnote. This comes up a lot in Latin American poetry that deals with race and class, for example. Our goal in such cases is to provide facts in an unobtrusive way. The rest of time, the work itself is usually going to do a better job transmitting its own culture than we're going to do with a thousand essays.

Lucas Klein
CipherJournal

I think this is a central issue, but I’m also not sure that I understand this question.

C.M. Mayo
Tameme

As literary translators and also as literary editors, I think we do both--transmit and intervene.

Samatha Schnee
Words Without Borders

The mission statement of WORDSWITHOUTBORDERS sums this up nicely: Words Without Borders (WWB) opens doors to international exchange through translation, publication, and promotion of the world’s best writing. WWB publishes selected prose and poetry on the web and in print anthologies (the next one to focus on the Islamic world), stages special events that connect foreign writers to the general public and media, develops materials for high school teachers to use foreign literature in classrooms, and continues to build an unparalleled online resource center for contemporary global writing.

Question # 3: Is an expression in one language completely transmittable into another language?

2009-02-23T21:43:00.000-08:00

Tim Atkins
Onedit

Yes: but in a million different ways. There is never a single definitive translation.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

That’s the Big Question, isn’t it? People have written entire books on the subject! I think it’s very hard to discuss the question in the abstract. Even at the simplest level, language can almost never be translated one-to-one. I think things are both “lost” and “added” in translation, and this is as it should be. A literary translator’s work is creative and artistic, they bring their own inspiration and interpretation to the text. Each translator has to choose what to convey and what to jettison en route, what to emphasize or deemphasize, be it the passage’s “literal” meaning, cultural or literary associations, sound, rhythm, emotional tension… Ideally, the translator will recreate the passage with an equal richness of sound, meaning and feeling that approximates the effect of the original, even if the exact components are not the same. Of course, a text has a slightly different effect on every reader, which means that there is quite a bit of scope for individual interpretations.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

I’m not sure the thoughts in our own heads are completely transmittable in our own language! That said, translation stands on its own as a literary work and is definitely capable of transmitting the heart of the text.

Brandon Holmquest
Calque

Yes and no. Maybe. Maybe not. I think this is kind of a trick question because it leads to discussions of “accuracy” which are problematic. Most of the time when people are talking about “accuracy” they are talking about individual words or lines. The fact is that sometimes, as a translator, you have to depart completely from the literal meaning of the text in order to capture something that is, at that specific point in the text, more important, such as a poetic effect or wordplay. Sometimes, with colloquial expressions, you have to change the words entirely into order to capture the relationships that carry the expression's meaning. This sort of thing depends so much on the circumstances in which it occurs that there can be no rules to govern it. Its case by case, you do the best you can and results vary.

Lucas Klein
CipherJournal

Yes and no. In writing I try to avoid adverbs; they tend to weaken English writing by drawing attention away from the nouns and verbs (this is a problem I face when translating from Chinese, where writers and readers often have a different attitude about modifiers). But here—and at other places in the description of translation—the adverb “completely” seems to be key. I probably don’t believe that anything can be completely transmitted from one person to another even within the same language. Given that, however, many expressions have often found complete transmission into another language.

C.M. Mayo
Tameme

Sometimes. Maybe. Well, I guess not.

Samatha Schnee
Words Without Borders

This brings to mind an excellent book, called In Other Words, which we excerpted in WORDSWITHOUTBORDERS. It is a collection of words or expressions that are Untranslatable in a complete way, and every word is a delightful reminder of how one’s own language can be so inadequate

Question#2: What would seem to be the essential editorial challenge when working with translations?

2009-02-18T22:06:00.000-08:00

Tim AtkinsOnedit

Make it interesting.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

It’s important to me to edit at least the prose translations that appear in “no man’s land”; I go through the translation as an English text as well as comparing it with the German original and send the translators editorial suggestions (usually just a few points) which they are free to adopt as they wish. My sense is that most translators appreciate getting feedback on their translations – I know I have appreciated editorial feedback on the translations I’ve published. The thing to keep in mind is that each translator has their own approach to a text, and as an editor who translates from the same source language, it’s important to respect a colleague’s choices and distinguish between things that I personally would have translated differently and things that are actually “wrong” or need work.

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

One clear editorial challenge is dealing with works in a language the editor does not know and so the support of language advisors is important. Otherwise, I think the editorial issues are similar to non-translated material.

Brandon Holmquest
Calque

I would say its watching how you define the word “good.” What we want in our journal is “good” writing, but we can't apply a uniform standard to work from 15 different literatures with distinct histories and traditions. It's not fair to the individual text. When the works come from different time periods it adds another layer to this problem. You have to take each piece on its own terms, and this can be hard to do if you don't know much about 19th century Indonesian poetry, for example. So you have to learn about that, usually by asking the translator to explain it.

Once you get past that problem, if you ever do, you come to the individual translation and its relationship to its source text. At Calque we give our translators all the freedom they want. They can make a straight translation, they can insert and delete things, take a particular political or ideological angle, they can do anything at all so long as 1: the English text is “good” and 2: they clearly state what they've done and why. We don't pretend that anything in the magazine is “authoritative” and we are not hung up on “accuracy” because its basically a myth. We insist that everyone steps forward and says something, in an introduction to their piece, about what they've done, why, what problems they had, etc. This also provides the translator the chance to explain 19th century Indonesian poetry to the reader the way he or she explained it to us. The point of all this is to give the reader all of the information that we have as editors so they can approach the work on its own terms.

Lucas Klein
CipherJournal
I think the challenge for editors here is the same as the challenge for translators: how much do I care about the [in this case] English, and how much do I care about the original language? Since I can read Chinese and French, I can judge submissions of translations from those languages in terms of accuracy; sometimes I might have a negative judgment of a translation from French or, more likely, Chinese because of mistakes or other disagreements, but if I’m not rejecting submissions from certain languages because of errors, why should I do that with other languages? For other publications, who might focus on certain languages, or else have a large enough staff to verify the accuracy of submitted translations, they have found ways to resolve this challenge. But when the focus of CipherJournal is on creative translation, how much of a stickler for accuracy do I want to impose, anyhow?

C.M. Mayo
Tameme

More than anything that the quality of the target prose come up to the level of the original. I also strive to make sure everyone is happy with the final result--- that there is a happy consensus.

Samatha Schnee
Words Without Borders

The translation must be faithful to the source text but must also be rendered naturally into the new language. There is a constant push/pull between these two objectives and the correctness of any one solution is always subjective.

Interviews with the Editors of Calque, Absinthe, Words Without Borders, Onedit, No Man´s Land, CipherJournal and Tameme

2009-02-15T18:25:00.001-08:00

I recently conducted a research on editors of bilingual journals or journals that publish works in translation. I randomly wrote to all the journals I could get in touch with and some of their editors got back to me. Their answers were so fascinating, that I decided to enlist their answers in this space. Within these following weeks, I'll be publishing one answer per spot so you can grasp all the ideas they throw into this research. Thanks to all of them for their time and willingness to get this done.

Question # 1

I always wonder why we keep working with a journal/magazine that encourages so much works in translation. And I wonder this because the US is one of the countries where circumstances have been instrumental in producing readers who are disinclined to see and read what’s been produce in other countries. As an editor of a bilingual journal, what is your perception on this subject?

Tim Atkins
Onedit

Onedit is based in the UK. I think that people read what they know, and that most people don’t want to be challenged or adventurous. Readers, like Hollywood films, almost always take the easy / lazy option. Translation in the UK is seen as some kind of minority sport. But because it threatens nobody, those in power (publishers & bookshops) tend to speak positively about translated works….and then ignore them.

Isabel Fargo Cole
No Man´s Land

In a very concrete sense I was inspired to launch this project because of the difficulty in finding a market for translations in the US. My own experiences trying to market literary translations to US publishers were often quite frustrating; after several years of frustration, I decided to cope by creating an (albeit small-scale) “market” for translations from the German. At the same time, I believe there are many readers in the US who are interested in international literature, and there are many outstanding magazines and publishers that publish translations. Many of these are smaller-scale projects, but the Internet makes it easier for smaller, specialized projects to find their specific audience and community. I should also add that “no man’s land” is based in Berlin and is not necessarily aimed primarily at US readers; many of our contacts are with people in or from the UK. But since I am American myself, I am personally quite interested in reaching US readers. (N. B. – “no man’s land” isn’t bilingual, with a few exceptions. It’s mainly English translations from the German.)

Dwayne D. Hayes
Absinthe: New European Writing

I think it’s probably true that the audience for a literary magazine of translation is smaller than one that focuses on American writing but, on the other hand, I think the readership might be larger than first thought. Magazine/Journals are faced with the difficult task of marketing and making potential readers aware of what’s being published.

Brandon Holmquest
Calque

I'm not sure if I agree with the idea that readers are disinclined to read things from other countries. There are a hell of a lot of people in this country who are not readers, and a great many who read things like genre fiction. It does the publisher of serious literature, translated or not, no good to consider these people as readers. A record label that puts out hip-hop records cares about hip-hop fans, people who hate music and rock fans can take of themselves.

One thing we've learned at Calque is that most of our readers are themselves writers or poets or translators in some capacity. What they want is quality writing and if you give them that they come back for more, they tell their friends and your operation grows. They don't care where the work comes from, really. A poem from Turkey has no advantage over one from Mexico, but if the poem is a good one, then they want to know about where its from and what that means for the work. You cannot, at any point, insult their intelligence or underestimate them. If McDonald's new slogan was “You'll eat any crap we serve you,” their sales would tank.

My point is people in publishing at all levels spend way too much time worrying about the readers they don't have rather than the readers they do have. If we worried about the readers we do have, and took care of them, we'd get more readers as a result.

Lucas Klein
CipherJournal

A few months ago after Horace Engdahl of the Nobel Committee said that the US was “too isolated, too insular,” I saw a flourish of articles arise to say, no we’re not! no we’re not! But yes, we are. Politically, culturally, historically, the US has been very insular and self-satisfied (I remember my adolescent outrage when I learned in 8th grade history class that Congress had to approve war by a simple majority, but approve treaties with other countries by a ⅔ vote, and that when Washington left office he warned of entanglements with other nations). Of course this has changed, and the rush of immigration in the last several decades continues to change it further. But culturally, Americans’ interest in other cultures and other languages often gets under-encouraged. And what plays out in politics or economics, where we’re much better at promoting our exports than at understanding our imports, also plays out in culture. And in publishing literature, all the more so. here’s a self-fulfilling prophecy: book-buyers won’t buy translations, so we don’t publish translations, so book-buyers don’t buy translations. At my radical moments, I think this may have to do with our version of capitalism. But then, movie studios promote movie stars to decrease risk—I’ll see any movie with Johnny Depp in it, no matter what the movie’s about—so why can’t publishing houses promote translators the same way? If we can choose between a Mel Gibson interpretation of Hamlet and a Kenneth Branagh Hamlet—and watch and enjoy them both—then why can’t we choose between a Burton Raffel Don Quijote and an Edith Grossman Don Quixote the same way?

C.M. Mayo
Tameme

Here's something I wrote in an interview with Didi Menendez:
"For literary work, and literary translation especially, supply and demand, though both are ample, do not always come together in a market solution. Why is this? I sometimes think selling literary work to the general market is akin to trying to sell couture at Wal-Mart. Or, say, foie gras at Burger King. But then, look at what Oprah did, taking literary novels, some of them several years old and mid-list obscure, and, abracadabra, mega-best-sellers! So, who knows how a work will find its readers? It's a fascinating question. At least, fortunately, I remain fascinated. I might add: over the past few years I have developed a healthy respect for publicists."

Samatha Schnee
Words Without Borders

As the world’s population increases and national economies morph into a global economy to a greater degree, events outside US borders will affect the US more deeply and more frequently. I am hopeful that an ever-growing segment of young people have a curiosity about what is going on in the world outside our country than ever before. Enrollment in foreign language instruction at the college level seems to be on the rise, as well as interest in studying abroad. If we can make literature from abroad available to this group, and the habit of reading it can be formed early, I believe that interest will continue beyond the college years. In a sense, these are Words Without Borders’ most important readers because over time, through readers like them, reading habits of a nation have the opportunity to change, though that change may occur slowly over generations. This is one of the reasons why WORDSWITHOUTBORDERS has started an education initiative to integrate the stories and poems we publish into high school and college curricula. The interest is there; educators sometimes need a little help accessing the appropriate material.

El internet, los libros y la industria editorial

2009-02-12T19:23:00.000-08:00

El mundo de los libros está siendo sacudido por el internet y una cultura de consumo--que consume todo, menos libros, debería añadir. En una entrevista que tuve con Rob Riemen, director del Nexuus Institute y el autor de Nobleza de espíritu, una idea olvidada, me comentaba que el Washington Globe pronto desaparecerá su sección de reseñas de libros porque no le es redituable. Algo perecido sucedió con la revista Críticas, la cuál recientemente desapareció del mercado estadounidense por falta de presupuesto. Esto me llevó a pensar en algunos semanarios como la revista Times porque he observado que en su sección de cultura dedica la mayor parte de su espacio a las producciones holliwoodenses y muy poco, o casi nada, a la crítica y reseña de libros. Por si fuera poco, tuve una conversación con Paula Reeves, autora de diversos libros de psicología junguiana y se quejaba amargamente de cómo la industria editorial está siendo asfixiada por el Internet.
Es cierto, el internet es muy útil, (en el sentido más pragmático de la palabra), pero por lo mismo no lo es todo. Además de ser inexacto y un eco que se repite y se repite ad infinitud, sólo cubre una parte de las necesidades editoriales.

Me gusta pensar que para prevenir este desdén por la cultura y los libros quizá valdría la pena replantearse el sistema educativo en las escuelas y atacar el problema desde sus primeras manifestaciones. Un sistema educativo inclusivo podría inculcar la cultura del libro desde edades tempranas y evitar el Prozac en edades tardías.

Me gusta pensar que aún quedan remansos culturales como Literal, Latin American Voices, que cree en que la cultura es necesaria para continuar con la secuencia del pensamiento humano, para mantener la dignidad y para no ser absorbidos por una sociedad materialista y de consumo. En una entrevista que le hice a Samantha Scheen, la editora de Words Without Borders me comentó:

If we can make (…) the habit of reading be formed early, I believe that interest will continue beyond the college years. In a sense, these are Words Without Borders’ most important readers because over time, through readers like them, reading habits of a nation have the opportunity to change, though that change may occur slowly over generations.”

Por último, también me gusta pensar que no soy la única persona idealista en este mundo que cree firmemente que la educación lo puede cambiar todo. Incluso las leyes del mercado.

Today´s economy

2009-01-29T12:06:00.000-08:00

Freedom, Truth and Democracy

2009-01-25T16:53:00.000-08:00

As you already noticed, this is the second post in a row that I publish about the director and founder of the Nexus Instituut. The objective is to do an extensive research on Rob Riemen´s work because I will soon meet with him. He agreed to have an interview with Literal which I´ll publish in the next spring issue. Here is a magnificent and brief elucidation of what freedom, truth and democracy are. Click here to see the video

An Open Letter to President-elect (Now President) Obama from Rob Riemen

2009-01-15T10:01:00.000-08:00

After reading it, I feel it is important to look back on the history and principles that have shaped the US. Moreover, its important for the Head of State to know, in Riemen´s words that "for too long there has been a culture of total ignorance and anti-intellectualism, and we have forgotten what Mann said in America as early as 1938: "In a democracy which does not respect the intellectual life and is not guided by it, demagogy has free play and the level of national life is depressed to that of the ignorant and uncultivated."

It´s both refreshing and encouraging to find people like Riemen who think that society needs to be nourished by nobility and ideals!

To read the letter click here

Rob Riemen is the founder, president, and CEO of the Nexus Institute, a Netherlands-based leading international center for intellectual and philosophical debate, that seeks to give shape to an informed dialogue between decision-makers and the world of ideas. Riemen is the author of The Nobility of Spirit (2008, Yale University Press).

Samuel Huntington bajo la lupa de José Antonio Aguilar

2009-01-09T09:39:00.000-08:00

Samuel Huntington, uno de los politólogos más controversiales de Estados Unidos, murió este pasado 24 de diciembre. Sus propuestas y pensamientos con respecto a los hispanos en este país, causaron gran escozor entre los intelectuales mexicanos y latinoamericanos. En el sexto volumen de Literal publicamos un artículo en versión bilingüe de José Antonio Aguilar, quien en su momento, realizó un análisis interesantísimo sobre el pensamiento del escritor estadounidense. A continuación un fragmento del artículo:

“En marzo de 2004 la revista Foreign Policy publicó un artículo
escrito por el famoso politólogo de Harvard, Samuel P. Huntington. El ensayo, “El reto hispánico” fue un adelanto del libro que apareció poco después, Who Are We? The Challenges to America’s National Identity (Quiénes somos, Paidós, 2004)
sobre el supuesto peligro que representa para la sociedad norteamericana
la inmigración mexicana. ´A mediados del siglo XX´, escribió Huntington, ´los Estados Unidos de América se habían convertido en una sociedad multiétnica y multirracial caracterizada por una cultura mayoritaria dominante anglo protestante
(bajo la que se englobaban múltiples subculturas) y por un credo político común enraizado en esa cultura mayoritaria. Sin embargo, tal y como se estaban sucediendo los acontecimientos a finales del siglo XX, Estados Unidos iba en camino de convertirse en una sociedad anglo hispana bifurcada por dos lenguas nacionales. Esta tendencia era resultado, en parte, de la popularidad de la que gozaban las doctrinas del multiculturalismo y la diversidad entre las élites intelectuales y políticas, así como de las políticas gubernamentales de educación bilingüe y acción afirmativa promovidas y sancionadas por dichas doctrinas. De todos modos, la auténtica fuerza impulsora de la tendencia hacia la bifurcación cultural ha sido la inmigración procedente de América latina y, muy especialmente, de México. (....)
En su libro, Huntington se declara un patriota sin remordimientos: ´todas las sociedades se enfrentan a amenazas recurrentes a su existencia. A las que, en un momento u otro, acaban sucumbiendo. Pero algunas, aun estando igual de
amenazadas, son también capaces de aplazar su desaparición frenando e, incluso, invirtiendo los procesos de declive, y renovando su vitalidad e identidad. Creo que Estados Unidos es perfectamente capaz de esto último y que los estadounidenses
deberían renovar su compromiso con la cultura, las tradiciones y los valores anglo protestantes a los que los norteamericanos de todas las razas, etnias y religiones, se han adherido durante tres siglos y medio, y que han supuesto la fuente de su libertad, su unidad, su poder, su prosperidad y su liderazgo moral como fuerza de bien en el mundo´.”

Tangled Alphabets: León Ferrari and Mira Schendel

2009-01-08T11:04:00.000-08:00

Mira Schendel, Brazilian, born Switzerland. 1919-1988
Untitled from the series Droguinhas, 1972
Paper
26 x 7 x 7" (66 x 17.8 x 17.8 cm)
Collection of Diane and Bruce Halle
© 2008 Mira Schendel Estate

León Ferrari (Argentine, b. 1920) and Mira Schendel (Brazilian, b. Switzerland, 1919–1988) are considered among the most significant artists working in Latin America during the second half of the twentieth century. The Museum of Modern Art will have a preview of their work this coming spring of 2009.

Ferrari and Schendel's works address language as a major visual subject matter: the visual body of language, the embodiment of voices as words and gestures, and language as a metaphor of the worldly aspect of human existence. They produced their works in the neighboring countries of Argentina and Brazil throughout the 1960s and 1980s, when the question of language was particularly central to Western culture due to the central role taken by post-structuralism, semiotics, and the philosophy of language. Although their drawings, sculptures, and paintings are contemporary with the birth of Conceptualism, they are distinctively different, and have not yet been exhibited in their entirety in the United States.
Mira Schendel, Brazilian, born Switzerland. 1919-1988
Untitled from the series Graphic Objects, 1972
Pressure sensitive transfer type on thin Japanese paper
37 3/8 x 37 3/8" (95 x 95 cm)
Clara Sancovsky Collection
© 2008 Mira Schendel Estate